Appel à communication : « « Dire presque la même chose ». L’histoire de l’art et ses traductions (XIXe-XIXe siècles). » (jusqu’au 15 mai 2017)

Date et lieu de la journée d’études : 22 septembre 2017, Université Bordeaux Montaigne.

Les historiens de l’art manifestent, depuis quelques années, un intérêt croissant pour les questions d’ordre linguistique, discursif et rhétorique appliquées à leur discipline. Qu’en est-il de la traduction interlinguistique de ces stratégies ? Continuer la lecture de Appel à communication : « « Dire presque la même chose ». L’histoire de l’art et ses traductions (XIXe-XIXe siècles). » (jusqu’au 15 mai 2017)

Cycle de rencontres : « Autorités de l’histoire de l’art dans les contextes français, allemand et polonais » (d’octobre 2016 à mai 2017)

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Organisé par le Centre allemand d’histoire de l’art Paris et l’Institut polonais de Paris.

Séance de 14h à 18h au DKF Paris, 45 rue des Petits Champs, 75001 Paris.

La plupart des méthodes et des interprétations mises en œuvre aujourd’hui par l’histoire de l’art se sont forgées à travers une critique des discours hérités de la culture scientifique du XIXe siècle : depuis les années 1960, elles ont questionné les classements par école nationale et par style, elles ont interrogé la division entre grand art et expressions populaires, elles ont reconnu et analysé les hégémonies colonialistes, elles se sont intéressées aux phénomènes de métissage engendrés par la circulation des œuvres. Elles ont ainsi mis en question les normes, les ordres et les hiérarchies longtemps en vigueur en histoire de l’art. Cependant, elles ont aussi à leur tour institué de nouvelles hiérarchies, de nouvelles relégations, en reposant souvent sur des catégories binaires (comme réactionnaire et progressiste, engagement et autonomie, universel et international, local et global) et sur d’autres enjeux idéologiques restés trop peu interrogés.

Le recul nous invite à revenir de manière critique sur ces méthodes elles-mêmes, en les situant dans le contexte de la guerre froide qui les a vues naître et les a durablement marquées. L’appartenance des artistes, des critiques et des historiens au bloc de l’Est ou à celui de l’Ouest, aux pays non alignés ou aux pays dits du Tiers Monde a déterminé l’usage et la signification de leurs concepts. La chute du Mur a établi l’autorité de certains des discours d’alors sur d’autres, conduisant à un nivellement. En présupposant une communauté d’intérêts et de références partagés, le développement des perspectives globales a renforcé cette uniformisation, pourtant contredite dans les faits par l’accroissement des inégalités et la recrudescence des nationalismes.

Nous voulons prendre la mesure de ces héritages et interroger les ordres qu’ils ont contribué à établir pour ouvrir de nouvelles perspectives. Un regard critique sur les aspects politiques et historiques sous-jacents à nos catégories ne pourra toutefois émerger que de la mise en relation de chercheurs d’horizons académiques différents, et de la prise de conscience de la trajectoire singulière à partir de laquelle chacun forme son point de vue. Seule une mise en commun des questionnements historiographiques permettra de saisir les partages et les différences dans l’usage des concepts, les partis pris idéologiques, la formation des institutions, l’interprétation et la présentation de l’art durant la guerre froide et après 1989.

Dans cette optique, nous avons imaginé faire se rencontrer différentes personnalités européennes reconnues pour leur importance dans l’histoire de l’art et les musées, issues de différents espaces et de différentes traditions, pour qu’elles mettent en contexte de façon précise les significations, les formations, les découpages institutionnels qu’elles jugent les plus caractéristiques de leur champ d’activité. Venant à la suite du projet de recherche « À chacun son réel » qui portait sur « la notion de réel dans les arts plastiques en France, RFA, RDA et Pologne entre 1960 et 1989 », le cycle de rencontres que nous organisons restera centré sur les contextes français, allemand et polonais. Il prolongera aussi l’axe de recherche actuellement développé par le Centre allemand d’histoire de l’art, consistant à sortir du cadre des études nationales et du comparatisme pour aborder les problèmes méthodologiques à partir d’une historiographie critique. Notre intention principale est d’écouter des personnes parler de leur propre parcours, de faire naître des discussions inédites, de créer un espace de réflexion transrégional où puissent coexister plusieurs histoires de l’art.

Mathilde Arnoux, Lena Bader, Clément Layet, Matylda Taszycka Continuer la lecture de Cycle de rencontres : « Autorités de l’histoire de l’art dans les contextes français, allemand et polonais » (d’octobre 2016 à mai 2017)

Appel à communication : « ‘L’art est éternel et les artistes sont des génies !’ Les idées reçues en histoire de l’art contemporain, des années 30 à aujourd’hui » (jusqu’au 15 janvier 2017)

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À l’instar des autres disciplines affiliées au champ des sciences humaines et sociales, l’histoire de l’art, n’est pas exempte d’idées reçues car elle n’est pas imperméable à la société dont elle fait partie. Elle possède par ailleurs ses propres prismes idéologiques qui, parfois, constituent un frein à l’exploration de certains sujets. Bien que le rôle du chercheur soit précisément de savoir se situer par rapport aux phénomènes qu’il étudie, à la juste distance qui lui permet de l’analyser, il ne peut être objectif. Son rôle est précisément de ne jamais prendre pour acquis ce que les idées et analyses que ses prédécesseurs lui ont transmis ni ce que ses contemporains en disent, et savoir remettre en question ce qu’il croit savoir de son sujet.

Le discours de certaines institutions muséales et culturelles, des critiques, mais aussi des ouvrages ou travaux de recherche de référence au sein de l’histoire de l’art, entérinent certaines idées qui, parce qu’elles ne sont pas argumentées, ne sont que des opinions. Or, elles nuisent à l’étude des courants, des artistes comme du  milieu de l’art et créent des récits tronqués, qui aboutissent à une histoire de l’art aux pages manquantes.

 Afin de repenser ces récits et de proposer des analyses novatrices, beaucoup de doctorants s’attachent aujourd’hui à concevoir leurs objets d’étude en adoptant une posture interdisciplinaire, dans le but de s’approprier de nouveaux angles d’approche et d’élargir les perspectives de leur domaine de recherche. Parmi les travaux actuels portant sur l’histoire de l’art des XXe et XXIe siècles, certains tendent à apporter de nouveaux éléments de réponse, à construire de nouvelles formes de récits, en interrogeant d’autres domaines des sciences humaines et sociales tels que l’économie, le droit, la sociologie, l’histoire et les sciences politiques.

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Colloque : « Gestes, motifs et appareils de vision dans l’image » (Paris, 17-18 mars 2016)

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Université Paris 7 – Diderot

Colloque international organisé par Emmanuelle André (CERILLAC)  et Nathalie Delbard (Université Lille 3, département Arts, CEAC), le 17 mars de 9h30 à 18h amphitéâtre Turing, bâtiment Sophie-Germain, entrée au croisement de l’avenue de France et de la rue Alice-Domon et Léonie-Duquet, Paris 13e, Université Paris 7 – Diderot, le 18 mars de 9h30 à 17h, salle Pierre Albouy, bâtiment C des Grands Moulins, 5 bis rue Thomas Mann, 6e étage, Parsi 13e, Université Paris 7 – Diderot.

Colloque : « Les Grandes expositions des musées de la Ville de Paris » (11-12 mars 2016, Petit Palais et INHA, Paris)

Organisé par Paris Musées et l’Institut national d’histoire de l’art.

Ce nouveau colloque tente de « dessiner une coupe » plutôt que de faire un bilan des expositions dans les musées de la Ville de Paris où elles ont souvent joué un rôle moteur, dans un rapport d’émulation, voire de compétition, avec les grands musées de l’État, face auxquels, ceux de la Ville affirmaient leur vitalité et des partis-pris autres.

Le colloque sera organisé selon quatre thématiques réparties sur autant de demi-journées :

  • La place que les expositions peuvent être amenées à tenir dans les relations internationales lorsque le moment de leur programmation prend sens dans un contexte politique.
  • Le rapport dialectique entre expositions et collections qui tend à se modifier. Longtemps perçu comme une activité préjudiciable aux collections, les expositions en sont aujourd’hui un vecteur de valorisation et d’enrichissement.
  • L’aspect expérimental de l’exposition pour les institutions-mêmes dont elles expriment un développement pionnier au sein du paysage muséographique.
  • L’évolution professionnelle des expositions, tant dans leur production que dans le rapport entre scénographe et commissaire.

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Appel à communication : « Seeing Through? The Materiality of Dioramas » (jusqu’au 31 mai 2016)

Original caption: Photo shows people watching Daguerre's diorama. Undated illustration. --- Image by © Bettmann/CORBIS

Seeing Through? The Materiality of Dioramas (Bern, 1-2 Dec 16) University of Bern, December 1 – 02, 2016 Deadline: May 31, 2016 Seeing Through? The Materiality of Dioramas (1560-2010) Dioramas are at the crossroads of artistic and scientific practices. They bring together artists, scientists, and collectors, thus providing an opportunity to reflect on the polyvalence of these actors and the definition of their expertise. In 1822, Louis Daguerre coined the term “diorama” when describing his theater. The word diorama means literally “seeing through.” In accordance with this etymology, dioramas embody a sense of transparency and life-likeness. In addition to providing theatrical and visual experiences, dioramas are multidimensional installations that incorporate paintings, objects, stuffed animals or mannequins. Habitat groups mixing taxidermy and painted backgrounds were designed for natural history museums, while anthropological dioramas were disseminated all over Europe during the second half of the nineteenth century. They were usually life-sized and site specific but they could also be reduced to maquettes. To date, these installations have been studied by scholars from various disciplines, mainly as side topics. Media historians have considered them primarily as proto-cinematic, whereas within the fields of anthropology, museum studies and postcolonial studies, they are generally analyzed as displays that reflect political taxonomies and stereotyped representations. However, dioramas are not merely images or displays: they are also physical objects made of multiple materials, such as plaster, wood, paper, paint, glass, fur, wax, and metal. The discipline of art history thus provides us with the opportunity to approach the materiality of these installations. Indeed, dioramas are composite and hybrid things, created through cultural interaction and physical encounter. Multiple hands as well as various visions are involved in the process of their creation – and later on, during their conservation. Dioramas therefore allow for the study of contact zones and material exchanges between private and public spheres, as well as between Western and non-Western contexts. Finally, dioramas as objects of study within the field of art history enable us to address values such as authenticity and realism in various contexts.

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Appel à communication : « Du rétro au néo, entre nostalgie et réinvention. Objets en mouvement ! » (jusqu’au 10 avril 2016)

Famille de cosmonautes

DATE LIMITE : 10 AVRIL 2016

DATE ET LIEU DU COLLOQUE : 8-9 DECEMBRE 2016, LOUVAIN-LA-NEUVE/MONS, BELGIQUE

En ces temps de dématérialisation, à l’heure du tout virtuel, il semblerait que nous assistions à un retour des objets du passé. Des mots, des modes et des usages culturels confirment le phénomène : vintage, reboot, remake, remastering, vinyle, polaroïd, rétro, néo, customisation, sépia… Récemment, un magazine féminin consacrait l’un de ses articles à l’art oublié du diorama. En 2011, le journaliste et théoricien anglais Simon Reynolds signait déjà un ouvrage intitulé Rétromania montrant comment la culture musicale contemporaine se tournait désormais essentiellement vers le passé…

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Appel à communication : « Dust & Data, Young Bauhaus Research Colloquium » (jusqu’au 1er avril 2016)

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Dust & Data, Young Bauhaus Research Colloquium (Weimar,
25-26 Oct 16)
Bauhaus-Universität Weimar, October 25 – 26, 2016
Deadline: Apr 1, 2016

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Appel à communication : « Art et psychiatrie » (jusqu’au 31 mars 2016)

Aloïse Corbaz, Nativité, 1955

Depuis longtemps, les créations de personnes atteintes de troubles psychiques suscitent aussi bien l’intérêt des artistes et des historiens de l’art que de psychiatres renommés, tel Walter Morgenthaler (1882–1965) qui travaillait à la clinique de la Waldau, près de Berne. Dès la première moitié du XXe siècle, des collections spécialisées seront constituées, comme celle du médecin psychiatre et historien de l’art de Heidelberg Hans Prinzhorn (1886–1933), que Harald Szeemann exposa pour la première fois depuis la Seconde Guerre mondiale à la Kunsthalle de Berne, en 1963. Citons également la Collection de l’Art Brut, initiée par Jean Dubuffet, qui, à la suite d’une donation, sera transférée à Lausanne en 1975 – l’année où fut créée la Fondation Adolf Wölfli au Musée des beaux-arts de Berne. Elle ouvrira ses portes au public en 1976.

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Appel à communication : « Bricolage et contre-cultures à l’ère de la reproductibilité technique 1950-1970 » (jusqu’au 20 mars 2016)

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L’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky est un programme du Musée national d’art moderne – Centre Pompidou qui se déroule dans l’espace public de présentation des collections permanentes. Elle a pour objet les sources de l’art moderne et contemporain : archives, documentation écrite, photographique ou filmique, témoignages, mais aussi d’autres formes d’appropriation artistique et de production documentaire. Format interdisciplinaire, l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky réunit des jeunes chercheurs : historiens et historiens de l’art, anthropologues et sociologues, artistes, critiques, commissaires d’expositions, qui s’engagent pendant dix jours dans un travail collectif sur les sources avec des professionnels de l’art et des universitaires. Implantée dans l’espace du musée, la table-vitrine autour de laquelle s’assemble l’Université d’été est l’instrument de ses débats et l’outil du déploiement de la documentation qui les inspire. Elle recueille des sources archivistiques et des documents (manuscrits, imprimés, photographiques, cinématographiques) proposés ou évoqués au cours des séances, des fac-similés, ou des reproductions. Plusieurs ateliers d’écriture, de traduction et des séances de lecture rythmeront cet été le parcours de l’Université d’été. Pour son troisième numéro, la production éditoriale de ces échanges, le « Journal de l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky », sera tout à la fois un recueil de sources et une création graphique expérimentale qui reflètera les débats dont auront résonnés les séances de travail.

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Appel à communication : « Histoires de l’abstraction : Hans Hartung » (jusqu’au 15 mars 2016).

 

La Fondation Hartung-Bergman à Antibes (France) lance un appel à candidature qui s’adresse aux jeunes chercheurs et chercheuses : doctorant-e-s et post-doctorant-e-s mais aussi, le cas échéant, étudiant-e-s en dernière année de Master ou post-Master pour un séminaire de printemps.

Cet appel s’adresse en priorité à tout chercheur/chercheuse développant une étude sur Hans Hartung et son œuvre mais aussi à tout chercheur s’intéressant de manière indirecte à Hans Hartung : présence dans un corpus de recherche plus large, comparaisons, parallèles et relations avec d’autres artistes (par ex. Wols, Soulages, de Staël, Ernst, Arp, Calder, Rothko) ou figures du monde de l’art (par ex. critiques, marchands, collectionneurs).

Il s’adresse également à tous ceux et celles travaillant sur les thèmes suivants (liste non exhaustive), en ceci qu’ils constituent des chantiers permettant une contextualisation plus précise de la carrière de Hartung, notamment :

– Migrations et exil d’artistes allemands à Paris dans les années 1930
– Les expositions d’artistes allemands en France à la fin des années 1930
– Les expositions itinérantes, organisées par les Alliés après 1945 en Europe
– L’éducation populaire dans la France de l’après-guerre
– La Biennale de Venise entre 1945 et 1964
– La Galerie de France (voire les galeries parisiennes en général) entre 1945 et 1960
– Les artistes et les médias entre 1945 et 1990
– La politique institutionnelle internationale face à l’art abstrait européen depuis 1950 (achats, collections, expositions)
– La réception américaine des artistes européens dans les années 1970
– L’écriture et discours sur les notions de modernisme et d’art moderne européen depuis 1950

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Appel à publication : « Extra-terrestre », Image re-vues (jusqu’au 30 juin 2016)

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« Bien qu’il puisse paraître que, dans un tel sujet, il n’y ait aucune limite nécessaire au libre essor de l’imagination ;
que, lorsqu’il s’agit de définir les propriétés des habitants des mondes lointains, on ait le droit de lâcher la bride à la fantaisie,
avec plus d’abandon même que le peintre qui veut figurer les plantes et les animaux de terres inconnues, et que tout ce qu’on voudra
penser de ces habitants  ne puisse être ni démontré ni contredit ;
pourtant faut-il avouer que, de la distance des astres au Soleil, naissent certains rapports qui exercent une influence essentielle sur
les facultés des êtres pensants qui y sont placés […]
[1].

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Journée d’étude : « Couleur x Afrique. Fabrique et utilisation, perception et dénomination » (19 février 2016, INHA, Paris)

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Les recherches sur la couleur ont été marquées par le débat des années 1960-1970 qui a opposé, sur le terrain africain, les tenants de la classification de l’évolution des langues en fonction des noms de couleurs, et ceux qui montraient la diversité de la perception et de la catégorisation des couleurs dans les populations classées comme primitives par les premiers. Cela montrait et montre encore aujourd’hui combien ce thème est un révélateur de questions sociales de fond sur la perception de soi-même et des autres. Récemment ont émergé de nouvelles recherches renouvelant l’histoire des classifications raciales et sociales en intégrant les phénotypes comme paramètre. Toutefois, une histoire des couleurs en Afrique, spécifique à chaque société, est encore très largement à écrire. Dans la lignée des travaux qui mettaient en avant une réalité complexe dans toute sa diversité, cette journée d’études entend faire le point sur les recherches en cours en élargissant les perspectives par une nouvelle réflexion méta-disciplinaire. Cet appel s’adresse donc aux historiens et anthropologues de l’art, physico-chimistes, restaurateurs, sociologues, politologues, linguistes, géologues, botanistes, économistes… pour penser ensemble les différents aspects de la fabrique, de l’utilisation, de la perception et de la dénomination des couleurs en Afrique à travers les siècles, et croiser les approches. Il s’agit de voir comment les couleurs sont créées, perçues, nommées, et utilisées dans la vie politique, sociale et religieuse pour communiquer et représenter soi-même et les autres.

Journée d’étude organisée par Claire Bosc-Tiessé et Sigrid Mirabaud dans le cadre du projet « Mutations et défis africains », projet NEXT (Noyau d’excellence thématique) de la COMUE HESAM-Université.

Vendredi 19 février 2016
, Salle Vasari, INHA, 1er étage, 2 rue Vivienne, 75002 Paris, 9h-17h30

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Cycle de séminaires : « Les années 1980 » (de janvier à juin 2016, Parsons, Paris)

Gerhard Richter, Marais, 1983

Les lundis de 18h à 20h, en salle 302 à Parsons Paris The New School, 45 rue Saint Roch, 75001 Paris.

Se présenter à l’accueil de l’école avant de rejoindre les étages.

Depuis une dizaine d’années, on assiste à un intérêt croissant des historiens de l’art et de la culture pour les années 1980. Il s’agit notamment de retrouver, au-delà des préjugés de superficialité, de désengagement et de triomphe du marché, l’épaisseur politique et idéologique des productions de cette décennie. Les années 1980 furent également le terreau dans lequel naquirent ou se développèrent nombre d’approches critiques nouvelles dont l’histoire des arts est aujourd’hui redevable. Les hiérarchies entre les formes visuelles et plastiques, les catégories sexuelles et sociales, les frontières géographiques de la création en furent durablement bouleversées, tout comme le rapport au temps, à la mémoire et à l’anachronisme.

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Appel à publication : « Le portrait au XIXe siècle », revue Romantisme (jusqu’au 30 juin 2016)