Après un an de report, le colloque reprend sa course!
Nous sommes heureux·ses de vous annoncer qu’il se déroulera les 27 et 28 mai 2021 (en distanciel). Le détail du programme est à retrouver ci-dessous.
Les inscriptions à l’évènement en ligne se font ici : https://forms.gle/n8f5r5cj3xwDeJ1E6
Au plaisir de vous y retrouver!
Remerciements à Ombeline Blaise pour le graphisme.
Suite à l’annonce du gouvernement d’une sortie possible du confinement le 11 mai, nous sommes contraint.e.s de nous résoudre à reporter la journée initialement prévue le 28 mai à l’Institut National d’Histoire de l’art.
S’il est pour l’instant difficile de vous annoncer une nouvelle date, nous vous confirmons néanmoins le maintien de cette journée d’études, et nous ne manquerons pas de communiquer à ce sujet dès la confirmation d’une date propice à son bon déroulement.
Nous avons en outre décidé de dédoubler l’évènement pour l’étendre sur deux jours, au vu des nombreuses propositions de communications de qualité que nous avons reçues et des thématiques très larges abordées. De la même manière, nous vous informerons dès que possible de l’organisation de cette seconde journée.
Nous sommes désolé.e.s de ce report qui n’est, bien entendu, pas dépendant de notre volonté, et nous vous souhaitons bon courage à toutes et à tous en cette période troublée.
L’art, quel qu’il soit, est exclusivement politique
Daniel Buren1
Les derniers siècles (XIX-XXIe) ont été le terrain d’une reconfiguration incessante des identités collectives et de leurs imaginaires. Ces fluctuations sont le résultat des transformations majeures que sont les révolutions politiques, les phénomènes de modernisation industrielle, les nouvelles dynamiques de territorialisation et de mondialisation. Par conséquent, il est important pour l’histoire de l’art d’engager une interprétation de l’œuvre artistique en l’intégrant aux facteurs extérieurs. Dans une volonté de s’éloigner des schémas traditionnels, qui excluent, désengagent, décontextualisent et dépolitisent, le monde artistique interroge le lien entre art et société, entre création et construction des identités collectives. Ce sont d’ailleurs l’émergence, la grande diversité et le caractère mouvant de ces dernières qui sont ici sujet d’intérêt.
À titre d’indication, et sans prétention d’exhaustivité, ces identités collectives peuvent recouvrir des réalités nationales, territoriales, socio-économiques, générationnelles, professionnelles, ethniques, raciales, de genre, sexuelles, religieuses, politiques, militantes, philosophiques, linguistiques, artistiques, culturelles, corporelles, humaines/post-humaines… Ainsi, pour appréhender la notion d’identité collective dans sa plus grande pluralité, il paraît intéressant de se focaliser sur les mécanismes et les conséquences particulières de ces constructions à travers l’art, que nous entendons ici dans toute son interdisciplinarité (peinture, sculpture, architecture, performance, cinéma, installation…).
La journée d’études doctorale « Fragmentations » porte sur la transcription, dans les arts, d’une expérience renouvelée du réel. À partir du XIXe siècle, au moment où se développent les « machines à voir » telles que le kaléidoscope ou phénakistiscope et de nouveaux moyens de locomotion que sont la voiture et le train, un autre mode de perception se définit : la technique réduit les distances et parcellise la vision. Au XXe siècle, la prise d’importance exponentielle des médias de masse au travers de la télévision et des magazines, ainsi que les derniers outils de communication comme le téléphone et les réseaux sociaux, modifient significativement le rapport de l’être humain aux images. Conséquence des nouveaux usages technologiques, la représentation du monde se façonne, dans la seconde moitié du siècle, à travers un assemblage simultané et profondément hétérogène. Aujourd’hui, la multiplication des écrans, les pratiques de zapping, de scrolling et la juxtaposition d’éléments parfois sans lien, ainsi que l’accès instantané à l’information, deviennent autant d’obstacles à une expérience perceptive unifiée et continue, et imposent la nécessité d’une nouvelle écologie de la concentration.
PROGRAMME
09h45 – Introduction de la journée d’études
Angela Vettese, professeure associée de Théorie et critique de l’art contemporain et directrice du Master Arts visuels et mode au Dipartimento di Culture del progetto de l’université IUAV de Venise, L-ART/04
AXE 1. DISSÉQUER : DÉCOMPOSER LE CORPS
10h15
Quentin Petit Dit Duhal, doctorant à l’université Paris Nanterre, HAR
Consommer ORLAN : production fragmentée et corps prostitué
10h45
Rémi Lauvin, doctorant à l’université Paris Diderot, CERILAC
Les bras m’en tombent ! Les corps en kit du cinéma, 1896-1918
11h15 – Pause
AXE 2. ASSEMBLER : RÉVÉLER UNE NOUVELLE RÉALITÉ
11h30
Margaux Lyonnet, doctorante à l’université de Lille, ALITHILA
Atmosphère scénique futuriste : la fragmentation dans l’œuvre d’Enrico Prampolini des années 1920
12h00
Rosanna Gangemi, doctorante à l’université libre de Bruxelles – PHI, université Sorbonne Nouvelle – CEREG
Esthétique d’une apocalypse ordinaire : le dévoilement de la réalité dans les juxtapositions de John Heartfield et Alfred Döblin
12h30 – Questions et conclusion de la matinée
Théo Esparon, doctorant à l’université Paris Nanterre, HAR, co-organisateur de la journée d’études
13h00 – Pause déjeuner
AXE 3. DISTINGUER : CONSTRUCTIONS IMAGINAIRES
14h30
Nicole Cappellari, doctorante à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, université IUAV de Venise, HiCSA
La « ville comme collage » dans les théories des architectes de l’urbain en France (1970-1989)
15h00
Marie-Pierre Burquier, doctorante à l’université Paris Diderot, LARCA
Expérience fractionnée de l’Âge d’or hollywoodien par les remontages expérimentaux contemporains
15h30 – Pause
15h45
Anna Battiston, doctorante à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, université IUAV de Venise, HiCSA
La Biennale de Venise du 1964 et le Pop italien : fragments du réel pour une nouvelle mythologie iconique
16h15 – Questions et conclusion de l’après-midi
Déborah Laks, chercheuse associée au Centre d’Histoire de Science Po, enseignante à l’École du Louvre, à l’université de Genève et à la Parsons New School.
16h45 – Apéritif
COMITÉ SCIENTIFIQUE
Anna Battiston, doctorante à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, université IUAV de Venise
Juliette Bessette, doctorante à Sorbonne Université
Juliette Degennes, doctorante à l’université Paris Nanterre
Théo Esparon, doctorant à l’université Paris Nanterre
Emeline Houssard, doctorante à Sorbonne Université
Marion Sergent, doctorante à Sorbonne Université
Cette journée d’études fera l’objet d’une captation sonore qui sera diffusée sous forme de podcast sur le carnet Hypothèses de l’association.
Elle est organisée avec le soutien du Centre André Chastel (UMR 8150), du Laboratoire HAR (EA 4414), de l’École doctorale 124 (Sorbonne Université), de l’École doctorale 395 (Paris Nanterre) et de l’École doctorale 138 (Paris Nanterre).
Remerciements à Arnauld Pierre, Professeur à Sorbonne Université.
Remerciements à Athina Alvarez pour le graphisme.
Contact : association1920@gmail.com
Si ce sont les plumes qui font le plumage, ce n’est pas la colle qui fait le collage.[1]
Max Ernst
Comme le laisse ici deviner Max Ernst, les qualités d’un collage, en art, ne tiennent pas tant dans ses propriétés de médium artistique que dans le nouveau rapport au monde qu’il permet à l’artiste d’exprimer. Cette pratique résulte d’un processus de fragmentation visuelle, d’une séparation et d’un découpage du réel en morceaux, puis d’une recomposition de ce dernier dans une forme inédite : de quoi découle cette idée de morcellement ?
À partir du XIXe siècle, au moment où se développent les « machines à voir », kaléidoscope ou phénakistiscope, et les nouveaux moyens de locomotion, voiture ou train, un nouveau mode de perception se définit : la technique réduit les distances et parcellise la vision. Au XXe siècle, la prise d’importance exponentielle des médias tels que la télévision et les magazines, ainsi que les nouveaux outils de communication, du téléphone aux réseaux sociaux, modifient significativement le rapport de l’homme à l’image, qui devient un élément essentiel de la société du spectacle théorisée par Guy Debord. De plus une multitude d’images, devenues désormais symboles au service de la consommation de masse, envahissent l’espace urbain contemporain. Conséquence des nouveaux usages technologiques, la représentation du monde se façonne, dans la seconde moitié du siècle, à travers un assemblage simultané et profondément hétérogène. La multiplication des écrans, le zapping, le scrolling et la juxtaposition d’éléments parfois sans lien, ainsi que l’accès instantané à l’information, deviennent autant d’obstacles à une expérience perceptive unifiée et continue, et imposent la nécessité d’une nouvelle écologie de la concentration.
Ce nouveau rapport au réel est exprimé par les artistes à travers un large éventail de solutions plastiques. Les premiers, les artistes cubistes et futuristes cherchent à traduire l’expérience simultanée des différentes dimensions de l’espace et du temps sur une surface plane. La juxtaposition de divers points de vue au sein d’un même espace visuel et temporel est ainsi systématisée. Il est notable qu’Umberto Boccioni décrit le phénomène de fragmentation comme l’expression d’une unification, d’une continuité : « L’accusation de cinématographie nous fait rire comme une imbécillité vulgaire. Nous ne subdivisons pas les images visuelles, nous recherchons un signe, ou plutôt, une forme unique qui remplace l’ancien concept de division par le nouveau concept de continuité[2]. »
Quelques années plus tard, les artistes dada et surréalistes composent et décomposent avec des procédés de juxtaposition aléatoire et de libre association, laissant une large place au hasard, pour rendre compte de la combinaison d’éléments disparates du réel. Dans l’après Seconde Guerre mondiale, ce sont les affichistes qui, à travers la pratique de l’arrachement, déchirent les publicités qui les entourent dans l’espace quotidien et rendent ainsi compte de l’expérience de la multiplicité des images produite par la société de masse. Les artistes du pop art s’approprient cette même iconographie en la saisissant à travers de multiples sources, notamment journaux, pulps et magazines. De même le cinéma, par le montage, peut créer une continuité diégétique ou faire s’entrechoquer les images, accentuant les hiatus. En littérature, les écrivains de la Beat Generation mettent au point la technique du cut-up, consistant en le prélèvement de fragments d’écrits existants, réarrangés entre eux de manière à créer un nouveau texte.
Les exemples donnés ici à titre indicatif sont loin d’être exhaustifs. Des questions communes émergent cependant face à ces multiples expérimentations : comment les artistes intègrent-ils l’expérience de la fragmentation à leur pratique ? Comment l’esthétique du morcellement peut-elle nous aider à cerner notre rapport au réel ? Nous accueillons tous les projets de communication qui se proposent d’étudier la traduction d’une expérience fractionnée de la réalité dans les productions artistiques, du XIXe siècle au XXIe siècle, dans le champs des arts plastiques, de la photographie, du cinéma, de l’architecture et des nouveaux médias.
Cette journée d’études est ouverte à toutes les doctorantes et tous les doctorants. Les personnes intéressées doivent envoyer leur bio-bibliographie et leur proposition de communication (entre 2000 et 3000 signes) à association1920@gmail.com avant le 11 février 2019.
Elle se tiendra le vendredi 3 mai de 9h30 à 18h à l’Institut national d’histoire de l’art et fera l’objet d’une captation sonore qui sera diffusée sous forme de podcast sur le carnet hypothèse de l’association.
L’association 19-20 est heureuse de mettre en ligne la captation sonore des interventions de la journée d’études qu’elle a organisée le jeudi 17 mai 2018 à l’INHA sur le thème : « Transformations photographiques. Expérimentations du médium dans les arts visuels du XIXe au XXIe siècle »
Introduction de la journée d’études par Guillaume Le Gall, Maître de conférences en histoire de l’art contemporain à Sorbonne Université
Expérimentations optiques dans la première moitié du XXe siècle. Stéphanie Barbier, Doctorante à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne
La peinture sur photographie des années 1960-1970 : « une projection compensatoire » ? Jean-Rémi Touzet, Doctorant à l’université Paris Nanterre
L’altération du médium comme procédé critique dans Embedded (2011) de David Birkin. Julie Martin, Doctorante à l’université Toulouse Jean Jaurès
2. DÉMONTAGE ET ASSEMBLAGE
Combination-printing : les « patchworks » d’Henry Peach Robinson (1831-1901). Hélène Orain, Doctorante à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne
Expérimentations entre 2D et 3D : la modélisation au cœur des pratiques photographiques contemporaines. Marie Auger, Doctorante à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne
3. ARCHITECTURE ET MATÉRIALITÉ
Objets et matières photographiques au XXIe siècle. Marine Allibert, Doctorante à l’université de Lille
L’enjeu de la réalité et le jeu de l’illusion dans la photographie d’architecture. Alessia Nizovtseva, Doctorante à l’université Toulouse Jean Jaurès
4. EXPÉRIENCE DANS L’ESPACE
Le simulacre photographique chez Michelangelo Pistoletto, les usages et la spatialisation de l’épreuve. Ségolène Liautaud, Doctorante à Sorbonne Université
Oscar Muñoz : un usage paraphotographique. Raphaël Yung Mariano, Doctorant à l’université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis
Conclusion de la journée d’études par Karolina Lewandowska, Conservatrice au Cabinet de la Photographie, MNAM
La journée d’études doctorale « Transformations photographiques » propose de s’interroger sur les expérimentations de ce médium dans les arts visuels de la période contemporaine.
Au XIXe siècle, des photographes tentent de faire échapper la photographie à sa simple fonction documentaire et à sa forme d’empreinte inaltérable, en élaborant des interventions sur les différentes étapes de développement du médium photographique en vue de créer un objet pictural unique.
Dans son essai « La photographie, ce qu’elle était, ce qu’elle est, ce qu’elle devrait être » (1929), László Moholy-Nagy décrit les manipulations photographiques comme l’un des aspects de la création contemporaine « où la technique seule s’avère insuffisante : elle est un moyen, non un but » pour que naisse une œuvre graphiquement cohérente.
De même, Marcel Natkin, dans Truquages en photographie (1939), défend des étapes de transformations photographiques (photogrammes, taches, trames, relief, photomontages, déformations, solarisation…) devant être considérées comme des « procédés modernes d’interprétation photographique ». Ces théories visent à détacher la photographie d’une simple volonté de restitution du réel, afin qu’elle trouve son indépendance en tant que médium.
Cette rencontre scientifique « Transformations photographiques » entend explorer au travers de neuf communications des pratiques de déformation, dissimulation, démontage, assemblage, matérialité, architecture et expérience dans l’espace de la photographie sur une chronologie allant du XIXe au XXIe siècle.
PROGRAMME
INTRODUCTION DE LA JOURNÉE D’ÉTUDES
9h30
Guillaume Le Gall, Maître de conférences en histoire de l’art contemporain à Sorbonne Université
10h00
Expérimentations optiques dans la première moitié du XXe siècle. Stéphanie Barbier, Doctorante à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne
10h30
La peinture sur photographie des années 1960-1970 : « une projection compensatoire » ? Jean-Rémi Touzet, Doctorant à l’université Paris Nanterre
11h00
L’altération du médium comme procédé critique dans Embedded (2011) de David Birkin. Julie Martin, Doctorante à l’université Toulouse Jean Jaurès
11h30 — Pause
11h45
Combination-printing : les « patchworks » d’Henry Peach Robinson (1831-1901). Hélène Orain, Doctorante à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne
12h15
Expérimentations entre 2D et 3D : la modélisation au cœur des pratiques photographiques contemporaines. Marie Auger, Doctorante à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne
12h45 — Discussion
13h00 — Pause déjeuner
14h30
Objets et matières photographiques au XXIe siècle. Marine Allibert, Doctorante à l’université de Lille
15h00
L’enjeu de la réalité et le jeu de l’illusion dans la photographie d’architecture. Alessia Nizovtseva, Doctorante à l’université Toulouse Jean Jaurès
15h30 — Pause
15h45
Le simulacre photographique chez Michelangelo Pistoletto, les usages et la spatialisation de l’épreuve. Ségolène Liautaud, Doctorante à Sorbonne Université
16h15
Oscar Muñoz : un usage paraphotographique. Raphaël Yung Mariano, Doctorant à l’université Paris 8 Vincennes-Saint-Denis
CONCLUSION ET DISCUSSION FINALE
16h45
Karolina Lewandowska, Conservatrice au Cabinet de la Photographie, MNAM
17h15 — Apéritif
Comité scientifique :
Athina Alvarez, Doctorante à Sorbonne Université
Anna Battiston, Doctorante à l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne
Juliette Bessette, Doctorante à Sorbonne Université
Auriane Gotrand, Doctorante à l’université Clermont Auvergne et Sorbonne Université Juhayna Hilles, Doctorante à Sorbonne Université
Emeline Houssard, Doctorante à Sorbonne Université
Ségolène Liautaud, Doctorante à Sorbonne Université
Marion Sergent, Doctorante à Sorbonne Université
Remerciements à Monsieur Guillaume Le Gall, Maître de conférences à Sorbonne Université.
Graphisme : Athina Alvarez
Cette journée d’études fera l’objet d’une captation sonore qui sera diffusée sous forme de podcast sur le carnet Hypothèses de l’association. Elle est organisée avec le soutien du Centre André Chastel (UMR 8150) et de l’École doctorale 441 Histoire de l’art de l’université Paris 1 Panthéon Sorbonne.
Télécharger le programme détaillé.
Contact : association1920@gmail.com
Créée en octobre 2015, 19-20 est l’association des doctorantes et des doctorants en histoire de l’art contemporain d’Île-de-France. Son objectif est d’initier un réseau de doctorants et de doctorantes en histoire de l’art du XIXème au XXIème siècle et de mettre en valeur leur travail de recherche.
Sigmar Polke, Sans titre (Intérieur), 1984. Photographie noir et blanc, épreuve gélatino-argentique retouchée à la peinture, 127 x 215 cm
Cette journée d’études, organisée par l’association doctorale 19-20 Art contemporain, a pour but d’interroger la photographie en tant que médium artistique transformé dans les arts visuels du XIXe au XXIe siècle.
Dès les expérimentations de Nicéphore Niépce et l’élaboration de la technique photographique par Louis Daguerre dans le premier tiers du XIXe siècle, les qualités de la photographie comme un moyen d’enregistrement du réel sous la forme d’une empreinte inaltérable apparaissent. De manière concomitante, sa valeur documentaire au service des arts plastiques et littéraires se déploie. À la fin du XIXe siècle, des photographes pictorialistes, notamment Robert Demachy, illustrent des paysages et portraits vaporeux, détournant ainsi la photographie pour qu’elle interprète le réel en intervenant sur les différentes étapes de développement du médium photographique en vue de créer un objet pictural unique.
L’artiste et théoricien László Moholy-Nagy, qui lui-même a transformé le médium photographique, publie dans les Cahiers d’art (1929) son texte « La photographie, ce qu’elle était, ce qu’elle est, ce qu’elle devrait être ». Il y décrit les manipulations photographiques comme l’un des aspects de la création contemporaine « où la technique seule s’avère insuffisante : elle est un moyen, non un but » pour que naisse une œuvre graphiquement cohérente. Marcel Natkin dans Truquages en photographie (1939) aborde successivement plusieurs procédés : photogrammes, taches, trames, relief, bas-relief, photomontages, déformations, solarisation, « secrets de l’obturateur » et infra-rouge, rejetant par là l’idée que les truquages en photographie sont de « faux documents » et défend qu’ils doivent au contraire être considérés comme « les procédés modernes d’interprétation photographique ». Détachée d’une volonté d’en faire une restitution minutieuse, la photographie devient parfois une déformation utopique du réel à la manière de la production du groupe d’architectes Superstudio dans les années 1960.
Dans la seconde moitié du XXe siècle, la large circulation des images par les médias de masse se traduit chez les artistes s’intéressant à la culture populaire par des œuvres où la photographie apparaît multipliée et agrandie. Plus tard, les artistes transforment et insèrent les photographies dans la construction des œuvres par l’expérimentation de nouveaux dispositifs d’expositions, de formes inédites d’installations qui impliquent la spatialisation et l’interaction du spectateur, à la manière des tirages monumentaux de Patrick Tosani. En architecture, l’infographie permet de nouvelles manipulations virtuelles de l’image photographique, telles que les a expérimentées Filip Dujardin pour ses bâtiments construits numériquement sur des logiciels mais impossibles à réaliser.
Les propositions de communications de la journée d’études « Transformations photographiques : expérimentations du médium dans les arts visuels du XIXe au XXIe siècle. » pourront questionner aussi bien :
cette liste n’étant pas exhaustive.
Organisée par l’association 19-20 Art contemporain, cette journée d’études est ouverte à toutes les doctorantes et tous les doctorants. Les personnes intéressées doivent envoyer leur bio-bibliographie et leur proposition de communication (entre 2000 et 3000 signes) à association1920@gmail.com avant le 25 février 2018.
Cette journée d’études fera l’objet d’une captation sonore qui sera diffusée sous forme de podcast sur le carnet hypothèse de l’association.
Cette journée d’études se tiendra le jeudi 17 mai 2018 de 9h30 à 18h à l’Institut national d’histoire de l’art.
19-20 est l’association doctorale d’histoire de l’art contemporain. Son objectif est de valoriser le travail des étudiantes et des étudiants en thèse dont les recherches portent sur l’art du XIXe au XXIe siècle.
Association 19-20
Galerie Colbert, INHA
2 rue Vivienne
75002 Paris
L’association 19-20 est heureuse de mettre en ligne la captation sonore des interventions de la journée d’études qu’elle a organisée le jeudi 18 mai 2017 en salle Demargne à l’INHA sur le thème : « Intervenir. Art et architecture dans l’espace public européen du XIXe au XXIe siècle ».
Vous pouvez écouter les interventions ci-dessous :
Introduction de la journée d’études par Philippe Bettinelli, conservateur du patrimoine, responsable de la collection art public au Centre national des arts plastiques
La révolution de la couleur : la réinvention de l’espace public en France au XIXe siècle, Alessandra Ronetti, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne – École normale supérieure de Pise
Des façades bavardes. La Manufacture de Sèvres s’invite à Paris (1900-1938), Emeline Houssard, Université Paris-Sorbonne
L’esthétisation de la ville assiégée ? L’architecture étrange de Lebbeus Woods, Brent Patterson, EHESS
Nous nous excusons pour le problème technique qui ne nous a pas permis d’enregistrer la totalité de l’intervention de Brent Patterson.
De l’in situ au décor spatialisé – Buren, Varini, Veilhan – un dialogue entre art et architecture dans l’espace public muséal, Marjolaine Beuzard, Université Paris-Sorbonne
Intervenir dans la Révolution : architecture et transformation de la vie en URSS dans les années 1920, Claire Thouvenot, Université Paris-Ouest Nanterre la Défense
Nice, le tramway nommé désir, Michele Ginoulhiac Baudeigne, Université Toulouse Jean Jaurès 2
Entre mise en scène contemporaine et invention d’une « néo-médiévalisation » urbaine de l’espace public : l’exemple du centre historique de Barcelone, Justine François, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne
Conclusion de la journée par Jean-Baptiste Minnaert, Professeur d’histoire de l’art contemporain à l’université Paris-Sorbonne
Jeudi 18 mai 2017 de 9h30 à 18h
INHA, salle Demargne
2 rue Vivienne
75002 Paris
Entrée libre
Des nouvelles théories urbaines du début du XIXe siècle aux smart cities contemporaines, en passant par la reconstruction et les mégastructures des années 1950-60 ou les entreprises de rénovation, des années 1970 et 1990, l’espace public des villes européennes a été le lieu d’interventions, d’unions et de confrontations avec l’art et l’architecture. Continuer la lecture de Journée d’études « Intervenir. Art et architecture dans l’espace public européen du XIXe au XXIe siècle » (18 mai 2017, Paris, INHA)
Cette journée d’études organisée par l’association doctorale 19-20 Art contemporain propose d’étudier les interventions urbaines dans leur ensemble, en considérant les pratiques artistiques et architecturales comme un continuum plutôt que comme des réalisations parallèles, divergentes voire opposées.
Trente ans après le colloque « L’art et la ville : urbanisme et art contemporain » qui s’est tenu au Palais du Luxembourg en janvier 1986, il est intéressant d’esquisser un nouvel état des lieux sur la place de l’art et de l’architecture dans la ville. L’explosion de la population urbaine au cours du XIXe a poussé des personnalités diverses à intervenir sur la ville en mutation : philanthropes, politiques, artistes, architectes… L’espace public devient le réceptacle et le miroir de leurs visions et de leurs valeurs, qui s’y sont sédimentées au cours des deux derniers siècles. Des nouvelles théories urbaines du début du XIXe siècle aux smart cities contemporaines, en passant par la reconstruction et les mégastructures des années 1950-60 ou les entreprises de rénovation des années 1970 et 1990, les villes européennes ont été le lieu d’interventions, d’unions et de confrontations avec l’art et l’architecture.
Il s’agit d’étudier le rapport entre créations artistiques et espace public — compris ici au sens large, c’est-à-dire aussi bien physique que métaphorique, constitué d’espaces ouverts ou de lieux clos à usage collectif, qu’ils relèvent du droit privé ou non.
La notion d’intervention évoquée ici se détache d’un découpage nécessairement historique ou typologique, pour mettre en lumière les positionnements et rapports qu’entretiennent ces projets avec la ville. Quatre mots clés, non exhaustifs, peuvent servir de point de départ à cette journée d’études : incarner, réinventer, dialoguer, critiquer.
Jeudi 26 mai 2016 de 9h30 à 18h
INHA / Galerie Colbert / 2e etage / Salle Perrot
2 rue Vivienne 75002 Paris
Entrée libre
La journée d’études doctorale « Images mentales » propose de s’interroger et d’analyser la place de l’hallucination dans la création artistique de l’époque contemporaine, aussi bien dans les champs de la littérature, de la peinture, de l’installation et du cinéma.
Apparu avec l’émergence de la psychiatrie, le terme d’« hallucination » trouve une définition fondatrice sous la plume de Jean-Etienne Esquirol, en 1817 dans le Dictionnaire des sciences médicales, avant de s’émanciper du cercle scientifique à partir des années 1830 pour toucher les milieux littéraires. Les années 1850-1860 voient l’intensification des débats autour de cette notion, ainsi que son association avec l’idée de représentation mentale. Que ce soit Brierre de Boismont, Alfred Maury ou Hippolyte Taine, tous vont chercher dans la puissance imaginative des artistes des arguments contre la réduction pathologique de l’hallucination. Sans prendre parti pour une définition particulière, l’hallucination, qu’elle soit de nature pathologique, hypnagogique ou déclenchée par un psychotrope, se caractérise par sa capacité à interroger la réalité – qui ne peut plus se réduire au monde physique – tout en ouvrant « les portes de la perception ». Il s’agira de comprendre comment cette notion s’est transmise dans les pratiques artistiques du XIXe, du XXe et du XXIe siècles.
Cette journée d’études est organisée par l’association 19-20, avec le soutien de l’Université Paris-Sorbonne, de l’École doctorale 124 et du Centre André Chastel.
Date et lieu : 26 mai 2016, Institut national d’histoire de l’art, Galerie Colbert, Paris
Date limite : 6 mars 2016
Apparu avec l’émergence de la psychiatrie, le terme d’« hallucination » trouve une définition fondatrice sous la plume de Jean-Etienne Esquirol, en 1817 dans le Dictionnaire des sciences médicales, avant de s’émanciper du cercle scientifique à partir des années 1830 pour toucher les milieux littéraires. Les années 1850-1860 voient l’intensification des débats autour de cette notion, ainsi que son association avec l’idée de représentation mentale. Que ce soit Brierre de Boismont, Alfred Maury ou Hippolyte Taine, tous vont chercher dans la puissance imaginative des artistes des arguments contre la réduction pathologique de l’hallucination. Sans prendre parti pour une définition particulière, nous souhaitons retenir l’idée d’un continuum entre les images mentales, les rêves et l’hallucination.
Si l’imagination artistique peut faire naître l’hallucination, tel le goût de l’arsenic dans la bouche de Gustave Flaubert lorsqu’il écrivait l’empoisonnement de Madame Bovary, c’est à la problématique inverse que nous voulons nous intéresser : comment l’hallucination imprègne-t-elle l’imaginaire des artistes de l’époque contemporaine ? Comment se matérialise-t-elle dans leurs pratiques ? Jouant de la double signification de ce verbe, il s’agit tout autant d’étudier l’objectivation des hallucinations sur un support artistique que les procédés visant à les communiquer au spectateur. Entre retranscription et transmission, le panel des pratiques peut s’étendre des arts conventionnels comme la peinture, la sculpture, la gravure, la photographie, etc., à des formes artistiques moins traditionnelles telles que les environnements, les installations, les spectacles lumineux et sonores, les discothèques, etc. Le corpus pourra comprendre aussi bien des œuvres produites simultanément à l’hallucination, possiblement de manière automatique, que celles réalisées postérieurement à l’expérience hallucinatoire. Qu’elle soit de nature pathologique, hypnagogique ou déclenchée par une substance psychotrope, l’hallucination met en jeu deux niveaux de réalité, le monde extérieur et l’univers mental. Continuer la lecture de Appel à communication pour la journée d’études 19-20 : « Images mentales. L’hallucination dans les arts du XIXe et du XXe siècle » (jusqu’au 6 mars 2016)
