Appel à communication : « L’interaction dans et avec la musique, Son, geste, dispositifs dans les musiques électroniques et électroacoustiques contemporaines » (jusqu’au 15 avril 2017)

Résumé

Au cours du XXe siècle, la musique occidentale, dans ses expressions savantes et populaires, a considérablement évolué et s’est développée sous de multiples formes. Aujourd’hui, les frontières entre arts visuels, musique, danse, théâtre, cinéma sont de plus en plus perméables et tendent à s’effacer. Les artistes créent des œuvres pluridisciplinaires où sons, corps, voix, images fixes ou en mouvement participent à un même projet. Irradiant et alimentant la plupart des formes d’art, de l’improvisation à la composition, du divertissement aux formes savantes, des arts de la scène au cinéma ou au jeu vidéo, l’art des sons constitue à la fois une activité indépendante et un nœud où naissent une multitude d’interactions. C’est ce nœud aussi bien pratique que conceptuel que le présent colloque entend interroger.

11-12 Octobre 2017 – Université Rennes 2
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Appel à communication : « Sculptures horizontales. 5e journée des jeunes chercheurs en sculpture » (jusqu’au 17 avril 2017)

Date et lieu de la journée d’études : 9 juin 2017 à l’auditorium du Musée Rodin.

À l’horizontal

Sculptures horizontales, bodenplastik, floor pieces

On a récemment marché à Paris sur les plaques au sol de Carl Andre et relu le texte où il explique que sa fascination pour l’horizontal vient probablement de sa pratique du kayak dans l’enfance. La sculpture horizontale n’est donc pas seulement une réponse à l’érection quasi phallique des statues : c’est une voie, une direction, un cheminement (un cas qu’on rencontre souvent dans le monumental horizontal des villes nouvelles, axes, voies, etc). Il y a « horizon » dans « horizontale ». Les sculptures-promenades de Richard Serra en attestent, mais on parlera plutôt de sculptures oblongues, de longues courbes. Pour un Giuseppe Penone, la sculpture à l’horizontale est un rappel de pratiques agricoles, où culture rime avec sculpture. Pour d’autres sculpteurs, le sol devient une surface de projection ou de dispersion (Barry Le Va). Il y a aussi des retombées de la sculpture (les “felts” de Robert Morris). La performance ajoute les reptations et les figures horizontales (on pense à Klaus Rinke). Faire tomber la sculpture, la passer de la verticale à l’horizontale, brouiller les axes du vertical et de l’horizontal (Daniel Spoerri) opère une remise en question des valeurs pratiques et symboliques, peut être politique dans le cas de l’iconoclasme renversant. Les inscriptions au sol de l’art minimal et post-minimal renouvellent, pour leur part, un usage longtemps réservé à la statuaire funéraire. Mais parler d’horizontalité en sculpture, c’est aussi parler du lieu d’implantation de la sculpture, surtout quand il s’étend à la place dans l’in situ, voire à l’open space dans les earthworks.

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Appel à communication : « Tommies, Poilus, Frontschweine. Représentations artistiques de soi et l’autre dans la Grande Guerre » (jusqu’au 15 mars 2017)

DATE LIMITE : 15 mars 2017

DATE ET LIEU DU COLLOQUE : 16 et 17 novembre 2017, Université Paul Valéry (Montpellier III)

Partant du constat d’un profond bouleversement des identités civiles et combattantes au cours de la Grande Guerre, ce colloque vise à mieux comprendre comment les arts ont pu se ressaisir de ces images de soi et de l’autre, nouvelles ou préexistentes, tout au long du XXe siècle. En cherchant à déterminer en quoi ces représentations fluctuèrent au fil du temps, l’enjeu serait aussi de déterminer en quoi elles se présentèrent aux artistes comme un défi susceptible de provoquer de profonds renouvellements techniques et esthétiques.

Appel à communications : « Nouvelles formes de présence dans la performance » (jusqu’au 28 février 2017)

Colloque international, École des Beaux-Arts de Saint-Pétersbourg, 2-3 juin 2017. Cet endroit qui évoque une forte tradition de médias classiques, deviendra un lieu de réflexion sur le média le plus récent, la performance.

La présence, un élément clé de la performance, sera étudiée à travers son évolution, dans ses aspects topographiques mais  aussi technologiques. Un sujet parallèle du colloque portera sur l’enracinement de la performance dans le réel, de la juxtaposition à la fusion.

Plusieurs axes qui ne sont pas exclusifs les uns des autres sont proposés pour poursuivre la réflexion :

Nouvelles technologies de la présence

Traditionnellement l’artiste présent directement devant le public était le seul élément nécessaire de la performance. Au fur et à mesure, avec le développement de nouvelles technologies, les formes de sa présence ont commencé à se multiplier. Robotique, biotechnologie, présence par le biais de témoignages et d’identification, réseaux sociaux… Comment l’artiste s’approprie-t-il de nouvelles formes de création, de transmission et d’enregistrement des données? Comment les nouvelles technologies de la présence dans la performance ont-elles modifié les problématiques de la performance?

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Appel à communication : « Le temps du posthumain ? » (jusqu’au 6 février 2017)

  • 6 FEVRIER 2017
  • 2 JUIN 2017, PARIS, UNIVERSITÉ PARIS-DIDEROT – PARIS

Appel à communications : « Framing Street Art » (jusqu’au 1er janvier 2017)

mausoleeL’art est partout : il suffit d’ouvrir les yeux et/ou de décréter que quelque chose est de l’art. C’est ce qu’a fait Ernest Pignon-Ernest en collant des cadres sur des murs de la ville de Nice, entre 2004 et 2013. Chantre du lieu porteur intrinsèque de poésie et de mémoire, l’artiste ne faisait rien d’autre que d’utiliser le signe-cadre comme outil de révélation du potentiel artistique des murs, c’est-à-dire comme outil d’artification (Heinich et Shapiro 2012). Le cadre fait en effet référence à l’œuvre muséale, qu’il entoure, protège et met en valeur. Par définition, les œuvres de Street Art n’ont pas de cadre à proprement parler si l’on entend par Street Art un art « self-authorized » (Blanché 2015), c’est-à-dire auto-autorisé, et réalisé dans l’espace public ou les lieux abandonnés, en tout cas in situ. Le cadre est pourtant une question essentielle et problématique, à plusieurs titres.

D’abord, c’est un motif récurrent des œuvres, à la fois en tant qu’encadrement de l’œuvre et comme partie intégrante de l’œuvre. Ce motif a partie liée avec la question de l’artification du Street Art. L’artiste qui encadre son œuvre de Street Art suggère que l’œuvre a dignité égale à celle des œuvres encadrées et, donc, présentées comme des œuvres d’art, et que le lieu public (ouvert, accessible à tous, gratuit) où l’œuvre est située est aussi respectable que les espaces d’exposition (clos, sélectifs, voire payants). Par analogie, le cadre pose une problématique sulfureuse du Street Art, qui navigue entre les eaux vives de l’in situ et le white cube des espaces d’exposition et maisons de vente, puisqu’un marché de l’art contemporain urbain s’est considérablement développé ces dernières années. Ainsi une œuvre d’Urban Art (réalisée sur commande dans un espace clos) de Pøbel & Atle Østrem montre deux hommes s’efforçant de faire rentrer dans un cadre doré le throw-up « STREETCRED » (c’est-à-dire Street Credibility, [Crédibilité de la rue]) qui en déborde irrésistiblement. La rue donne sa légitimité à l’œuvre, mais l’institution (représentée par les deux hommes qui revêtent un costume) veut enfermer l’œuvre dans des cases préétablies (le cadre au sens figuré, qui renvoie aux limites assignées à un travail ou une pratique, aux règles en vigueur), ce qu’elle ne peut faire sans amputer et, donc, endommager l’œuvre qui sort nécessairement des cadres imposés. L’art contemporain urbain, qui respecte les règles des institutions (patrimoniale ou marchande), n’est donc pas le Street Art : au mieux, son frère ou, plutôt, son cousin. Le Street Art est vivant alors que l’autre est figé et « kitsh » (Génin 2015).

Le cadre, au sens non plus de l’objet entourant l’œuvre, mais en tant qu’espace délimitant l’œuvre de Street Art photographiée est par ailleurs une nécessité et un choix crucial pour le récepteur et pour l’artiste. Ceux-ci, en effet, photographient très souvent les œuvres et, parfois, en diffuse les images sur internet. Le cadre suppose non seulement que l’œuvre puisse être bidimensionnelle, mais aussi qu’on puisse non seulement délimiter les formes et contours de l’œuvre, et, de surcroît les fixer une fois pour toutes : or, d’une part, l’œuvre de Street Art est une œuvre in situ, par essence, et, d’autre part, une œuvre participative et vivante, « conversationnelle » (Hansen and Flynn 2016), « partagée » (Bertini 2015), c’est-à-dire ouverte, parfois transitoire, de toute façon en constante évolution et redéfinition : « term Street Art cannot be defined conclusively since what it encompasses is constantly being negotiated » [le terme Street Art ne peut pas être défini de façon conclusive, puisque ce qu’il comprend est constamment en cours de négotiation] (Bengsten 2014). Doit-on considérer que l’image de l’œuvre, qui n’en saisit qu’une forme transitoire dans son processus vital temporel, est elle-même œuvre ou partie de l’œuvre, comme le suppose la démarche des artistes qui photographient eux-mêmes leur travail in situ ? Doit-on considérer que le Street Art est devenu un « Internet Art » (Glaser 2015) ?

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Appel à communications : « In situ / Ex situ The Art of Exhibiting Art : Relationships between Art and Architecture in their Spatial Context » (jusqu’au 15 décembre 2016)

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The fifth international doctoral study day of the Rome Art History Network, which will be held on 27-28 April 2017, and organised in partnership with the University of Notre Dame Rome Global Gateway and the Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, Museo di Roma di Palazzo Braschi, proposes a theoretical and methodological reflection upon the relationships and strategies of installing art and architecture, both inside and outside their original spatial contexts. It is evident that the work of art always relate to the surrounding spaces. Indeed, the strategies and methods of exhibiting works in situ / ex situ are at the heart of contemporary art-historical debates. But how does the manipulation of the original spatial context alter the perception of a work of art, or the organic nature of an architectural system? How does a given layout highlight specific characteristics of an artwork? What new meanings does an object assume, following its contextual switch? Are traditional concepts of historiographical concepts still valid for current issues of museology or museography? Does an object’s de-contextualization potentially “save” the art in critical cases, or does it always imply an alteration of its original meanings?

The study day aims to encourage an interdisciplinary and cross-temporal debate on the issue of location and spatial relationship between the works of art and architecture and the reciprocal exchanges between these artistic domains.

Proposals may include, but are not limited to, topics about:

– The role of spatial contexts in the display of and the relationship between the works of art;

– How the alteration of spatial context affects of in situ / ex-situ works;

– Relationships between art and architecture in the exhibitions/ museographical or museological cases;

– Gesamtkunstwerke, site-specific works of art, mise en scéne projects or visual theme concepts; – Dispositio of a museum/architectural/urban system.

The call for papers is open to art and architectural history graduate students of Italian and foreign academic institutions. We encourage candidates to submit 20-minute talks that, through case studies and theoretical observations, focus on the methodologies and key themes listed above. The study day (27-28 April 2017) will be held both in Italian and English, and we welcome submissions in both languages. The organization cannot cover any travel or residence costs.

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