Appel à communication : « Lieux et non-lieux : liens au corps » (jusqu’au 3 février 2017)

 

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  • Date limite : 3 février 2017
  • Date et lieu de la journée d’études : avril 2017, université Toulouse Jean-Jaurès.

Corps et espace entretiennent depuis toujours des relations très étroites, ainsi qu’en témoignent la philosophie, les sciences physiques et/ou humaines ou encore les arts. Ces deux “entités” sont envisagées comme intrinsèquement et inextricablement liées. Liées par le seul fait que c’est à travers le corps tout d’abord que se perçoit l’espace : vu, senti, touché, le corps est le premier siège de notre appréhension de l’espace, et c’est en premier lieu à travers ce ressenti qu’il nous est donné à penser. Mais penser les relations du “corps à l’espace” (Merleau-Ponty), c’est aussi distinguer l’espace du lieu : “Topos désigne toujours le lieu où se trouve, où est situé un corps. Et le lieu est indissociable de la constitution de ce corps, c’est-à-dire aussi de son mouvement. […] On distingue ainsi le lieu physique relatif de la propriété ontologique qui fonde cette localisation”, nous indique Jean-François Pradeau dans son article Être quelque part, occuper une place. Topos et chôra dans le Timée1.

Depuis toujours, les arts (architecture, peinture, sculpture, danse, théâtre) n’ont eu de cesse de faire dialoguer corps et lieu(x). Plus récemment, ce sont la performance, la danse et le théâtre contemporains ou encore des dispositifs tels que l’installation qui réinterrogent les relations entre les deux notions. Si l’espace tout comme le corps sont au cœur des préoccupations de l’homme depuis la nuit des temps, ces unions et/ou tensions entre corps et espace prennent aujourd’hui de nouveaux visages : l’avènement récent des technologies numériques a contribué à la naissance d’espaces, “espaces sans lieu” (Anne Cauquelin) tantôt synonymes de liberté, tantôt jugés comme désincarnants. Le lieu pourrait alors être envisagé aussi à travers la figure du non-lieu et/ou de l’utopie, c’est-à-dire de lieu qui n’est nulle part, dont l’art contemporain, selon Anne Cauquelin2, épuise les variations et les déclinaisons : nombreuses sont d’ailleurs les œuvres qui se nourrissent du vide, où les “non-corps” (Nathalie Desmet) créent une présence de l’absence.
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Appel à communication : Châteaux et spectacles (jusqu’au 30 janvier 2017)

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  • Date limite : jusqu’au 30 janvier 2017
  • Date et lieu du colloque : 29, 30 septembre et 1er octobre 2017, Périgueux.

À l’heure de l’exposition que le château de Versailles dédie, jusqu’au printemps 2017, aux Fêtes et divertissements à la cour, l’association des Rencontres d’archéologie et d’histoire en Périgord a choisi de consacrer son colloque annuel aux liens entre châteaux et spectacles en élargissant le propos des pratiques curiales à celles ayant pour cadre, du Moyen-âge à nos jours, les châteaux européens aussi modestes soient-ils.

Dans les années 70, aux beaux jours de l’anthropologie historique et de la Nouvelle histoire, avec le développement de l’histoire des mentalités et de l’imaginaire, l’histoire des fêtes et des spectacles a connu une heure de gloire. Elle s’inscrivait alors dans la lignée de la partition culture savante/culture populaire initiée par Robert Mandrou[1], la seconde étant présentée à la fois comme la seule « authentique » et comme une forme de résistance à l’acculturation des élites. Critiqué et révisé par Jacques Revel et Roger Chartier, ce clivage entre les deux cultures a glissé vers une approche en termes d’échanges, de circulations, de réception et d’acculturation, s’insérant dans une histoire culturelle aux limites de plus en plus floues englobant histoire sociale et histoire politique. Pour la période médiévale, après les travaux de Jean Verdon[2] et la publication du congrès du CTHS de Chambéry de 1991[3], le sujet a été longtemps délaissé. Depuis la première décennie 2000, de nouvelles approches sont le fait de littéraires[4] et d’historiens qui ont surtout renouvelé la connaissance de la culture festive de la noblesse, comme élément marqueur de son identité, en particulier Sébastien Nadot qui, dans sa thèse publiée en 2012, assimile les joutes à une pratique sportive[5]. D’autres, en particulier Evelyne Van den Neste pour les villes de Flandres[6], ont revu cette question des joutes et tournois, aujourd’hui la mieux explorée pour la période médiévale tant en milieu urbain que rural où les abords des châteaux en constituent le cadre essentiel.

L’histoire des spectacles urbains à l’époque moderne est en plein renouvellement, croisant histoire et histoire littéraire, comme en atteste, depuis 2014-15, le séminaire d’histoire sociale des spectacles du Centre Roland Mousnier (Paris-Sorbonne)[7]. Dans le prolongement de celui-ci une journée d’études s’est tenue à Lyon en juin dernier envisageant les spectacles comme un laboratoire du gouvernement urbain[8]. Que ce soit à Naples[9], à Londres[10] ou dans d’autres villes européennes, il s’agit ici à la fois d’inscrire les spectacles dans une société, dans des pratiques politiques mais aussi dans un espace urbain ce qui conduit à croiser le regard des urbanistes comme à Paris étudiée dans la première modernité par Goulven Oiry[11].

L’émergence de la citoyenneté au XIXe siècle suppose de conforter l’adhésion, en multipliant les formes d’expression de l’approbation. Le spectacle participe de la cérémonie du pouvoir, comme l’explore un colloque, organisé en 1990, sur les usages politiques des fêtes aux XIXe et XXe siècles[12]. Les châteaux, au cœur de la sociabilité aristocratique, peuvent tout aussi bien servir à appuyer la souveraineté qu’à susciter une contre-image, sous l’égide des légitimistes par exemple, le spectacle servant à construire un imaginaire politique de l’assentiment comme du ressentiment.

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Cycle de séminaires Kinétraces 2017 (de janvier à juin 2017, ENS Ulm et Paris 3 Censier, Paris)

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Les séances auront lieu de 18h à 20h à l’ENS (45 rue d’Ulm) ou Paris 3 (Censier)

Mardi 31 janvier 2017 : ENS, Amphi Rataud

Nataliya Puchenkina (Université François-Rabelais de Tours /InTRu – EA6301) : « Réception critique ou construction d’un mythe : la presse cinématographique française face au cinéma soviétique de l’entre-deux-guerres».

Caroline Damiens (CREE / Inalco) : « (Re)découvrir les téléfilms soviétiques comme des objets cinématographiques ».

Lundi 13 février 2017 : ENS, Amphi Rataud

Fanny Van Exaerde (Alithila, Université Lille SHS / VUB) : « « Une poésie de cinéma » Etude historique, génétique et intermédiale des scénarios et dialogues de Jean Cocteau ».

Laetitia Dumont-Lewi (Université Paris8 – Labex Arts H2H) : « Gens de théâtre derrière la caméra : expérimentations télévisuelles de metteurs en scène italiens ».

Lundi 13 mars 2017 : Paris 3 “Semaine des Arts et des Médias ” – la salle sera communiquée quelques jours avant

Roxane Sauvage (Université Paris3 / IRET) : « Sur les interactions entre danse et théâtre entre 1880 et 1921 : au croisement des disciplines et des archives ».

Myriam Fouillet (Université Paris3 / IRCAV) : « La création des costumes dans le cinéma d’après-guerre».

Lundi 24 avril 2017 : ENS, Amphi Rataud

Priscilla Guy (Université de Lille SHS/CEAC) :  » Performer l’archive : perspectives féministes et présences fantomatiques de femmes artistes dans l’oeuvre Singeries  »

Matthieu Péchenet (Université de Lille SHS/CEAC) : « Le témoin dans l’archive autour de 1900 : au croisement de la photographie animée et de l’histoire »

Lundi 15 mai 2017 : ENS, salle Weil

Mathilde Lejeune (Université Lille SHS / CEAC-UNIL / Université de Lausanne) / CEC) : « Les théories de Charles Dekeukeleire à la rencontre de ses propres archives. La notion de « technographie » comme approche méthodologique de l’histoire en cinéma »

Lundi 19 juin 2017 : Paris 3 – la salle sera communiquée quelques jours avant

Thomas Pillard (Université Paris 3 et Bordeaux Montaigne / IRCAV) : « Air France et le cinéma : histoire et archives d’une rencontre audiovisuelle».

Daniel Morgan (Université Paris3 / IRCAV) : « Rétablir la légitimité de l’État : la justice pénale dans le cinéma français de l’après-guerre».

(source : http://www.afrhc.fr/wp-content/uploads/2017/01/2017-01-17_587e445581be7_ProgrammeSeminaireKinetraces-compressed-min.pdf)

Appel à communications : « Le théâtre comme espace de protestation en Espagne (1960-1980) » (jusqu’au 15 janvier 2017).

comicos_de_la_legua-195260314-largeJournée d’études organisée par Anne Laure Feuillastre et Marina Ruiz Cano

Université Paris Ouest Nanterre-La Défense, CRIIA, EA 369

Mercredi 17 mai 2017, Collège d’Espagne, Paris

Cette journée d’études, organisée dans le cadre du projet de l’Université Paris Lumières « Les espaces temps de la contestation dans la Péninsule Ibérique (1926-2014) », a pour objet le théâtre comme instrument de protestation et de dissidence en Espagne dans les dernières années de la dictature et au début de la démocratie.

La mise en place des régimes totalitaires au XXe siècle en Europe du Sud a provoqué l’apparition de divers mouvements de contestation parmi les oppositions politiques : le théâtre a été l’une des voix de dissidence. L’écriture dramatique a alors pris des voies esthétiques différentes : réalisme social, avant-gardisme, symbolisme. Par quels moyens et procédés les pièces s’élèvent-elles contre le pouvoir en place ? À quoi s’opposent-elles ? La dictature a conditionné ce théâtre de contestation afin d’en limiter la diffusion : la censure gouvernementale a été responsable de l’interdiction et de la mutilation d’un nombre conséquent de pièces et l’Administration a restreint sa portée par des autorisations au compte-goutte, des fonctions uniques, en contexte exceptionnel comme lors de festivals ou de concours littéraires. Le théâtre a ainsi dû s’adapter à ces obstacles en trouvant des mécanismes d’écriture différents et des circuits de diffusion indépendants afin d’atteindre la scène.

Les difficultés qui persistent pour la création dramatique à la fin de la dictature et au début de la démocratie ont donné lieu à un autre type de revendications liées à la profession (grève de 1975, création de l’ATIP en 1976) : dans quelle mesure ces actions ont-elles élargi le champ d’action du théâtre ?

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Appel à communication : « Scène, corps et mémoires. Les arts à l’épreuve du souvenir » (jusqu’au 30 mai 2016)

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DATE LIMITE : 30 MAI 2016

DATE ET LIEU : 22 JUIN 2016 A L’UNIVERSITE D’ARTOIS-ARRAS

Le séminaire doctoral Scène, corps et mémoires est organisé par l’équipe de recherche « Praxis et Esthétique des arts », du laboratoire Textes et Cultures  EA-4028  de l’Université d’Artois. La journée d’étude que nous nous proposons d’organiser le 22 juin 2016, s’inscrit dans le cycle de manifestations scientifiques consacrées à la thématique du « Corps, figure, représentation » organisées par notre équipe de recherche.

Cette journée du 22 juin 2016 propose d’interroger les multiples relations qui se tissent entre corps et mémoires dans différents types de créations scéniques contemporaines (théâtre, danse et performance). Arts de l’instant, il n’en reste pas moins que ces processus s’appuient souvent sur le croisement d’une présence effective de l’interprète (acteur, danseur, performeur) avec les traces d’un passé que cette présence signale corporellement. Dans ces démarches, le passé colore le présent et les corps se font tribune.

Comment la création contemporaine, par le travail des corps, rend-elle compte du travail de la mémoire et de ses conséquences sur les individus, les collectifs ou la création elle-même ?

À travers les communications qui composeront cette journée, il s’agira donc de questionner la pluralité comprise dans la notion de mémoire depuis le point de vue des corps. On limitera cependant cette pluralité des acceptions à deux catégories de mémoire : la mémoire individuelle (le trajet personnel et singulier d’un sujet pensant et agissant) et la mémoire collective (les récits plus ou moins établis par lesquels un groupe social se construit une identité historique commune).

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Appel à communications : « Mémoires du Ventennio Représentations et enjeux mémoriels du régime fasciste de 1945 à aujourd’hui, Cinéma, Théâtre, Arts plastiques » (jusqu’au 13 mai 2016)

Mémoires du Ventennio

Date et lieu du colloque : 15-16 septembre 2016 Paris, INHA

Colloque international franco-italien

« Moi je ne sais pas si c’est la mémoire. En théorie, je ne le crois pas. La mémoire (le terme m’évite, m’a toujours évité) je la ressens comme quelque chose de non différent d’une pure actualité de l’esprit. »

Fabio Mauri, Io non vedo la memoria, 2001.

À soixante-dix ans de la fin du Second conflit mondial, nous pouvons toujours apprécier en Italie l’abondance d’une production artistique multiforme qui ne cesse d’évoquer, d’explorer et de réélaborer le souvenir de la dictature italienne. Des mémoires du Fascisme nécessairement plurielles car, de l’immédiat après-guerre à nos jours, les artistes ont composé de diverses façons avec ce passé historique. Cette multiplicité des expressions mémorielles se situe non seulement dans la pluralité de leurs supports visuels mais aussi dans la source même de ces souvenirs. Ils sont en effet fonction de l’identité, de l’histoire personnelle, de la génération, du degré et de l’orientation de l’engagement politique de chacun. Ainsi, un témoin direct du Ventennio n’aura pas le même positionnement qu’un artiste contemporain marqué par un héritage de remembrances bien plus collectives qu’individuelles. Par conséquent, c’est à la lumière de cette évolution historique, historiographique et générationnelle que nous souhaitons interroger le réservoir d’images, de paroles et de gestes mobilisé par les artistes tout au long de la seconde moitié du XXe siècle. Comment ces mémoires, directes ou indirectes, se déclinent- elles au cinéma, dans les arts plastiques, au théâtre ? Quels usages et quels objectifs mémoriels visent-elles ?

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Appel à contribution : « La séduction de l’image », revue en ligne L’Atelier (jusqu’au 20 décembre 2015)

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C’est ce lien d’emprise, plus phénoménologique qu’esthétique, entre l’œuvre et le spectateur, que ce numéro de L’Atelier analysera, en interrogeant le pouvoir de la séduction dans le domaine spécifique des arts visuels (dessin, peinture, sculpture, photographie, cinéma, arts décoratifs, théâtre, danse…). En peinture, c’est moins l’interprétation de l’image comme porteuse d’un sens symbolique caché que sa puissance de saisissement, la force et l’immédiateté des sensations qu’elle éveille, son pouvoir hypnotique de dé-figuration, qui nous intéresseront. Quant au cinéma, au théâtre, qui font œuvre de l’artifice, où le travestissement est fréquent et où l’émotion est d’autant plus vraie qu’elle est simulée, ne manifestent-ils pas par excellence ce pouvoir de la séduction élevée au statut d’art ? Continuer la lecture de Appel à contribution : « La séduction de l’image », revue en ligne L’Atelier (jusqu’au 20 décembre 2015)

Appel à communication : « L’art et l’argent : financement du travail artistique et enjeux socio-esthétiques » (jusqu’au 15 janvier 2016)

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Andy Warhol, Triple Dollar Sign, 1981

Le mécénat, au sens large, ses enjeux et influences souffrent d’un manque d’études empiriques bien qu’il soit essentiel à la production d’œuvres aujourd’hui. Sans mécénat, qu’il soit institution ou individu, étatique ou non, la création contemporaine ne bénéficierait pas de la place qu’elle occupe dans nos sociétés contemporaines. Le financement demande de la mobilité ; les créateurs n’ont de cesse de passer d’un contexte institutionnel à un autre afin de décrocher les financements nécessaires à leurs projets. S’ensuit alors que pour nous, chercheurs, la comparaison nous aide à mieux comprendre nos objets – souvent nationaux – et nous montre aussi que les frontières ne sont pas suffisamment pertinentes pour que l’on s’y limite.

Ainsi, ce colloque a pour objectif d’étudier les formes et les figures actuelles du mécénat afin de cartographier les mondes artistiques et d’appréhender l’impact du financement sur la production esthétique. Pour ce faire, les arts dans leur diversité (architecture, musique, arts plastiques, théâtre, danse, littérature etc.) seront abordés, croisés et comparés par le biais des humanités (histoire de l’art, sociologie, anthropologie, études culturelles, économie, etc.) afin d’engager une articulation entre les modes de financement et leur impact sur la création.

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Appel à communication : « Pier Paolo Pasolini entre art et philosophie » (avant le 15 janvier 2016)

Pier Paolo Pasolini. On the set of Accattone. Rome, 1961. Photo by Angelo Pennoni.

Pier Paolo Pasolini entre art et philosophie

le 29 mars 2016 à Reims •  JOURNEE D’ETUDE co-organisée par le Centre Interdisciplinaire de Recherches sur les Langues Et la Pensée (Université de Reims Champagne-Ardenne) et l’Ecole Supérieure d’Art et de Design de Reims.

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