Suite à l’annonce du gouvernement d’une sortie possible du confinement le 11 mai, nous sommes contraint.e.s de nous résoudre à reporter la journée initialement prévue le 28 mai à l’Institut National d’Histoire de l’art.
S’il est pour l’instant difficile de vous annoncer une nouvelle date, nous vous confirmons néanmoins le maintien de cette journée d’études, et nous ne manquerons pas de communiquer à ce sujet dès la confirmation d’une date propice à son bon déroulement.
Nous avons en outre décidé de dédoubler l’évènement pour l’étendre sur deux jours, au vu des nombreuses propositions de communications de qualité que nous avons reçues et des thématiques très larges abordées. De la même manière, nous vous informerons dès que possible de l’organisation de cette seconde journée.
Nous sommes désolé.e.s de ce report qui n’est, bien entendu, pas dépendant de notre volonté, et nous vous souhaitons bon courage à toutes et à tous en cette période troublée.
Étiquette : INHA
Appel à communication : « Fabriquer les identités collectives. Un chantier de l’art à l’époque contemporaine (XIX-XXIe siècle). » Date limite : 24 février 2020
L’art, quel qu’il soit, est exclusivement politique
Daniel Buren1
Les derniers siècles (XIX-XXIe) ont été le terrain d’une reconfiguration incessante des identités collectives et de leurs imaginaires. Ces fluctuations sont le résultat des transformations majeures que sont les révolutions politiques, les phénomènes de modernisation industrielle, les nouvelles dynamiques de territorialisation et de mondialisation. Par conséquent, il est important pour l’histoire de l’art d’engager une interprétation de l’œuvre artistique en l’intégrant aux facteurs extérieurs. Dans une volonté de s’éloigner des schémas traditionnels, qui excluent, désengagent, décontextualisent et dépolitisent, le monde artistique interroge le lien entre art et société, entre création et construction des identités collectives. Ce sont d’ailleurs l’émergence, la grande diversité et le caractère mouvant de ces dernières qui sont ici sujet d’intérêt.
À titre d’indication, et sans prétention d’exhaustivité, ces identités collectives peuvent recouvrir des réalités nationales, territoriales, socio-économiques, générationnelles, professionnelles, ethniques, raciales, de genre, sexuelles, religieuses, politiques, militantes, philosophiques, linguistiques, artistiques, culturelles, corporelles, humaines/post-humaines… Ainsi, pour appréhender la notion d’identité collective dans sa plus grande pluralité, il paraît intéressant de se focaliser sur les mécanismes et les conséquences particulières de ces constructions à travers l’art, que nous entendons ici dans toute son interdisciplinarité (peinture, sculpture, architecture, performance, cinéma, installation…).
- Daniel Buren, Limites critiques. Paris : Galerie Yvon Lambert, 1970 [↩]
Appel à communications : « Fragmentations. Transcriptions d’un nouveau rapport au monde dans les pratiques artistiques du XIXe au XXIe siècle » (jusqu’au 11 février 2019)
John McHale, Sans titre, collage, non daté (vers 1954), 30 x 46 cm,
Yale Center for British Art, don de Magda Cordell McHale
© Yale Center for British Art
Si ce sont les plumes qui font le plumage, ce n’est pas la colle qui fait le collage.[1]
Max Ernst
Comme le laisse ici deviner Max Ernst, les qualités d’un collage, en art, ne tiennent pas tant dans ses propriétés de médium artistique que dans le nouveau rapport au monde qu’il permet à l’artiste d’exprimer. Cette pratique résulte d’un processus de fragmentation visuelle, d’une séparation et d’un découpage du réel en morceaux, puis d’une recomposition de ce dernier dans une forme inédite : de quoi découle cette idée de morcellement ?
À partir du XIXe siècle, au moment où se développent les « machines à voir », kaléidoscope ou phénakistiscope, et les nouveaux moyens de locomotion, voiture ou train, un nouveau mode de perception se définit : la technique réduit les distances et parcellise la vision. Au XXe siècle, la prise d’importance exponentielle des médias tels que la télévision et les magazines, ainsi que les nouveaux outils de communication, du téléphone aux réseaux sociaux, modifient significativement le rapport de l’homme à l’image, qui devient un élément essentiel de la société du spectacle théorisée par Guy Debord. De plus une multitude d’images, devenues désormais symboles au service de la consommation de masse, envahissent l’espace urbain contemporain. Conséquence des nouveaux usages technologiques, la représentation du monde se façonne, dans la seconde moitié du siècle, à travers un assemblage simultané et profondément hétérogène. La multiplication des écrans, le zapping, le scrolling et la juxtaposition d’éléments parfois sans lien, ainsi que l’accès instantané à l’information, deviennent autant d’obstacles à une expérience perceptive unifiée et continue, et imposent la nécessité d’une nouvelle écologie de la concentration.
Ce nouveau rapport au réel est exprimé par les artistes à travers un large éventail de solutions plastiques. Les premiers, les artistes cubistes et futuristes cherchent à traduire l’expérience simultanée des différentes dimensions de l’espace et du temps sur une surface plane. La juxtaposition de divers points de vue au sein d’un même espace visuel et temporel est ainsi systématisée. Il est notable qu’Umberto Boccioni décrit le phénomène de fragmentation comme l’expression d’une unification, d’une continuité : « L’accusation de cinématographie nous fait rire comme une imbécillité vulgaire. Nous ne subdivisons pas les images visuelles, nous recherchons un signe, ou plutôt, une forme unique qui remplace l’ancien concept de division par le nouveau concept de continuité[2]. »
Quelques années plus tard, les artistes dada et surréalistes composent et décomposent avec des procédés de juxtaposition aléatoire et de libre association, laissant une large place au hasard, pour rendre compte de la combinaison d’éléments disparates du réel. Dans l’après Seconde Guerre mondiale, ce sont les affichistes qui, à travers la pratique de l’arrachement, déchirent les publicités qui les entourent dans l’espace quotidien et rendent ainsi compte de l’expérience de la multiplicité des images produite par la société de masse. Les artistes du pop art s’approprient cette même iconographie en la saisissant à travers de multiples sources, notamment journaux, pulps et magazines. De même le cinéma, par le montage, peut créer une continuité diégétique ou faire s’entrechoquer les images, accentuant les hiatus. En littérature, les écrivains de la Beat Generation mettent au point la technique du cut-up, consistant en le prélèvement de fragments d’écrits existants, réarrangés entre eux de manière à créer un nouveau texte.
Les exemples donnés ici à titre indicatif sont loin d’être exhaustifs. Des questions communes émergent cependant face à ces multiples expérimentations : comment les artistes intègrent-ils l’expérience de la fragmentation à leur pratique ? Comment l’esthétique du morcellement peut-elle nous aider à cerner notre rapport au réel ? Nous accueillons tous les projets de communication qui se proposent d’étudier la traduction d’une expérience fractionnée de la réalité dans les productions artistiques, du XIXe siècle au XXIe siècle, dans le champs des arts plastiques, de la photographie, du cinéma, de l’architecture et des nouveaux médias.
Cette journée d’études est ouverte à toutes les doctorantes et tous les doctorants. Les personnes intéressées doivent envoyer leur bio-bibliographie et leur proposition de communication (entre 2000 et 3000 signes) à association1920@gmail.com avant le 11 février 2019.
Elle se tiendra le vendredi 3 mai de 9h30 à 18h à l’Institut national d’histoire de l’art et fera l’objet d’une captation sonore qui sera diffusée sous forme de podcast sur le carnet hypothèse de l’association.
Appel à communications : « Transformations photographiques : expérimentations du médium dans les arts visuels du XIXe au XXIe siècle. » (jusqu’au 25 février 2018)
Sigmar Polke, Sans titre (Intérieur), 1984. Photographie noir et blanc, épreuve gélatino-argentique retouchée à la peinture, 127 x 215 cm
- Date et lieu de la journée d’études : jeudi 17 mai 2018 à l’Institut national d’histoire de l’art.
- Date limite d’envoi des propositions : 25 février 2018.
Cette journée d’études, organisée par l’association doctorale 19-20 Art contemporain, a pour but d’interroger la photographie en tant que médium artistique transformé dans les arts visuels du XIXe au XXIe siècle.
Dès les expérimentations de Nicéphore Niépce et l’élaboration de la technique photographique par Louis Daguerre dans le premier tiers du XIXe siècle, les qualités de la photographie comme un moyen d’enregistrement du réel sous la forme d’une empreinte inaltérable apparaissent. De manière concomitante, sa valeur documentaire au service des arts plastiques et littéraires se déploie. À la fin du XIXe siècle, des photographes pictorialistes, notamment Robert Demachy, illustrent des paysages et portraits vaporeux, détournant ainsi la photographie pour qu’elle interprète le réel en intervenant sur les différentes étapes de développement du médium photographique en vue de créer un objet pictural unique.
L’artiste et théoricien László Moholy-Nagy, qui lui-même a transformé le médium photographique, publie dans les Cahiers d’art (1929) son texte « La photographie, ce qu’elle était, ce qu’elle est, ce qu’elle devrait être ». Il y décrit les manipulations photographiques comme l’un des aspects de la création contemporaine « où la technique seule s’avère insuffisante : elle est un moyen, non un but » pour que naisse une œuvre graphiquement cohérente. Marcel Natkin dans Truquages en photographie (1939) aborde successivement plusieurs procédés : photogrammes, taches, trames, relief, bas-relief, photomontages, déformations, solarisation, « secrets de l’obturateur » et infra-rouge, rejetant par là l’idée que les truquages en photographie sont de « faux documents » et défend qu’ils doivent au contraire être considérés comme « les procédés modernes d’interprétation photographique ». Détachée d’une volonté d’en faire une restitution minutieuse, la photographie devient parfois une déformation utopique du réel à la manière de la production du groupe d’architectes Superstudio dans les années 1960.
Dans la seconde moitié du XXe siècle, la large circulation des images par les médias de masse se traduit chez les artistes s’intéressant à la culture populaire par des œuvres où la photographie apparaît multipliée et agrandie. Plus tard, les artistes transforment et insèrent les photographies dans la construction des œuvres par l’expérimentation de nouveaux dispositifs d’expositions, de formes inédites d’installations qui impliquent la spatialisation et l’interaction du spectateur, à la manière des tirages monumentaux de Patrick Tosani. En architecture, l’infographie permet de nouvelles manipulations virtuelles de l’image photographique, telles que les a expérimentées Filip Dujardin pour ses bâtiments construits numériquement sur des logiciels mais impossibles à réaliser.
Les propositions de communications de la journée d’études « Transformations photographiques : expérimentations du médium dans les arts visuels du XIXe au XXIe siècle. » pourront questionner aussi bien :
- les variations du développement (photogramme, rayogramme, solarisation, distorsion, superposition, effet négatif) ;
- les notions de spatialisation de la photographie (fresque, installation, interaction) ;
- les modifications sur les épreuves (découpage, collage, assemblage) ;
- les objets photographiques (imprimé, sculpture, maquette, dispositif) ;
- les logiciels numériques (montage) ;
cette liste n’étant pas exhaustive.
Organisée par l’association 19-20 Art contemporain, cette journée d’études est ouverte à toutes les doctorantes et tous les doctorants. Les personnes intéressées doivent envoyer leur bio-bibliographie et leur proposition de communication (entre 2000 et 3000 signes) à association1920@gmail.com avant le 25 février 2018.
Cette journée d’études fera l’objet d’une captation sonore qui sera diffusée sous forme de podcast sur le carnet hypothèse de l’association.
Cette journée d’études se tiendra le jeudi 17 mai 2018 de 9h30 à 18h à l’Institut national d’histoire de l’art.
19-20 est l’association doctorale d’histoire de l’art contemporain. Son objectif est de valoriser le travail des étudiantes et des étudiants en thèse dont les recherches portent sur l’art du XIXe au XXIe siècle.
Association 19-20
Galerie Colbert, INHA
2 rue Vivienne
75002 Paris
Journée d’études : « Images mentales. L’hallucination dans les arts du XIXe et du XXe siècles » (26 mai 2016, INHA, Paris)
Jeudi 26 mai 2016 de 9h30 à 18h
INHA / Galerie Colbert / 2e etage / Salle Perrot
2 rue Vivienne 75002 Paris
Entrée libre
La journée d’études doctorale « Images mentales » propose de s’interroger et d’analyser la place de l’hallucination dans la création artistique de l’époque contemporaine, aussi bien dans les champs de la littérature, de la peinture, de l’installation et du cinéma.
Apparu avec l’émergence de la psychiatrie, le terme d’« hallucination » trouve une définition fondatrice sous la plume de Jean-Etienne Esquirol, en 1817 dans le Dictionnaire des sciences médicales, avant de s’émanciper du cercle scientifique à partir des années 1830 pour toucher les milieux littéraires. Les années 1850-1860 voient l’intensification des débats autour de cette notion, ainsi que son association avec l’idée de représentation mentale. Que ce soit Brierre de Boismont, Alfred Maury ou Hippolyte Taine, tous vont chercher dans la puissance imaginative des artistes des arguments contre la réduction pathologique de l’hallucination. Sans prendre parti pour une définition particulière, l’hallucination, qu’elle soit de nature pathologique, hypnagogique ou déclenchée par un psychotrope, se caractérise par sa capacité à interroger la réalité – qui ne peut plus se réduire au monde physique – tout en ouvrant « les portes de la perception ». Il s’agira de comprendre comment cette notion s’est transmise dans les pratiques artistiques du XIXe, du XXe et du XXIe siècles.
Cette journée d’études est organisée par l’association 19-20, avec le soutien de l’Université Paris-Sorbonne, de l’École doctorale 124 et du Centre André Chastel.
Appel à communication pour la journée d’études 19-20 : « Images mentales. L’hallucination dans les arts du XIXe et du XXe siècle » (jusqu’au 6 mars 2016)
Date et lieu : 26 mai 2016, Institut national d’histoire de l’art, Galerie Colbert, Paris
Date limite : 6 mars 2016
Apparu avec l’émergence de la psychiatrie, le terme d’« hallucination » trouve une définition fondatrice sous la plume de Jean-Etienne Esquirol, en 1817 dans le Dictionnaire des sciences médicales, avant de s’émanciper du cercle scientifique à partir des années 1830 pour toucher les milieux littéraires. Les années 1850-1860 voient l’intensification des débats autour de cette notion, ainsi que son association avec l’idée de représentation mentale. Que ce soit Brierre de Boismont, Alfred Maury ou Hippolyte Taine, tous vont chercher dans la puissance imaginative des artistes des arguments contre la réduction pathologique de l’hallucination. Sans prendre parti pour une définition particulière, nous souhaitons retenir l’idée d’un continuum entre les images mentales, les rêves et l’hallucination.
Si l’imagination artistique peut faire naître l’hallucination, tel le goût de l’arsenic dans la bouche de Gustave Flaubert lorsqu’il écrivait l’empoisonnement de Madame Bovary, c’est à la problématique inverse que nous voulons nous intéresser : comment l’hallucination imprègne-t-elle l’imaginaire des artistes de l’époque contemporaine ? Comment se matérialise-t-elle dans leurs pratiques ? Jouant de la double signification de ce verbe, il s’agit tout autant d’étudier l’objectivation des hallucinations sur un support artistique que les procédés visant à les communiquer au spectateur. Entre retranscription et transmission, le panel des pratiques peut s’étendre des arts conventionnels comme la peinture, la sculpture, la gravure, la photographie, etc., à des formes artistiques moins traditionnelles telles que les environnements, les installations, les spectacles lumineux et sonores, les discothèques, etc. Le corpus pourra comprendre aussi bien des œuvres produites simultanément à l’hallucination, possiblement de manière automatique, que celles réalisées postérieurement à l’expérience hallucinatoire. Qu’elle soit de nature pathologique, hypnagogique ou déclenchée par une substance psychotrope, l’hallucination met en jeu deux niveaux de réalité, le monde extérieur et l’univers mental. Continuer la lecture de Appel à communication pour la journée d’études 19-20 : « Images mentales. L’hallucination dans les arts du XIXe et du XXe siècle » (jusqu’au 6 mars 2016)