Journée d’études : « Photographie et capitalisme » (le 20 mai 2017, Paris, INHA)

Cette journée est organisée par l’université Paris I (ED 441 – HICSA).

Présentation

Historiquement présentée comme un « art pour tous », la photographie est associée aux valeurs démocratiques. Qu’en est-il, cependant, de ses relations avec le capitalisme dont elle est contemporaine ? Sur le plan économique et culturel, la production des photographies met-elle en jeu des valeurs différentes de celles que lui attribuaient les promoteurs de l’invention au XIXe siècle ? Associée au monde des images, aux enjeux politiques du pouvoir, aux formes de propagande et à une société de consommation, la photographie n’est pas étrangère aux débats sur l’aliénation et les dérives du capitalisme. Il est temps d’ouvrir le chantier d’une étude poussée des relations entre la photographie et le système capitaliste, et d’analyser les ambiguïtés d’un médium toujours dépendant des pratiques et des usages.

Les interventions proposées lors de cette journée aborderont les liens entre photographie et capitalisme au XXe siècle, appréhendé ici non pas dans sa seule dimension économique, mais en tant que valeur politique et idéologique. C’est sous un angle inédit que seront confrontés les paradoxes d’un art entretenant une relation ambigüe au système capitaliste, accentuant sa domination ou nourrissant sa contestation.

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Colloque : « L’invention photographique du Caire historique : jalons, raisons, leçons » (Paris, INHA, 17 mai 2017)

Date et lieu du colloque : le 17 mai 2017 de 10h à 18h

Galerie Colbert, salle Vasari
Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

entrée libre

À l’occasion de la présentation en salle Roberto Longhi, du 21 avril au 8 juillet 2017, de l’exposition consacrée aux vues du Caire du photographe italien Beniamino Facchinelli (1839-1895), ce colloque se propose de revenir sur les multiples entreprises photographiques qui se sont vouées à l’inventaire des richesses artistiques du Caire ancien par le biais du nouveau medium. La photographie topographique n’est certes  pas née au Caire, mais la cité des Fatimides et des Mamelouks en a été l’une des grandes capitales, aux côtés de Rome ou de Paris. Cette riche iconographie aurait par là-même contribué à la « médiévalisation » de la ville dans les représentations contemporaines, c’est-à-dire à la fixation d’un stéréotype visuel éloigné de la réalité urbaine de la capitale égyptienne. Outre la théorie critique, l’archéologie s’est également intéressée à ces images pour documenter l’histoire des bâtiments photographiés. Plus rares sont les travaux dédiés à l’histoire même de ces corpus visuels, à leurs modes de constitution et de diffusion. La rencontre ambitionne de revenir sur quelques grands jalons et raisons de ces opérations de photographie topographique, que la motivation en ait été commerciale, documentaire, artistique ou architecturale. Elle s’intéressera à la circulation des images produites ainsi qu’à leurs usages, de la création architecturale ou ornementale à l’édition de livres illustrés. Elle évoquera enfin les enseignements que peut livrer aujourd’hui cette imagerie historique sur la physionomie architecturale et urbaine du Caire historique et sur sa vie sociale.

En partenariat avec la Bibliothèque nationale de France

Intervenants

  • Sylvie Aubenas (Bnf)
  • Dina Bakhoum (université Panthéon-Sorbonne et AUC, Le Caire)
  • Thomas Cazentre (Bnf)
  • Jérôme Delatour (INHA)
  • Ezio Godoli (Università degli Studi di Firenze, Florence)
  • Ella Ravilious (V&A, Londres)
  • Estelle Sohier (université de Genève)
  • Harald R. Stühlinger (ETH, Zurich)
  • Mercedes Volait (Laboratoire InVisu CNRS / INHA)

Comité scientifique

  • Sylvie Aubenas (Bnf)
  • Mercedes Volait (Laboratoire InVisu CNRS / INHA)

Pour en savoir plus

Conférence: Matisse et le coup du bambou, Paris, INHA, 12 mai 2017

Spécialiste de l’art européen et américain du  XXe siècle, Yve-Alain Bois s’intéressera à la canne de bambou comme instrument de dessin pour Henri Matisse. Cette pratique inhabituelle est directement liée à la découverte, dès les années 1900, qu’il lui est impossible de mettre au carreau un dessin en vue d’une grande composition, puisque la qualité d’une couleur se modifie en fonction de la quantité de surface qu’elle recouvre.

À la fin des années 1940, alors qu’il décore la Chapelle du Rosaire à Vence, Matisse a encore recours à cet outil particulièrement difficile à manier. Mais si l’usage de la canne va de soi pour certains muraux, il semble paradoxal pour le Chemin de Croix dont les quatorze stations sont d’abord esquissées séparément sur papier à leur échelle définitive. Et s’il s’agissait cette fois pour Matisse, dans cette œuvre délibérément sauvage, de trouver le moyen de perdre le contrôle?

Intervenant

  • Yve-Alain Bois (School of Historical Studies, Princeton)

Responsable scientifique

  • Elitza Dulguerova (INHA)

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Informations pratiques

12 mai 2017 – 18H-20H

Galerie Colbert, auditorium
Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

entrée libre

Source: https://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/mai-2017/matisse-et-le-coup-du-bambou.html

Colloque : « Nouveaux regards sur la haute couture parisienne de 1850 à nos jours », 24 et 25 mars 2017, Paris, INHA

Le colloque s’inscrit dans le cadre des événements liés à l’ouverture de la bibliothèque de l’INHA, collections Jacques - Doucet. Mécène et collectionneur, Jacques Doucet fut aussi – il convenait de le rappeler – l’un des plus brillants représentants de la haute couture parisienne au tournant des XIXe et XXe siècles. Le colloque propose un nouveau regard sur les composantes de cette histoire de la haute couture : ses protagonistes, ses processus créatifs, ses matériaux, ses modes de diffusion, ses clientes, mais aussi son propre statut qui a largement évolué depuis son apparition et ses premières formulations à la fin du XIXe siècle, sous l’égide de Charles Frederick Worth. Séculaire, cette histoire a été trop souvent appréhendée du seul point de vue des créateurs, dont le nom et la griffe, investis d’un pouvoir « quasi-magique », pour reprendre la célèbre expression de Pierre Bourdieu, ont été prioritairement convoqués afin de comprendre le succès de la couture parisienne. Pour asseoir cette réévaluation de l’histoire de la haute couture, les intervenants prendront en considération les contradictions inhérentes à sa construction et à son système, notamment les tensions entre couture, art et commerce, la relation de la couture avec le prêt-à-porter et la production en série. Seront également évoqués les questionnements actuels touchant d’une part à l’industrialisation extrême de la mode avec la fast fashion, d’autre part à l’impact des outils numériques sur la couture.

En partenariat avec l’Institut français de la mode, l’Institut d’histoire du temps présent-CNRS et avec le concours de la Fédération de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode.

Intervenants

  • Miren Arzalluz (Barcelone)
  • Marco Belfanti (Brescia)
  • Géraldine Blanche (Paris, SciencesPo)
  • Ivana Culjak (Zagreb City Museum)
  • Maria do Carmo Rainho (Rio de Janeiro, National Archives)
  • Karolien De Clippel (Hasselt, Modemuseum)
  • William DeGregorio (New York, Bard Graduate Center)
  • Émile Hammen (Paris, IFM)
  • Michelle Finamore (Boston, Museum of Fine Arts)
  • Christian Gros (Paris, Palais Galliera)
  • Didier Grumbach (Paris)
  • Anna Lebovic (The Univeristy of Sydney)
  • Marie McLoughin (University of Brighton)
  • Michele Majer (New York, Bard Graduate Center)
  • Zsolt Mészàros (Budapest, université Eötvos Lorànd)
  • Jérôme Neutres (Paris, Réunion des musées nationaux)
  • Tomoko Okawa (Tokyo, Jissen Women’s University)
  • Adelheid Rasche (Nuremberg, Germanisches National Museum)
  • Maurizio Rofrano (Paris)
  • Marine Schweitzer (Paris, Paris IV Sorbonne)
  • E.-J. Scott (Arts University, Bornemouth)
  • Sara Skillen (Stockholm University)
  • Katarzyna Stempniak (Duke University)
  • Françoise Tétart-Vittu (Paris)
  • Alessandra Vaccari (Université de Venise)
  • Marlène van de Casteele (Université Lyon 2 Lumière)
  • Johanna Zanon (Université d’Oslo)

Comité scientifique

Maude Bass-Krueger (Tel Aviv University et IHTP / CNRS), Dominique Jacomet (IFM), Sophie Kurkdjian (IHTP / CNRS), Pascal Morand (Fédération de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode), Philippe Thiébaut (INHA), David Zajtmann (IFM)

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Informations pratiques

24 mars 2017 – 9H30-18H
INHA, galerie Colbert, auditorium

25 mars 2017 – 9H30-18H
Institut Français de la Mode, amphithéâtre Yves Saint Laurent

entrée libre sur inscription : conferencehautecouture.wordpress.com/registration

Source: http://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/mars-2017/nouveaux-regards-sur-la-haute-couture-parisienne-de-1850-a-nos-jours.html?search-keywords=colloque

Journée d’études: « Autour de Roger Taillibert – Structures architecturales et ingénieurs du XXe siècle », 23 mars 2017, Paris, INHA

Les interactions entre architecture et ingénierie constituent un champ de recherche fertile. Depuis les années 1990, les publications et expositions monographiques permettent d’envisager une réflexion synthétique sur les architectes et ingénieurs qui ont su allier recherches structurelles et force expressive au cours du XXe siècle : travaux universitaires et fonds d’agences conservés dans les collections muséales offrent l’opportunité de s’interroger sur le processus de conception du projet architectural, de ces voûtes, coques, coupoles en béton, structures tendues et autres modèles structurels. À travers les maquettes et les plans, les matériaux performants, l’ingénierie intégrée et l’utilisation de l’informatique, les projets d’Eduardo Torroja, Pier Luigi Nervi, Felix Candela, Roger Taillibert, Frei Otto et Myron Goldsmith révèlent des expérimentations sans cesse renouvelées pour défier les lois de la statique et dominer la matière.

En partenariat avec la Cité de l’architecture et du patrimoine – musée des Monuments français

Responsables scientifiques

  • Stéphanie Quantin (Cité de l’architecture et du patrimoine)
  • Arnaud Timbert (INHA)

Programme

Pionniers et modèles. De la science à l’art des structures
_“Architectes et ingénieurs de l’entre-deux-guerres à la Reconstruction : l’émergence de la maîtrise d’œuvre moderne”, par Nicolas Nogue (ministère de la Culture et de la Communication).
_“Le fonds de maquettes de l’agence Roger Taillibert”, par Stéphanie Quantin-Biancalani (MMF-Cité de l’architecture et du patrimoine).
_“Shell structures of Eduardo Torroja: The cheapest solution”, par Joaquín Antuňa Bernardo (Universidad Politécnica de Madrid).
_“The Structural Art of Felix Candela’s Shells”, par Marisela Mendoza Ramos (School of Architecture Design and the Built Environment, Nottingham Trent University).
_“Pier Luigi Nervi’s reduced scale models: « Masterpieces in Miniature »”, par Gabriele Neri (Università della Svizzera italiana, Mendrisio).

Discours de Roger Taillibert architecte.

Roger Taillibert et ses contemporains. Vers une approche interdisciplinaire du projet ?
_“Architecte et ingénieur : l’usine SICLI par Heinz Isler ou la chronique tumultueuse d’une collaboration magistrale”, par Yvan Delemontey (École polytechnique fédérale de Lausanne, Laboratoire TSAM).
_“Stéphane du Château : l’activité libérale d’un ingénieur-conseil”, par Christel Palant-Frapier (ENSA Versailles).
_“Frei Otto. Thinking by Modeling”, par Georg Vrachliotis (Karlsruhe Institute for Technology, Stuttgart).

Le Parc olympique de Montréal. Connaissance, reconnaissance
_“Le Stade olympique de Montréal, signification historique, valeur patrimoniale”, par France Vanlaethem (UQAM, Montréal).
_“Présentation de l’ouvrage Le Parc olympique. 40 ans d’émotions (Dominion Modern, 2016) par son auteur Benoît Clairoux.

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Informations pratiques

23 mars 2017 – 9H-18H

Galerie Colbert, salle Vasari
Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

entrée libre

Sources: https://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/mars-2017/autour-de-roger-taillibert.html

Appel à communication : « La photographie au théâtre écrits théoriques, œuvres dramatiques, spectacles, programmations théâtrales XIXe-XXIe siècles. » (jusqu’au 31 mars 2017)

Colloque international
23, 24, 25 novembre 2017 à l’INHA Paris

Organisé par Brigitte Joinnault (Université Côte d’Azur/UMR THALIM/Arias)

Partenariats : UMR THALIM (Sorbonne Nouvelle/CNRS/ENS) ; CRILCQ – Université de Montréal ;  PRint – UQAM ; CTEL – Université Côte d’Azur], autres partenariats en cours.

L’objet de ce colloque est d’interroger la manière dont, de la fin du 19e siècle à nos jours, notre rapport au fait photographique (ses images, ses objets, ses techniques, ses procédés, ses praticiens et ses usagers) est mis en jeu dans les pratiques théâtrales (textes dramatiques, spectacles et programmations) et dans les écrits sur le théâtre. Comment ce rapport devient-il source d’inventions et de réflexions pour le théâtre, objet privilégié pour questionner aussi bien l’être humain dans sa présence à soi, à l’autre et au monde que le geste théâtral lui-même.  Quelles conceptions et/ou quelles représentations de la photographie les artistes et les théoriciens adoptent-ils ou forgent-ils lorsqu’ils s’en servent pour questionner le théâtre ? Dans quelles mesures le théâtre peut-il être, à l’instar de la littérature, considéré comme un « observatoire » ou comme un « laboratoire » de la photographie et de ses mutations ?

L’ouverture historique et géographique de ce colloque est volontairement large car dès ses origines et à chaque grand tournant de son histoire la photographie a exercé sur les praticiens et les théoriciens du théâtre une influence esthétique profonde, que celle-ci s’offre visiblement dans les écrits et dans les œuvres (comme cela s’observe depuis l’entrée dans l’ère du numérique et des technologies mobiles, en particulier dans les écritures anglophones et d’Amérique du Nord) ou que son travail demeure plus imperceptible (aussi bien aux premières heures de la photographie, que dans des œuvres actuelles où l’invisibilité de la photographie dans l’écriture dramatique d’un auteur va parfois de pair avec une présence beaucoup plus manifeste dans son écriture romanesque).

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Journée d’études : « L’internationale de la photographie sociale. Les réseaux transnationaux dans le Paris des années 1930 » (3 mars 2017, INHA, Paris)

L’arrivée d’une jeune génération de photographes venue de toute l’Europe a inscrit le Paris des années 1930 dans des réseaux internationaux de la photographie sociale. Aussi furent éditées, vues et discutées les productions visuelles de nombreux pays. Les photographes furent associés aux organisations culturelles de la gauche internationaliste et anticolonialiste, contribuant à faire de Paris tout à la fois une caisse de résonance des transformations du monde, et un haut-lieu de débats sur les rapports entre les images et la politique.

Cette journée d’étude s’inscrit dans la suite de celle du 25 mars 2016 sur la « photographie comme arme de classe » et s’intéressera tout particulièrement aux circulations transnationales et aux transferts culturels dans la gauche des années 1930.

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Journée d’études : « Global Art & Cultural Periodicals » (14 novembre 2016 et 1er mars 2017, INHA, Paris)

Colloque : « Cinémas d’insurrection : Expériences et images singulières en situation de conflits et post-conflits » (du 22 au 24 février 2017, Paris, Centre Pompidou et INHA)

Du 22 au 24 février 2017, Paris, Centre Pompidou et INHA.

Ce colloque est l’aboutissement d’un premier travail de recherche et de rencontre conduit avec des cinéastes et militants filmant de manière atypique les situations de conflits et post-conflits depuis plusieurs années ou décennies. L’objectif de ce colloque est donc de confronter les pratiques et les engagements d’artistes et de chercheurs enquêtant sur diverses situations de mobilisations ou de résistances armées, et sur la mémoire et l’amnésie constitutive de l’expérience historique des situations de post-conflits. Ces pratiques filmiques peuvent aussi inspirer les sciences sociales par leurs positions et leurs observations au plus proche des expériences de leurs interlocuteurs. En plaçant les travaux de ces cinéastes au centre des interventions, ce colloque entend aussi réinterroger les modes de savoir  et les constructions de sens produits par l’image.

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Appel à communications : « L’histoire du design en France » (jusqu’au 3 mars 2017)

Colloque international

21 juin 2017
Galerie Colbert, salle Jullian
Sous la responsabilité de Stéphane Laurent, MCF HdR, HiCSA
L’histoire du design en France présente une grande richesse mais paradoxalement aucun état des lieux n’a jamais été effectué. Les inventions se sont multipliées durant la révolution industrielle et les premières tentatives d’industrialisation d’un objet esthétique, aux formes modernes, ont été entreprises au début du vingtième siècle. Si l’Art nouveau n’a fait qu’une proposition timide, son vocabulaire a motivé certains industriels, qui l’ont choisi afin de diversifier leurs gammes d’articles. L’Art Déco réussit davantage une popularisation de l’objet moderne dans le cadre d’une approche commerciale qui reste fondée sur l’artisanat. A la veille de la Seconde Guerre mondiale, un rapprochement est entrepris entre les ingénieurs, les industriels et les créateurs de modèles. Il est porté par l’Union des artistes modernes (UAM) et est mis en scène à l’Exposition des Arts et techniques de 1937.

L’impulsion vient surtout après la Seconde Guerre mondiale avec l’influence du modèle américain de « design industriel », importé en France sous la traduction d’ « esthétique industrielle » grâce à des figures comme Jacques Viénot et Raymond Loewy, qui fondent respectivement l’agence Technès et la Compagnie d’esthétique industrielle (CEI). Toutefois les tentatives antécédentes, nées du projet français d’un « art social » au travers de l’embellissement du cadre de vie, se maintiennent, grâce notamment au mouvement Formes Utiles, avant de déboucher sur des recherches sur les plastiques et la dérision des formes dans le mouvement Pop des années soixante et soixante-dix, où s’illustrent des designers comme Olivier Mourgue, Roger Tallon et Pierre Paulin. C’est en grande partie à l’initiative de graphistes français comme Paul Colin qu’est fondée l’Alliance graphique internationale, et à celle de Viénot qu’est mise en place l’International Council of Societies of Industrial Design (ICSID). Prenant conscience de l’importance de ce nouveau champ dans les pratiques artistiques, champ qui s’ancre durablement comme le montre la réussite d’un Philippe Starck, les institutions entreprennent de soutenir le mouvement avec la création du Centre de création industrielle en 1969 ou de la Cité du design de Saint-Etienne plus récemment.

Des recherches et publications récentes sur le domaine, issus de travaux universitaires, permettent de faire un point sur la question.

Les contributions seront envoyées sous format Word au plus tard le vendredi 3 mars 2017 à stephane.laurent@univ-paris1.fr. Elles n’excéderont pas 1500 signes et comprendront en plus une courte biographie de 600 signes maximum.

(source : http://hicsa.univ-paris1.fr/page.php?r=3&id=872&lang=fr)

 

 

Journée d’études de la revue Marges : « Instrumentalisations de l’art » (25 février 2017, INHA, Salle Giorgio Vasari)

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DATE ET LIEU DE LA JOURNÉE D’ÉTUDES : Samedi 25 février 2017 (de 9h à 13h et de 14h à 17h30) à l’INHA, Salle Giorgio Vasari.

Entrée libre.

Le couple problématique de l’instrumentalisation et de l’autonomie de l’art a été au cœur des enjeux de la modernité artistique. À cet égard, la période 1960-1980 a représenté un basculement. D’une part, dans le sillage du débat postmoderniste, nombre d’artistes et de théoriciens ont promu une conception de l’art comme activité nécessairement investie dans la réalité vécue, sociale, politique. D’autre part, avec la fin de la guerre froide et la globalisation économique, les stratégies traditionnelles d’instrumentalisation politique de l’art nous paraissent, à tort ou à raison, s’être raréfiées.

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Soutenance de thèse : « La création artistique : le timbre-poste français gravé en taille-douce de 1928 à nos jours. » par Monica Nowaca (12 janvier 2017, INHA, Paris)

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Mme Monika Nowacka soutiendra sa thèse de doctorat : La création artistique : le timbre-poste français gravé en taille-douce de 1928 à nos jours.

le jeudi 12 janvier 2017
à 14h

à l’INHA, Salle Ingres, 2ème étage, Galerie Colbert, 4-6 rue des Petits-Champs, Paris 2ème

En présence du jury :

M. ANDRIEUX ( PARIS 4 )
M. BELHOSTE ( EPHE )
MME GRIVEL ( Directrice de thèse, PARIS 4 )
M. LEPROUX ( EPHE )
M. RABIER ( Poste )

Soutenance de thèse : « Abraham Palatnik, pionnier brésilien de l’art cinétique. » par Marjolaine Beuzard (15 décembre 2016, INHA, Paris)

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Mme Marjolaine Beuzard soutiendra sa thèse de doctorat : « Abraham Palatnik, pionnier brésilien de l’art cinétique. »

préparée sous la direction de M. Arnauld Pierre

le jeudi 15 décembre 2016

à 14h

à l’INHA, 4-6, rue des Petits-Champs 75002 Paris, Salle Walter BENJAMIN (RDC)

En présence du jury :

MME COËLLIER ( AMU )
MME DA COSTA ( Strasbourg )
M. PIERRE ( PARIS 4 )
M. QUEMIN ( PARIS 8 )
M. RINUY ( PARIS 8 )

Cette recherche analyse la contribution de l’artiste brésilien Abraham Palatnik (Natal, 1928) au domaine de l’art optico-cinétique. Elle s’intéresse au contexte international de sa présentation et de sa réception critique. L’appareil cinéchromatique Azul e roxo em Primeiro movimento distingué à la Première Biennale de São Paulo en 1951, fait de lui un pionnier de l’art cinétique et de l’art technologique. A Rio de Janeiro, dans le cercle de Mario Pedrosa, il fonde un groupe avec Almir Mavignier et Ivan Serpa. La théorie de la Gestalt et l’art des fous d’Engenho de Dentro au centre de leurs discussions, les conduisent à pratiquer un « abstractionnisme sensible ». Formé à Tel Aviv en mécanique et en art plastique avant son retour au Brésil fin 1947, Palatnik met son talent d’inventeur au service de la création artistique et de ses activités industrielles. Artiste et designer, il participe aux mouvements d’avant-garde brésiliens et internationaux. Il intègre le groupe Frente en 1954. Invité à huit biennales de São Paulo jusqu’en 1969 et à la trente deuxième Biennale de Venise en 1964, la diffusion de ses œuvres est en synchronie avec celles de ses pairs « cinétistes ». Elle connaît un essor considérable durant les années 1960 en Europe, en Amérique du Sud et aux Etats-Unis.

Légende : Carnet d’Abraham Palatnik, 1949 (Collection de l’artiste) – Folha de S. Paulo, 16/11/2011.

Soutenance de thèse : « « Et les grands cris de l’Est » : Delaunay à Berlin 1912-1914. » par Sophie Goetzmann (10 décembre 2016, INHA, Paris)

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Mme Sophie Goetzmann soutiendra sa thèse « « Et les grands cris de l’Est » : Delaunay à Berlin 1912-1914. »

préparée sous la direction de M. Arnauld Pierre

le samedi 10 décembre 2016
à 9h

INHA, Salle Ingres, 2ème étage, Galerie Colbert, 4-6 rue des Petits-Champs, Paris 2ème

En présence du jury :

  1. DUFRENE ( PARIS 10 )
    M. FLECKNER ( Hambourg )
    M. PIERRE ( PARIS 4 )
    M. ROUSSEAU ( PARIS 1 )
    MME STAVRINAKI ( PARIS 1 )

Résumé : Robert Delaunay (1885-1941) est l’un des artistes français les plus présents à Berlin à l’aube de la Première guerre mondiale. Avec l’aide de Herwarth Walden (1878-1941), directeur de la revue et galerie Der Sturm, l’artiste acquiert rapidement une solide réputation dans la capitale allemande, où il expose une quarantaine de toiles au cours de la seule année 1913, tandis qu’il diffuse abondamment ses propres textes théoriques et ceux de ses amis Guillaume Apollinaire (1880-1918) et Blaise Cendrars (1887-1961). Le peintre français suscite bientôt l’engouement de certains artistes berlinois, nombreux à l’avoir rencontré lors de ses deux voyages en Allemagne avant la guerre. Pour une large partie de la recherche, ce succès s’expliquerait par un « malentendu productif » : les artistes de la capitale allemande auraient détourné l’œuvre de Delaunay dans un sens germanique, appréciant sa peinture pour des raisons étrangères à ses intentions initiales. Contestant cette hypothèse – variante de celle, pluriséculaire, de l’incompatibilité par nature des goûts allemands et français – nous proposons d’envisager la réception berlinoise de Delaunay dans une perspective micro-historique, en nous intéressant au regard porté sur lui par trois artistes : Ludwig Meidner (1884-1966), Lyonel Feininger (1871-1956) et Bruno Taut (1880-1936). Après avoir mis en exergue les discours possiblement « entendus » par ceux-ci autour de l’œuvre du peintre français en Allemagne, nous nous intéressons à la trajectoire individuelle de chacun d’entre eux, mettant en évidence la profondeur des liens qui unissent finalement les avant-gardes désignées sous les termes d’orphisme et d’expressionnisme.

Journée d’études : « Autour de La Vie parisienne » (29 novembre 2016, INHA, Paris)

 

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29 novembre 2016, 9h30-18h00.

Institut National d’Histoire de l’Art.

Entrée libre dans la limite des places disponibles.

À l’occasion de la numérisation, en partenariat avec la bibliothèque de l’Institut de France, de la revue La Vie parisienne, et de la mise en ligne dans AGORHA à partir du 28 novembre, des années correspondant au Second Empire, une journée d’études est consacrée à cette revue hebdomadaire illustrée, fondée en 1863 par l’illustrateur et graveur Émile Planat, plus connu sous le pseudonyme de Marcelin. Son sous-titre – Mœurs élégantes. Choses du jour. Voyages. Théâtre. Musique. Modes – donne une idée exacte de son contenu.

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