Appel à communication: Le corps en faillite : expériences et représentations du handicap dans la littérature et les arts (jusqu’au 15 mai 2017)

Colloque international interdisciplinaire, 20 et 21 octobre 2017

Université Jean Monnet, Saint-Etienne (CELEC) & Université Jean Moulin – Lyon 3 (IETT)

Ce colloque sera consacré à l’expérience et à la représentation du handicap dans la littérature et les arts. Que l’on pense au membre paralysé ou amputé, à la déficience visuelle ou mentale, à l’estropié de guerre ou à l’accidenté de la route, on ne peut que souligner la profonde fascination qu’a suscité le corps en faillite dans la sphère artistique comme dans l’imaginaire populaire. Hors-norme et littéralement extraordinaire, il paraît cependant résister tant à la représentation qu’à l’interprétation, les enjeux qu’il a pu soulever ayant souvent été limités par une vision qui l’a réduit à une version diminuée du « corps normal ». Par ailleurs, puisque l’idéal du « corps sain dans un esprit sain » a longtemps prévalu, le corps handicapé a souvent été présenté comme le symptôme d’une faute morale ou la manifestation physique d’un mal ontologique, approche qui l’a cantonné à une lecture métaphorique ou allégorique.

Ce n’est qu’au milieu des années 1980 que l’attention critique nouvelle suscitée par la   question du handicap en renouvelle les enjeux, alors que les disability studies se constituent en Amérique du Nord comme champ disciplinaire à part entière. En France, ce n’est que très récemment que la question a commencé à soulever un intérêt critique. Au croisement des notions de gender, race et class, ce champ d’étude a activement contribué à enrichir un dialogue interdisciplinaire autour de la question de l’identité. Cette visibilité nouvelle a permis de repenser l’approche du handicap, en cessant de l’envisager sous l’angle de la déficience et de la carence.

Les disability studies ont en effet replacé le sujet handicapé au cœur de la réflexion et l’ont débarrassé des stigmates qui ont longtemps pesé sur lui, notamment en réarticulant le rapport entre le normal et le pathologique. Ce travail a permis de mettre au jour un autre rapport au monde et à soi, d’identifier les stratégies par lesquelles celui-ci transcende les limites que son corps lui impose, tant dans la vie quotidienne que dans la pratique artistique. C’est dans cette perspective que nous nous proposons d’interroger les figures du corps handicapé dans les productions littéraires, cinématographiques, culturelles et artistiques, dans le monde anglo-saxon et au-delà.

Tout d’abord, le handicap est une expérience qui implique bien souvent la construction d’un récit et nous souhaitons prêter une attention toute particulière aux formes narratives qu’il adopte et adapte. Le handicap suscite inévitablement un récit : le membre manquant, le corps paralysé ou l’altération cognitive impliquent le besoin de rendre compte de ce qui en est à l’origine. Ce récit, constamment remodelé au fil du temps et au gré des contextes, permet à l’individu de se libérer des discours institutionnels et du langage médical ainsi que de se (re)construire grâce à la force génératrice du récit qu’il produit. Il dépasse ainsi l’expérience traumatique et se réapproprie une identité qu’il a lui-même façonnée. Le handicap a ainsi contribué à redéfinir les genres et les formes narratives, du comique au tragique. Se pose alors un double questionnement sur les fonctions diégétiques du sujet handicapé et les stratégies narratives à l’œuvre dans ces récits. La représentation du handicap opère en effet une réarticulation du rapport à l’espace (limite / immobilité / confinement) et au temps (durée, ressassement, projection), du rapport à soi (acceptation, négation) et à l’autre (dépendance, perception), du rapport au langage et à la création.

Par ailleurs, l’expérience du handicap induit souvent un renouvellement des pratiques artistiques qui exploite toutes les possibilités créatrices qu’offrent le geste maladroit, la parole qui achoppe et le corps vulnérable. On ne peut donc limiter le handicap aux stratégies de compensation et de réparation visant à combler les défaillances qu’il implique. La prothèse, par exemple, ne relève pas d’une simple substitution ou d’une imitation (de l’organe défaillant ou du membre manquant), mais d’une association entre corps et technologie qui déterritorialise la sphère de l’humain et en améliore les performances. Ce qui ne peut se faire ou se dire trouve ainsi des canaux d’expression détournés et donne naissance à des formes et des pratiques inédites.

Si une poétique du handicap ne peut se satisfaire d’une simple célébration des dysfonctionnements, des déficiences et des défaillances du corps humain, peut-elle se soustraire à l’opposition binaire entre manque et excès, impuissance et surpuissance ? De la même façon, comment échapper à la double impasse de l’exhibition ou de l’invisibilité, de la répulsion ou de la sublimation, de la stigmatisation et de l’idéalisation ? Puisque le corps handicapé ne se conforme pas aux codes esthétiques, dans quelle mesure, artistes, cinéastes et écrivains réarticulent-ils notre rapport au beau et au laid ? Se pose alors la question des affects et du malaise que suscite le corps handicapé. Il s’avère alors crucial d’analyser le bouleversement qu’il opère dans l’expérience sensible, les affects singuliers qu’il met en jeu et la différence irréductible qu’il représente. L’expérience cognitive générée par le handicap ouvre à toute une série d’expériences esthétiques inédites et le pouvoir de la fiction se retrouve au service d’une construction identitaire bâtie sur une autre relation au temps, à l’espace et au corps. Le repérage de ces formes et des possibilités qu’elles offrent participe à la compréhension et à la transformation des représentations collectives du handicap.

Nous sollicitons notamment des propositions sur les axes suivants :

– corps handicapé et technologie

– handicap moteur / psychique et les limitations de la perception

– le handicap et ses ressorts tragiques / comiques

– récits du handicap et (re)construction de l’identité

– le personnage handicapé comme héros / personnage secondaire

le handicap au cœur de la pratique artistique

– les handicaps et les arts corporels / visuels

– la réception des disability studies en France et ses questionnements liés à la terminologie

– la relation handicapé / valide

– vieillesse et handicap

– handicap, genre et sexualités

 

Les propositions de communication (300 mots) sont à envoyer à Pierre-Antoine Pellerin (pierre-antoine.pellerin@univ-lyon3.fr) et Sophie Chapuis (sophie.chapuis@univ-st-etienne.fr) avant le 15 mai 2017.

 

Bibliographie sélective

Couser, Thomas G. and Thomas Griffith, Signifying Bodies: Disability in Contemporary Life Writing, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2009.

Davis, Lennard J., Bending over Backwards: Disability, Dismodernism and Other Difficult Positions, New York: New York University Press, 2002.

Eco, Umberto (dir.), Histoire de la laideur, Flammarion, 2007.

Garland-Thompson, Rosemarie, Extraordinary Bodies, Figuring Physical Disability in American Culture and Literature, New York: Columbia University Press, 1997.

Hall, Alice, Literature and Disability, London: Routledge, 2016.

Mitchell, David T., and Sharon L. Snyder. Narrative Prosthesis: Disability and the Dependencies of Discourses, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2000.

Sandhal, Carrie and Philip Auslander (ed.), Bodies in Commotion, Disability and Performance, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2005.

Source: https://www.fabula.org/actualites/le-corps-en-faillite-experiences-et-representations-du-handicap-dans-la-litterature-et-les-arts_78808.php

Conférence: Matisse et le coup du bambou, Paris, INHA, 12 mai 2017

Spécialiste de l’art européen et américain du  XXe siècle, Yve-Alain Bois s’intéressera à la canne de bambou comme instrument de dessin pour Henri Matisse. Cette pratique inhabituelle est directement liée à la découverte, dès les années 1900, qu’il lui est impossible de mettre au carreau un dessin en vue d’une grande composition, puisque la qualité d’une couleur se modifie en fonction de la quantité de surface qu’elle recouvre.

À la fin des années 1940, alors qu’il décore la Chapelle du Rosaire à Vence, Matisse a encore recours à cet outil particulièrement difficile à manier. Mais si l’usage de la canne va de soi pour certains muraux, il semble paradoxal pour le Chemin de Croix dont les quatorze stations sont d’abord esquissées séparément sur papier à leur échelle définitive. Et s’il s’agissait cette fois pour Matisse, dans cette œuvre délibérément sauvage, de trouver le moyen de perdre le contrôle?

Intervenant

  • Yve-Alain Bois (School of Historical Studies, Princeton)

Responsable scientifique

  • Elitza Dulguerova (INHA)

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Informations pratiques

12 mai 2017 – 18H-20H

Galerie Colbert, auditorium
Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

entrée libre

Source: https://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/mai-2017/matisse-et-le-coup-du-bambou.html

Colloque: Pierre-Albert Birot (1876-1967), au confluent des avant-gardes, (Saint-Germain-la-Blanche-Herbe, IMEC, 4-5 mai 2017)

Pierre Albert-Birot (1876-1967) au confluent des avant-gardes

Couverture de la maquette de Sic. Fonds Pierre Albert-Birot/Archives IMEC

Colloque à l’IMEC dirigé par Carole Aurouet et Marianne Simon-Oikawa

« Pierre Albert-Birot est une sorte de pyrogène / Si vous voulez enflammer des allumettes / Frottez-les donc sur lui / Elles ont des chances de prendre / Trop peu de pyrogènes aujourd’hui / Mais je ne dis rien des allumettes ». Un artificier de la création, un homme rare parmi les poètes et les artistes de son époque : tel est le jugement que porte sur lui Apollinaire, dont il fut l’un des plus proches amis.

Pierre Albert-Birot (1876-1967), venu tard à la poésie, à 40 ans, fut un infatigable expérimentateur. Tour à tour sculpteur, peintre, éditeur, imprimeur, poète, homme de théâtre, scénariste, il est aussi l’auteur d’une oeuvre à bien des égards pionnière. Fondateur de la revue SIC (Sons, Idées, Couleurs, 1916-1919), il accueille les œuvres des créateurs les plus audacieux de son époque : Apollinaire, Soupault, Reverdy, Picasso, Zadkine, mais aussi Survage ou Chana Orloff. Dans son œuvre personnelle, il innove dans des domaines aussi variés que la poésie visuelle (poèmes-affiches, poèmes-pancartes), la poésie sonore (poèmes à crier et à danser), le théâtre (pièces pour marionnettes, théâtre circulaire) ou le cinéma avec ses ciné-textes poétiques. Il s’illustre dans le haiku comme dans l’épopée, avec son Grabinoulor, une coulée de près de 1 000 pages sans aucun signe de ponctuation. Parallèlement, il explore dans toute son œuvre, une série de thèmes récurrents qui sont la marque de son univers : la relation avec les arts, le double intérieur, la quête des origines.

Longtemps éclipsée par les surréalistes, qui ne lui pardonnaient pas son indépendance, l’œuvre de Pierre Albert-Birot fait l’objet d’une nouvelle reconnaissance. Il importe aujourd’hui de retracer le parcours peu commun de ce créateur joyeusement moderne qui, sûr de son chemin, écrivait : « Je peux conduire, ou marcher côte à côte, marcher derrière, jamais ». Le présent colloque se donne ainsi pour but d’étudier comment Albert-Birot, à l’issue d’un long cheminement vers la modernité, découvrit les avant-gardes et y participa pleinement, sans adhérer à aucune école ni même à aucun mouvement autre que le nunisme, qu’il avait fondé. Il sera ainsi l’occasion de mesurer sa place dans les avant-gardes européennes, dans les arts de la scène et les arts visuels, mais aussi dans l’univers de l’épopée avec Grabinoulor. Ses relations avec les peintres et les poètes seront aussi abordées.

Ce colloque constitue l’une des manifestations phares de l’année 2017, parallèlement à une série d’autres événements organisés autour de l’œuvre de Pierre Albert-Birot : Huitièmes Rencontres poétiques à l’IMEC en partenariat avec le Rectorat de l’académie de Caen d’octobre 2016 à mai 2017, publication de Petites gouttes de poésie avec quelques poèmes sans gouttes (poèmes d’Albert-Birot et illustrations de Bobi + Bobi, Møtus) en février, parution d’un numéro double de la revue Europe « Pierre Albert-Birot / Claude Cahun » en avril, entre autres.

Programme

Premier jour : PAB dans son temps

10h15-10h30. Accueil des participants

10h30-10h45. Allocutions de bienvenue : Région, IMEC (Albert Dichy) et Joëlle Jean

10h45-11h. Présentation : Carole Aurouet et Marianne Simon-Oikawa

11h-12h30 PAB et les avant-gardes européennes Modératrice : Barbara Meazzi

Pascal Rousseau : « « Être nuniste ou ne pas être » : le présentisme de Pierre-Albert Birot »

Prosper Hillairet : « Survage et les Rythmes colorés »

Montserrat Prudon-Moral : « De « L’art poétique », le dialogue catalan de PAB »

12h30-14h : déjeuner

14h-16h La guerre, creuset des avant-gardes Modératrice : Joëlle Jean

Laurent Véray : « Présentation et projection du film En Somme »

Debra Kelly : « Pierre Albert-Birot n’ira pas à la guerre : expériences et imaginaires en temps de guerre »

Luc Vigier : « SIC et le design musical de la pensée »

16h-16h30 : pause

16h30-17h30 PAB, homme d’images Modérateur : Laurent Véray

Anne Reverseau : « Pierre Albert-Birot, photographe photographié »

Carole Aurouet : « PAB et le cinéma » 20h30-21h30 Salut à Arlette Albert-Birot

Deuxième jour : PAB en lui-même

9h45 : Accueil

10h00-11h30 L’avant-garde au quotidien : PAB, Apollinaire et Grey Modératrice : Debra Kelly

Bernard Baillaud : « Entre Guillaume Apollinaire et Jean Paulhan, la ligne PAB »

Peter Read : « Albert-Birot en coulisses : Les Mamelles de Tirésias »

Barbara Meazzi : « PAB et Roch Grey : histoire d’une amitié »

11h30 : pause

11h45-13h15 PAB et le livre Modératrice : Madeleine Renouard –

Sophie Lesiewicz : « PAB éditeur de livres graphiques » –

Marianne Simon-Oikawa : « La genèse des poèmes visuels de PAB : l’histoire d’une métamorphose »

Anne-Christine Royère : « Poèmes-affiches, poèmes-pancartes, poème-timbre : tradition et filiation de la poésie visuelle de PAB »

13h15-14h30 : Déjeuner

14h30-16h Avant-gardes théâtrales et arts et la scène Modérateur : Peter Read –

Didier Plassard : « L’écriture théâtrale pour marionnettes de Pierre Albert-Birot »

Jean-Pierre Bobillot : « Poême à crier et à danser etc. : une approche médiopoétique »

Julien Blaine : « Interactions & in(ter)ventions en faveur de Silex »

Conclusions du colloque

Source: https://www.fabula.org/actualites/pierre-albert-birot-1876-1967-au-confluent-des-avant-gardescolloque-l-imec-dirige-par-carole_79038.php

Appel à communication: « Ces matières sans rivales », la céramique architecturale et la Manufacture de Sèvres (jusqu’au 16 mai 2017)

Journée d’études organisée par la Cité de la céramique et le LABEX CAP (Création, Arts, Patrimoine), Paris, INHA, 13 octobre 2017
Si la céramique architecturale, comprise comme matériau ou élément de décors, occupe une grande place dans le paysage urbain européen, elle reste encore mal connue et la Manufacture de Sèvres apparaît de surcroît comme la grande absente des publications sur ce sujet.
Lieu d’exception tant par sa production que par ses expérimentations techniques, Sèvres, tantôt pionnière, tantôt suiveuse, apparaît néanmoins importante pour retracer l’histoire de ce matériau en architecture. En effet, ce type de production est présent dès la fin du XVIIIe siècle et la Manufacture est même célébrée par la presse et le grand public pour ses créations monumentales au XXe siècle.
Cette journée débutera avec les premières cheminées décorées par la Manufacture dès 1792 et s’étendra jusqu’à nos jours avec le projet de Barthélémy Toguo pour la station Château Rouge de la ligne 4 du métro parisien. L’étude de ses productions permettra ainsi d’offrir un nouvel éclairage sur des lieux et édifices célèbres, du château de Fontainebleau au Louvre Abu-Dhabi, en passant par les pavillons des Expositions universelles et le paquebot Normandie.
Organisée par la Cité de la céramique dans le cadre du programme Immersion du LABEX CAP, cette journée d’étude sera l’occasion de rassembler des artistes, conservateurs, doctorants et universitaires autour des recherches en cours initiées par cette collaboration.
Elle contribuera à décloisonner les approches en liant création et patrimoine, problématiques au cœur de ces deux institutions.
La réflexion pourra s’organiser autour des thématiques suivantes :
  • L’évolution de la conception et de l’utilisation de ces matériaux en architecture au XIXe et XXe siècles.
  • Les projets, réalisés ou non, de céramique architecturale de la Manufacture de Sèvres
  • Les collaborations artistiques entre un artiste ou un architecte et la Manufacture
  • Les approches comparatives entre Sèvres et d’autres manufactures ou faïenceries

    Date limite d’envoi des propositions de communications : le mardi 16 mai 2017.Les propositions de communication (entre 2000 et 3000 signes maximum espaces compris), accompagnées d’une bio-bibliographie sont à envoyer aux adresses suivantes: laurence.tillard@sevresciteceramique.fr et emeline.houssard@sevresciteceramique.fr. Une prise en charge des frais de transports pourra être assurée.

Table ronde : Autour d’une icône : « Fontaine » de Marcel Duchamp, 1917, Paris, Centre Pompidou, 26 avril 2017

Le 26 avril 2017, à 19h00 (2h00)

Petite salle – Centre Pompidou, Paris

Entrée libre dans la limite des places disponibles

À l’occasion du colloque organisé par l’École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris sur la Valeur de l’art, une soirée-discussion autour de l’une des plus importantes icônes de l’art contemporain et de la collection du Centre Pompidou : la célèbre et provocante Fontaine de Duchamp, datée de 1917.
Avec Philippe Comar, Elsa Sahal, Bertrand Lavier, Saadane Afif, Bernard Blistène, Cécile Debray, Michel Gauthier, et le Philadelphia Museum of Art

Organisateur : DDC / J-M Colard

Source: https://www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-896f247353f51fde9fdb55a798715cf2&param.idSource=FR_E-896f247353f51fde9fdb55a798715cf2

Colloque : « Nouveaux regards sur la haute couture parisienne de 1850 à nos jours », 24 et 25 mars 2017, Paris, INHA

Le colloque s’inscrit dans le cadre des événements liés à l’ouverture de la bibliothèque de l’INHA, collections Jacques - Doucet. Mécène et collectionneur, Jacques Doucet fut aussi – il convenait de le rappeler – l’un des plus brillants représentants de la haute couture parisienne au tournant des XIXe et XXe siècles. Le colloque propose un nouveau regard sur les composantes de cette histoire de la haute couture : ses protagonistes, ses processus créatifs, ses matériaux, ses modes de diffusion, ses clientes, mais aussi son propre statut qui a largement évolué depuis son apparition et ses premières formulations à la fin du XIXe siècle, sous l’égide de Charles Frederick Worth. Séculaire, cette histoire a été trop souvent appréhendée du seul point de vue des créateurs, dont le nom et la griffe, investis d’un pouvoir « quasi-magique », pour reprendre la célèbre expression de Pierre Bourdieu, ont été prioritairement convoqués afin de comprendre le succès de la couture parisienne. Pour asseoir cette réévaluation de l’histoire de la haute couture, les intervenants prendront en considération les contradictions inhérentes à sa construction et à son système, notamment les tensions entre couture, art et commerce, la relation de la couture avec le prêt-à-porter et la production en série. Seront également évoqués les questionnements actuels touchant d’une part à l’industrialisation extrême de la mode avec la fast fashion, d’autre part à l’impact des outils numériques sur la couture.

En partenariat avec l’Institut français de la mode, l’Institut d’histoire du temps présent-CNRS et avec le concours de la Fédération de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode.

Intervenants

  • Miren Arzalluz (Barcelone)
  • Marco Belfanti (Brescia)
  • Géraldine Blanche (Paris, SciencesPo)
  • Ivana Culjak (Zagreb City Museum)
  • Maria do Carmo Rainho (Rio de Janeiro, National Archives)
  • Karolien De Clippel (Hasselt, Modemuseum)
  • William DeGregorio (New York, Bard Graduate Center)
  • Émile Hammen (Paris, IFM)
  • Michelle Finamore (Boston, Museum of Fine Arts)
  • Christian Gros (Paris, Palais Galliera)
  • Didier Grumbach (Paris)
  • Anna Lebovic (The Univeristy of Sydney)
  • Marie McLoughin (University of Brighton)
  • Michele Majer (New York, Bard Graduate Center)
  • Zsolt Mészàros (Budapest, université Eötvos Lorànd)
  • Jérôme Neutres (Paris, Réunion des musées nationaux)
  • Tomoko Okawa (Tokyo, Jissen Women’s University)
  • Adelheid Rasche (Nuremberg, Germanisches National Museum)
  • Maurizio Rofrano (Paris)
  • Marine Schweitzer (Paris, Paris IV Sorbonne)
  • E.-J. Scott (Arts University, Bornemouth)
  • Sara Skillen (Stockholm University)
  • Katarzyna Stempniak (Duke University)
  • Françoise Tétart-Vittu (Paris)
  • Alessandra Vaccari (Université de Venise)
  • Marlène van de Casteele (Université Lyon 2 Lumière)
  • Johanna Zanon (Université d’Oslo)

Comité scientifique

Maude Bass-Krueger (Tel Aviv University et IHTP / CNRS), Dominique Jacomet (IFM), Sophie Kurkdjian (IHTP / CNRS), Pascal Morand (Fédération de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode), Philippe Thiébaut (INHA), David Zajtmann (IFM)

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Informations pratiques

24 mars 2017 – 9H30-18H
INHA, galerie Colbert, auditorium

25 mars 2017 – 9H30-18H
Institut Français de la Mode, amphithéâtre Yves Saint Laurent

entrée libre sur inscription : conferencehautecouture.wordpress.com/registration

Source: http://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/mars-2017/nouveaux-regards-sur-la-haute-couture-parisienne-de-1850-a-nos-jours.html?search-keywords=colloque

Cycle de conférences : « Frank Lloyd Wright, le premier starchitect » (12, 19 et 26 janvier 2017, musée d’Orsay, Paris)

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Trois conférences pour comprendre l’architecture de l’inventeur du Guggenheim

Bien qu’il soit universellement connu et probablement le plus célèbre des architectes américains, Frank Lloyd Wright n’a pas fait l’objet d’exposition en France depuis 1977. Architecte original et exceptionnel, sa carrière fait le lien entre le XIXe et le XXe siècle. Ces conférences seront l’occasion d’inviter au musée d’Orsay de grands historiens de l’architecture, français et américains, pour mieux comprendre son oeuvre.

Les jeudi 12, 19 et 26 janvier 2017 à 18h30

Auditorium niveau -2, Musée d’Orsay

Tarifs : Plein tarif : 6 € / Adhérents, jeunes et solidarité : 4,50 €

Continuer la lecture de Cycle de conférences : « Frank Lloyd Wright, le premier starchitect » (12, 19 et 26 janvier 2017, musée d’Orsay, Paris)

Soutenance de thèse : « La création artistique : le timbre-poste français gravé en taille-douce de 1928 à nos jours. » par Monica Nowaca (12 janvier 2017, INHA, Paris)

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Mme Monika Nowacka soutiendra sa thèse de doctorat : La création artistique : le timbre-poste français gravé en taille-douce de 1928 à nos jours.

le jeudi 12 janvier 2017
à 14h

à l’INHA, Salle Ingres, 2ème étage, Galerie Colbert, 4-6 rue des Petits-Champs, Paris 2ème

En présence du jury :

M. ANDRIEUX ( PARIS 4 )
M. BELHOSTE ( EPHE )
MME GRIVEL ( Directrice de thèse, PARIS 4 )
M. LEPROUX ( EPHE )
M. RABIER ( Poste )

Colloque « Patrimoine et patrimonialisation du cinéma depuis les années 1960 », 24-25 novembre 2016

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Patrimoine et patrimonialisation du cinéma depuis les années 1960

24 et 25 novembre 2016, de 9 h à 18 h

École nationale des chartes, salle Léopold-Delisle (Rdc)

Entrée libre dans la limite des places disponibles. Se munir d’une pièce d’identité.

Les formes et les manifestations du patrimoine cinématographique ont fortement évolué depuis les années 1960. Si de nouveaux publics ont découvert autrement les films «anciens» et ont inventé des pratiques inédites de visionnement, cette évolution amène aujourd’hui les cinémathèques et archives du film, généralement considérées comme des musées pour le cinéma, à s’interroger  sur leur identité et les frontières de leur activité.

En étudiant la mutation des lieux, des supports, des acteurs, des pratiques, qui s’est opérée depuis cinquante ans, il s’agira de dresser un état des lieux de la réflexion sur ces enjeux de patrimonialisation jusqu’à l’ère du tout-numérique et de la dissémination des écrans, tout en s’inscrivant dans un panorama international qui ménage un important espace aux récits historiques et aux pratiques de pays où archives et cinémathèques jouent un rôle important.

Organisation scientifique :

Christophe Gauthier (École nationale des chartes)Natacha Laurent (Université Toulouse Jean-Jaurès) Ophir Lévy (Université Paris 3)

Dimitri Vezyroglou (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)

PROGRAMME :

JEUDI 24 NOVEMBRE

  • 9 h Accueil des participants
  • 9 h 30 Ouverture : Michelle Bubenicek (directrice de l’ENC), Jean-Philippe Garric (directeur du Labex Cap), Philippe Dagen (directeur de l’HiCSA, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne), Patrick Arabeyre (Centre Jean-Mabillon), Christophe Gauthier (ENC)
  • 9 h 50 Natacha Laurent (Université Toulouse Jean-Jaurès) : « Le patrimoine cinématographique est-il soluble dans le marché ? »

La constitution d’un panthéon

Modérateur : Joël Daire (Cinémathèque française)

La première thématique de ce colloque concerne les modalités d’élaboration d’un panthéon cinématographique. Quels sont, en dehors des critiques et des cinémathèques, les prescripteurs qui, depuis une cinquantaine d’années, participent à la définition des classiques, et comment interagissent ces différents agents de l’édification d’un système de références, élaboré dès les années 1920 ? Comment ce « répertoire » s’élabore-t-il et comment évolue-t-il ? Les critères de sélection, leur définition, les acteurs en présence (festivals de cinéma, congrès, nouveaux acteurs institutionnels…), les différentes relations entre ceux-ci, sont autant de thèmes qui seront abordés par les participants.

  • 10 h 20 Christophe Gauthier (ENC) : introduction
  • 10 h 35 Christophe Dupin (FIAF) : « Le congrès de la FIAF à Brighton (1978) – un “Woodstock” des archives du film ? »
  • 11 h 05 Pause
  • 11 h 20 Marie Frappat (Université Paris 3) : « La place et le panthéon : quand le festival Il Cinema ritrovato de Bologne revoit ses classiques »
  • 11 h 50 François Ede : « La restauration numérique des films : Viollet-le-Duc ou Cesare Brandi ? »
  • 12 h 20 Discussion
  • 12 h 35 Déjeuner

Quels dispositifs pour le patrimoine cinématographique ?

Modérateur : Laurent Véray (Université Paris 3)

À partir des années 1960, le patrimoine cinématographique, qui n’était jusque-là visible que dans quelques lieux clairement identifiés (les cinémathèques et les ciné-clubs), est progressivement devenu accessible grâce à d’autres dispositifs : télévision, édition vidéo, réseau de salles art et essai, festivals, et surtout « révolution numérique » qui permet le visionnement de films anciens sur des écrans individuels de taille variable (ordinateurs, tablettes, téléphones). Quelles conséquences ce processus a-t-il sur le périmètre de ce que l’on nomme « patrimoine cinématographique », sur le rôle et les missions des cinémathèques et des lieux de conservation du cinéma, sur les relations entre les différents acteurs de la « filière », sur la place de la salle de cinéma ?

  • 14 h 30 Dimitri Vezyroglou (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) : introduction
  • 14 h 45 Evelyne Cohen (Enssib) : « Le Ciné-club d’Antenne 2 présenté par Claude-Jean Philippe – critères de sélection et programmation »
  • 15 h 15 Barbara Laborde (Université Paris 3) : « Lorsque l’École se voit disputer sa légitimité par YouTube – vers une reconfiguration de la cinéphilie en milieu scolaire »
  • 15 h 45 Discussion
  • 16 h Pause
  • 16 h 15 – Table ronde avec Aurélie Pinto (Université Paris 3), Jean-Marc Zekri
  • 17 h 30 (exploitant du Reflet-Médicis), François Causse (exploitant de la Filmothèque du quartier latin) et Dimitri Vezyroglou : « La place de l’art et essai dans la patrimonialisation du cinéma »

VENDREDI 25 NOVEMBRE

Programmer, est-ce accrocher ?

Modératrice : Sylvie Lindeperg (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)

La programmation a joué un rôle central dans le processus de patrimonialisation du cinéma. La diversification des propositions de programmation, qui s’est accentuée depuis une cinquantaine d’années, révèle des conceptions différentes de l’histoire du cinéma, du rôle des cinémathèques, du positionnement du cinéma par rapport à l’histoire de l’art. Qu’il s’agisse de l’engouement actuel pour les expositions de cinéma, des différentes modalités d’entrée du 7e art dans le monde des musées, ou du glissement progressif du statut du film de multiple vers l’unique, les évolutions actuelles sont une invitation à réfléchir sur ce rapprochement entre programmation et accrochage : la conception et la mise en œuvre d’une programmation de films anciens constituent-elles un geste qui pourrait s’apparenter à celui qui conduit à l’exposition d’objets d’art ? Ce geste est-il scientifique ou artistique ? Comment est-il influencé par la présence d’une collection spécifique, dont la valorisation constitue un objectif majeur ?

  • 9 h 30 Présentation introductive : Yaël Kreplak (CEMS-IMM-EHESS et Labex CAP) : « L’accrochage en perspectives – vers une écologie de l’institu- tion muséale »
  • 10 h Esteve Riambau (Filmoteca de Catalunya), Pepe Serra (Mnac) : « Pour l’amour de l’art et du cinéma. La collaboration entre la Filmo- teca de Catalunya et le Musée national d’art de Catalogne »
  • 10 h 45 Discussion
  • 11 h Pause
  • 11 h 15 Stéphanie Louis (IHTP) : « Je montre donc je suis. Programmation et identité institutionnelle »
  • 11 h 45 Alex Horwath (Österreichisches Filmmuseum), dialogue avec Nata- cha Laurent : « A Utopia of Film – Projection is Restoration »
  • 12 h 30 – Discussion
  • 12 h 45 – Déjeuner

L’expérience sensible du spectateur

Modératrice : Béatrice de Pastre (CNC)

De façon paradoxale, l’accroissement continu de la définition des écrans (téléviseurs, ordinateurs, tablettes) s’accompagne d’une grande pauvreté de la qualité technique du contenu disponible en ligne. Si bien que pour nombre de spectateurs, notamment les plus jeunes, la découverte de films sur YouTube, sur les sites de streaming ou via le téléchargement a lieu sous une forme beaucoup plus compressée et dégradée que celle du DVD (et a fortiori que celle du film projeté en salle). À cet égard, du fait de sa rareté, l’expérience de la projection pellicule tendrait même à revêtir, non sans une certaine ironie, une dimension d’« aura » que W. Benjamin ne pouvait anticiper. Doit-on en déduire, chez une partie du public, une tolérance plus grande aux mauvaises conditions de visionnage ? Le cas échéant, un tel rapport aux images, dans lequel l’immédiateté de l’accès au film prime le souci de sa qualité, induit-il une forme nouvelle de cinéphilie ? Par ailleurs, grâce aux échanges des internautes entre eux (forums, blogs), cette cinéphilie en ligne réaffirme une certaine horizontalité de l’accès à la culture cinématographique, loin de la verticalité éditoriale d’un programmateur de cinémathèque ou d’une chaîne télévisée.

  • 14 h Ophir Lévy (Université Paris 3) : introduction
  • 14 h 15 Pierre-Olivier Toulza (Université Paris-Diderot) : « Évaluer les musi- cals de Gene Kelly : les jugements des spectateurs des previews des années 1950 »
  • 14 h 45 Jean-Marc Leveratto (Université de Lorraine) : « Déterritorialisation et reterritorialisation du spectacle cinématographique – les usages cinéphiles d’Internet »
  • 15 h 15 Discussion
  • 15 h 30 Pause
  • 15 h 45 Pascale Ferran : « LaCinetek, un nouvel outil pour les cinéphiles ? »
  • 16 h 15 – Conférence conclusive par Paolo Cherchi Usai (George Eastman 17 h House) : « Lindgren Manifesto, 10e partie : le patrimoine cinémato- graphique vu par le spectateur distrait »

Source: http://labexcap.fr/evenement/patrimoine-et-patrimonialisation-du-cinema-depuis-les-annees-1960/

Appel à publication : « Actualité de la recherche sur le patrimoine culturel, architectural et urbain », revue APUNTES, Journal of cultural heritage studies (jusqu’au 15 décembre 2016)

apuntes

La revue APUNTES Journal of cultural heritage studies – de la Faculté d’Architecture et de Design de la Pontificia Universidad Javeriana (Bogotá, Colombie) prépare un numéro thématique (No. 30) intitulé “Actualidad de la investigación sobre patrimonio cultural, arquitectónico y urbano” (“Actualité de la recherche sur le patrimoine culturel, architectural et urbain”), à paraître fin 2017 en ligne et dans sa version imprimée.

Inscrite dans les champs de la recherche et des études sur le patrimoine culturel, APUNTES vise à mettre à jour ses lecteurs latino-américains au sujet des investigations et des travaux sur le patrimoine, développés récemment en France et concernant la connaissance, la conservation et la valorisation du patrimoine.

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Appel à communication : « Il n’y a pas d’art, ni d’historien de l’art neutres » (jusqu’au 14 octobre 2016)

http://blog.apahau.org/wp-content/uploads/2016/09/Keith-Haring-Free-South-Africa-1985-affiche.jpg

Ainsi il reste vrai que, dans le monde de l’art,
tout ce qui vient de quelqu’un qui n’est pas un homme blanc
est relégué aux annales des politiques identitaires,
comme si l’identité de l’homme blanc était intrinsèquement neutre.

Merray Gerges, “Notes toward an In(con)clusive Identity Politics”,
Canadian Art, été 2016.

À la lumière des événements en cours mettant en exergue des problèmes sociaux profonds et systémiques en “Amérique du Nord” tels que le racisme à l’encontre des Autochtones, des Noirs canadiens, des Noirs américains, et d’autres groupes racisés, ainsi que l’homophobie, la transphobie et le sexisme, AHGSA Concordia aimerait faciliter un dialogue ouvert sur les rôles de la formation d’identités qui contestent la soit-disant neutralité du processus de création artistique et d’écriture de l’histoire de l’art, et comment cela peut être mis en perspective par l’étude des champs de la culture visuelle et matérielle. Nous vous invitons à nous envoyer toute proposition de recherche relative à cette problématique, sans aucune contrainte thématique ou historique de notre part.

Nous encourageons les intervenants à adopter une position critique sur des questions de race, classe, genre, sexualité, en relation avec un objet d’étude et/ou leur propre identité ou expérience.

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Journée d’étude : « La notion de modèle en architecture : du Moyen Âge à nos jours » (13-14 octobre 2016, INHA, Paris)

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La notion de modèle en architecture : du Moyen Âge à nos jours

13 octobre 2016
Galerie Colbert, salle Vasari

Sous la responsabilité scientifique de Jean-Philippe Garric et de Philippe Plagnieux
Comité organisateur : Charlotte Duvette, Justine François, Alison Gorel le Pennec et Léa D’Hommée-Kchouk

 

Chaque communication dure 20 min. et sera suivie de 10 minutes de débat. Continuer la lecture de Journée d’étude : « La notion de modèle en architecture : du Moyen Âge à nos jours » (13-14 octobre 2016, INHA, Paris)

Cycle de séminaires : « Le corps et ses corpus : jeu et rejeu d’archives, œuvres disparues et création contemporaine » (de mars à décembre 2016, Archives nationales, Paris)

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De 17h à 19h, Ministère de la Culture, Salle Colette, 7e étage, 182, rue Saint-Honoré, 75001 Paris

Entrée libre, pensez à vous munir d’une pièce d’identité. Contact : clothilde.roullier@culture.gouv.fr

Le programme « Replay, restitution, recréation… Pour une typologie de la reprise des archives » se propose de mettre en regard les archives des œuvres disparues et celles qui animent ou justifient une part de la création contemporaine. En s’attachant à la place du corps dans l’œuvre, de la statuaire à la chorégraphie, il s’agit d’interroger en premier lieu la manière dont les supports documentaires, destinés à faire « archives », interviennent ou non dans le processus de fabrication, de commande et de réception des œuvres. Les intervenants, universitaires, artistes, critiques ou conservateurs, seront invités à réfléchir à ces problématiques en mettant en regard leurs propres travaux avec le corpus d’archives établi à l’occasion de ce programme de recherche, qui rassemble des descriptions de documents provenant des Archives nationales, du CNAP, du CNDC et de l’ENSAPC, portant la trace d’œuvres disparues de différentes façons (destruction physique, œuvre performée…).

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Cycle de séminaires : « La Mode masculine 1820-1970, corps et objets » (de janvier à décembre 2016, INHA, Paris)

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Dans le cadre du programme « Histoire de la Mode et du Vêtement »

Les premiers mercredis du mois de 14h à 17h, salle Giorgio Vasari, Galerie Colbert, INHA

Entrée libre

Après une première année consacrée aux sources d’étude, la seconde année du séminaire  « La Mode masculine 1820-1970 », organisé dans le cadre du programme « Histoire de la mode et du vêtement », se propose de traiter des corps et des objets. En poursuivant le même objectif qui est de mettre en lumière la singularité et la complexité de ces cent cinquante années de mode masculine. Singularité et complexité en réalité occultées par une idée formulée au début des années 1930, celle d’un « grand renoncement » masculin, qui serait responsable à la fois du caractère soi-disant neutre et uniforme de la garde-robe virile et de l’abandon par l’homme à la femme de tout ce qui touche au domaine de la mode. De l’analyse des métamorphoses de la silhouette masculine, de la quête d’une apparence qui n’hésite pas à recourir aux artifices de la cosmétique, de la part importante de la subjectivité dans la composition du vestiaire et des comportements intimes,  il devrait ressortir que ces générations d’hommes participèrent bel et bien au système de la mode et qu’ils furent en réalité des consommateurs au même titre que les femmes, en dépit d’une certaine conception de la virilité moderne tendant à afficher sa méfiance à l’égard de la mode.

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Appel à communication : « A l’Orientale. Collecting, Displaying and Appropriating Islamic Art and Architecture in the 19th and early 20th centuries » (jusqu’au 25 septembre 2016)

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Date et lieu du colloque : 4-6 mai 2017, Zurich et Schaffhausen, Musée Rietberg, Université de Zurich, Château de Charlottenfels

Henri Moser Charlottenfelds (1844-1923), voyageur suisse en Orient, est considéré comme l’un des pionniers et amateurs de l’art islamique au XIXe siècle, en raison de ses activités en tant que collectionneur et commissaire d’expositions. L’accroissement continuel de sa collection rendit Moser fameux à partir de 1876 grâce aux nombreuses expositions itinérantes organisées aussi bien en Suisse qu’à l’étranger. Sa collection fut plus tard exposée de façon permanente dans le musée privé qu’il établit en 1906 au Château de Charlottenfels, près de Schaffhouse. Par le don de sa collection au Musée Historique de Berne en 1914, Moser sut garantir la survivance de la Orientalische Sammlung Henri Moser Charlottenfels (collection orientale Henri Moser Charlottenfels), composée de près de 4000 objets. Grâce à la construction d’une salle d’exposition spécialement conçue pour l’accueillir, il permit à la collection d’être toujours accessible au public.

Le colloque entend présenter et replacer Henri Moser et sa collection dans un contexte international. L’activité de Moser en tant que collectionneur et commissaire d’expositions des arts de l’Islam reflète-t-elle une tendance contemporaine généralisée ? Comment les stratégies de présentation, re-contextualisation et d’approche didactique ont-elles évolué depuis le XIXe siècle ? Dans quelle mesure les collections privées ont-elles influencé l’organisation des départements islamiques dans les musées nationaux ? Et quel rôle ont joué les collectionneurs privés, tel Moser, dans la transmission et l’appropriation de l’art et de l’architecture islamique en Occident au XIXe siècle et au début du XXe siècle ?

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