Appel à communication : « De l’esthésiologie. La réappropriation du sensible et du sensoriel dans la littérature et les arts des XXème et XXIème siècles »(jusqu’au 31 mai 2017)

DATE LIMITE : 31 mai 2017.

DATE ET LIEU DU COLLOQUE : 15-16 mars 2018, Louvain-la-Neuve, Belgique.

COLLOQUE JEUNES CHERCHEURS

« Tout commence par la sensation. Aucune idée innée, aucun sens intime, aucune conscience morale ne préexistent dans l’être à l’assaut des choses », note Jean-Pierre Richard dans Littérature et sensation, tandis que Rousseau alléguait dans ses Confessions :  « Les climats, les saisons, les sons, les couleurs, l’obscurité, la lumière, les éléments, les aliments, le bruit, le silence, le mouvement, le repos, tout agit sur notre machine et sur notre âme par conséquent ». Rarement pris en compte dans les études littéraires en raison d’un contexte où le cartésianisme et l’idéalisme prédominaient, le sensible et la sensorialité connaissent actuellement un regain d’intérêt.

Provenant du grec αἴσθησις (aísthesis) – « sensation » – associé à λόγος (logos) – « parole, discours » -, l’esthésiologie se rapporte à ce qui traite des sensations ou des sentiments, à ce qui se réfère au vécu sensible et à sa mise en discours. Elle constitue dès lors le point de rencontre entre l’intime et l’extime, ces deux pôles majeurs du sensible. En effet, ce dernier peut être compris autant comme le monde extérieur, le dehors, dans sa pluralité : animal, végétal, mais aussi objectural et inorganique, que comme ce qui concerne la dimension affective et perceptive de l’être humain.

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Colloque international « Voyage au centre de la machine cinéma » (Paris, Cinémathèque) 1 – 3 décembre 2016

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Cinémathèque françase: 51, rue de Bercy – Paris 12e

TARIFS COLLOQUE – DEMI-JOURNÉE DE RENCONTRES : PT : 5 € – TR : 3€ Achat simultané de 3 demi journées et plus : 3€

Libre Pass : accès libre

Colloque autour de l’exposition DE MÉLIÈS À LA 3D : LA MACHINE CINÉMA EXPOSITION JUSQU’AU 29.01.17 CONÇUE ET PRODUITE PAR LA CINÉMATHÈQUE FRANÇAISE

Organisé en collaboration avec le partenariat international de recherche Technès.

Colloque sous la direction d’André Gaudreault (université de Montréal), Laurent Mannoni (Cinémathèque française), Gilles Mouëllic (université Rennes 2) et Benoît Turquety (université de Lausanne).

Le colloque international Voyage au centre de la Machine Cinéma permet de déployer les enjeux à la fois historiques, techniques et esthétiques propres à l’exposition De Méliès à la 3D : la Machine Cinéma. En écho à son exposition d’automne, la Cinémathèque française, en partenariat avec Technès, accueille cinéastes, directeurs de la photographie, monteurs et historiens de pays différents (Canada, États-Unis, Suisse, Belgique et France).

Les interventions, dialogues et projections du colloque s’articulent autour de trois axes principaux : resituer l’avènement de la « machine » cinéma ; étudier les liens entre technique et esthétique ; penser le cinéma à l’aune des bouleversements technologiques actuels.

Chaque journée est prolongée par la projection, le soir, d’un film emblématique de l’œuvre d’un des invités d’honneur du colloque. Par son caractère novateur et collaboratif, cette manifestation contribue à la recherche en études cinématographiques.

Invités d’honneur :

  • Caleb Deschanel, directeur de la photographie (L’Étoffe des héros, L’Étalon noir, The Patriot, La Passion du Christ ; il a aussi réalisé trois épisodes de Twin Peaks)
  • David Kenig (ingénieur de Panavision)
  • Lenny Lipton (inventeur, spécialiste de la 3D)
  • Walter Murch, monteur (Conversation secrète, Apocalypse Now, Ghost, Le Parrain 3, Le Patient anglais)
  • Douglas Trumbull, réalisateur et directeur d’effets visuels (2001, l’Odyssée de l’espace, Rencontres du troisième type, Blade Runner, The Tree of Life)

Avec la participation de Valérie Loiseleux (monteuse : Val Abraham, Je rentre à la maison, Arrête ou je continue, La Sapienza), William Uricchio (professeur d’histoire des médias au Massachusetts Institute of Technology).

JEUDI 1ER DÉCEMBRE 2016
NAISSANCES DE LA MACHINE CINÉMA

  • 9h30-10h00 : Mot de bienvenue
  • 10h00-11h00 : Conférence de Douglas Trumbull
  • 11h00-11h15 : Questions du public
  • 11h15-12h00 : La stabilité et autres mythes du cinéma. Intervention de William Uricchio (MIT)
  • 12h00-12h15 : Questions du public
  • 12h15-12h45 : Interlude filmique par Jean-Pierre Verscheure

  • 12h45-14h30 : Pause déjeuner

  • 14h30-15h00 : Phototélégraphie, télévision, cinématographe sonore : une histoire hétérogène de l’avènement du parlant. Intervention d’Anne-Katrin Weber (université de Lausanne)
  • 15h00-15h30 : Les films de sable de Nag et Gisèle Ansorge. Intervention de Chloé Hofmann (université de Lausanne)
  • 15h30-16h15 : Les techniques d’animation. Dialogue entre Franck Dion (réalisateur, illustrateur) et Marcel Jean (Cinémathèque québécoise)
  • 16h15-16h30 : Questions du public
  • 16h30-17h15 : Cinema technology. Intervention de Lenny Lipton (réalisateur et inventeur)
  • 17h15-17h30 : Questions du public
  • 17h30-18h30 : Les collections techniques. Table ronde avec Marie-Sophie Corcy (CNAM), Béatrice de Pastre (CNC), Corine Faugeron (Gaumont) et Sophie Seydoux (Pathé), animée par Laurent Mannoni

  • 20h30: Projection 35 mm de Brainstorm (Douglas Trumbull, 1981), précédée d’un dialogue entre Douglas Trumbull et Gregory Wallet (université Rennes 2)

VENDREDI 2 DÉCEMBRE 2016 : PUISSANCES DE LA MACHINE CINÉMA

  • 9h30-10h00 : Les machines Aäton : histoire technique d’une production française (1971-2013). Intervention d’Alexia de Mari (université Paris 3) et Fabien Le Tinnier (université Rennes 2 / université de Lausanne)
  • 10h00-10h30 : Godard, les machines et la création-cinéma. Intervention d’Alain Bergala (La Fémis)
  • 10h30-11h15 : L’évolution des techniques de prise de son. Table ronde avec Jean-Pierre Laforce (mixeur), Erwan Kerzanet (ingénieur du son), animée par Gilles Mouëllic (université Rennes 2)
  • 11h15-11h30 : Questions du public
  • 11h30-12h30 : La post-production image d’un film. Table ronde avec Jean-Marie Dreujou (directeur de la photographie), Valérie Loiseleux (monteuse), Christian Lurin (Technicolor, directeur du pôle patrimoine), animée par Benoît Turquety (université de Lausanne)

  • 12h30-14h00 : Pause déjeuner

  • 14h00-14h30 : La Bolex H16 : une caméra paradoxale. Intervention de Nicolas Dulac (université de Montréal / université de Lausanne) et Vincent Sorrel (université de Lausanne)
  • 14h30-15h00 : Le 16 mm quitte le foyer : la Ciné-Kodak Special. Intervention de Louis Pelletier (université de Montréal) et Solène Secq de Campos Velho (université de Montréal / université Lille 3)
  • 15h00-15h30 : Les caméras numériques sont-elles révolutionnaires ? Intervention de Jean-Baptiste Massuet (université Rennes 2)
  • 15h30-15h45 : Questions du public
  • 15h45-16h00 : Projection d’un extrait de film de Nicolas Rey, Autrement la Molussie
  • 16h00-17h00 : Autrement, le cinéma : techniques et expérimentation alternatives. Table ronde avec Nicolas Rey (cinéaste expérimental) et Enrico Camporesi (historien et critique), animée par André Habib (université de Montréal) et Eric Thouvenel (université Rennes 2)
  • 17h00-17h15 : Questions du public
  • 17h15-17h45 : Interlude filmique par Jean-Pierre Verscheure

  • 20h30 : projection 70 de L’Étoffe des héros (Philip Kaufman, 1983) (salle Henri Langlois), précédée d’un dialogue entre Caleb Deschanel et Bernard Benoliel

SAMEDI 3 DÉCEMBRE 2016 : AVENIR(S) DE LA MACHINE CINÉMA

  • 10h00-11h00 : Dialogue avec Walter Murch, animé par André Gaudreault (université de Montréal)
  • 11h00-11h15 : Questions du public
  • 11h15-12h15 : Dialogue avec Caleb Deschanel, animé par Laurent Mannoni
  • 12h15-12h30 : Questions du public

  • 12h30-14h30 : Pause déjeuner

  • 14h30-15h00 : Appareils charnels et corps mécaniques. Intervention de Richard Bégin (université de Montréal)
  • 15h00-15h45 : Après le Cinémascope, le développement de Panavision. Intervention de David Kenig (Panavision)
  • 15h45-16h00 : Questions du public
  • 16h00-17h00 : Technique et industrie du cinéma aujourd’hui. Table ronde avec Baptiste Heynemann (CNC), Christophe Lacroix (Éclair), Jean-Yves Le Poulain (Angénieux), Yves Pupulin (Binocle, captation 3D), Raoul Rodriguez (Sublab Production), Pierre Zandrowicz (Okio Studio), animée par Laurent Mannoni
  • 17h00-17h30 : Mot de clôture de Laurent Mannoni et interlude filmique par Jean-Pierre Verscheure

  • 20h30 : Projection 35 mm de Conversation secrète (Francis Ford Coppola, 1972), précédée d’un dialogue entre Walter Murch et Bernard Benoliel

Source: http://www.cinematheque.fr/cycle/voyage-au-centre-de-la-machine-cinema-colloque-international-368.html

Appel à publication : « Le conte comme esthétique et stratégie du détour dans la littérature et le cinéma » (jusqu’au 30 novembre 2016)

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  • DATE LIMITE : 30 novembre 2016
  • DATE DE REMISE DES TEXTES : 20 juin 2017
  • PUBLICATION : décembre 2017

GERMANICA N° 61/2017

Le conte comme esthétique et stratégie du détour dans la littérature et le cinéma

Appel à communication

Les communications porteront sur la littérature de langue allemande du XXème et du XXIème siècle et sur le cinéma allemand. L’objet d’étude est le conte comme esthétique et stratégie du détour dans la confrontation avec des situations extrêmes et des expériences traumatiques ˗ que le traumatisme, selon la distinction courante que l’on trouve par exemple chez J. P. C. van den Berg, surgisse à un moment précis de l’histoire collective ou individuelle ou qu’il soit perçu comme une catégorie ontologique. On constate en effet de façon récurrente un recours à ce genre littéraire lorsqu’il s’agit d’affronter des atrocités ou des expériences, qui par leur démesure et leur violence, ouvrent une brèche dans notre système de défense (le « Reizschutz » freudien, traduit par Michel Luciani par « filtrage des stimuli ») et plongent le sujet dans un effroi auquel il n’est pas préparé. Parfois, le récit tout entier et l’action sont à ranger d’emblée sous la catégorie du conte, parfois il s’effectue un basculement dans l’univers du conte lorsque la tension dramatique atteint son point d’acmé, comme s’il n’était possible de représenter l’irreprésentable et de dire l’indicible qu’en empruntant ce détour et par le biais d’une stratégie de distanciation, voire d’une rupture, et par un processus de métaphorisation, comme si le vécu, frappé d’étrangeté de par son caractère effroyable, ne pouvait être cerné et la réalité horrifiante ne pouvait être appréhendée que de cette manière indirecte.

Herta Müller confiait dans une interview qu’elle avait voulu « domestiquer la peur par la littérature ». Se pourrait-il, lorsqu’il s’agit non plus de la peur, mais d’un état de sidération au-delà de la peur, que le conte soit la forme littéraire la plus appropriée pour mettre des mots sur le traumatisme, permettant au témoin ou à la victime d’atrocités d’échapper à la pétrification qui fut le sort de la femme de Loth ? Cet effet produit par le conte serait-il lié à son origine, au fait que chaque conte serait issu, selon Kafka, « des profondeurs du sang et de la peur » (conversation avec Gustav Jarnouch), et à son esthétique mêlant l’effroi et la résistance ? Et cet argument vaut-il pour le genre, pour le conte en général, ou seulement pour une certaine catégorie de conte ?

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Appel à communication : « L’imaginaire ludique : création et enjeux » (jusqu’au 30 septembre 2016)

IAIN BAXTER&, The Lecture, 2009, Toronto

Poursuivant ses travaux sur l’imaginaire, le laboratoire LERIC se propose d’approfondir son exploration du sacré – objet de son dernier colloque – en étendant la réflexion à  la question du jeu, un autre pan de l’imaginaire que la culture contemporaine semble mettre au pinacle. Quel autre recours que l’esprit ludique pour faire face à la violence chaotique du monde, pour rétablir  les valeurs du vivre-ensemble qui semblent avoir été ébranlées, bref, pour se défaire, ne serait-ce que momentanément, des angoisses, y compris celles que pose une certaine lecture du sacré ? Le jeu ne serait-il pas finalement l’unique moyen d’une désacralisation libératrice et salutaire ? Ne serait-il pas la seule échappatoire qui nous reste pour apaiser les craintes face à cet accroissement vertigineux du péril – du puérilisme, au sens que lui confère Huizinga[i] –, face à cette montée en puissance de l’insignifiance – selon la formule de Cornelius Castoriadis – et du non-sens ? Continuer la lecture de Appel à communication : « L’imaginaire ludique : création et enjeux » (jusqu’au 30 septembre 2016)

Appel à communication : « Bricolage et contre-cultures à l’ère de la reproductibilité technique 1950-1970 » (jusqu’au 20 mars 2016)

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L’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky est un programme du Musée national d’art moderne – Centre Pompidou qui se déroule dans l’espace public de présentation des collections permanentes. Elle a pour objet les sources de l’art moderne et contemporain : archives, documentation écrite, photographique ou filmique, témoignages, mais aussi d’autres formes d’appropriation artistique et de production documentaire. Format interdisciplinaire, l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky réunit des jeunes chercheurs : historiens et historiens de l’art, anthropologues et sociologues, artistes, critiques, commissaires d’expositions, qui s’engagent pendant dix jours dans un travail collectif sur les sources avec des professionnels de l’art et des universitaires. Implantée dans l’espace du musée, la table-vitrine autour de laquelle s’assemble l’Université d’été est l’instrument de ses débats et l’outil du déploiement de la documentation qui les inspire. Elle recueille des sources archivistiques et des documents (manuscrits, imprimés, photographiques, cinématographiques) proposés ou évoqués au cours des séances, des fac-similés, ou des reproductions. Plusieurs ateliers d’écriture, de traduction et des séances de lecture rythmeront cet été le parcours de l’Université d’été. Pour son troisième numéro, la production éditoriale de ces échanges, le « Journal de l’Université d’été de la Bibliothèque Kandinsky », sera tout à la fois un recueil de sources et une création graphique expérimentale qui reflètera les débats dont auront résonnés les séances de travail.

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Journée d’études : « Expériences dans l’art » (20 février 2016, INHA, Paris)

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Une idée court depuis les années 1960, celle d’une émancipation du spectateur vis-à-vis des codes traditionnels de l’expérience esthétique. L’art moderne a étendu la relation aux œuvres d’art à des objets de plus en plus hétérogènes et difficiles à caractériser, au point où l’œuvre a pu devenir simple trace ou prétexte pour une expérience plus ou moins indépendante – l’expérience de l’art semblant alors ne plus pouvoir se réduire à une simple expérience de l’œuvre. Au même moment, l’attention du récepteur est sollicitée selon des modalités très diverses, sans que le cadre de la réception soit toujours clairement défini.

Les projets des artistes jouent souvent de ce genre d’«incertitude ». Si l’exposition traditionnelle reste la voie d’accès privilégiée aux œuvres – celles-ci continuant à être présentées dans des musées, galeries, espaces d’expositions et à être reproduites dans des revues ou des catalogues – de nombreux artistes conçoivent leurs projets sous la forme d’une documentation ou d’un protocole et les produisent parfois explicitement pour des supports immatériels. La différence entre une œuvre, son mode de présentation, de reproduction et de réception devient alors ambivalente, particulièrement lorsqu’elle est éphémère, processuelle, négociée, énoncée et qu’elle relève d’un dispositif relationnel, interactif, dialogique, etc.
Une étendue infinie des modalités de l’expérience s’offre aux récepteurs, selon des termes qui peuvent considérablement varier. Quels sont-ils ? Qu’est-ce qui permet à la relation esthétique d’avoir lieu ? Quelles sont ses limites ? Qui décide de ses modalités ? Qui les met en œuvre ? À qui s’adresse-t-elle (et comment) ?
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Appel à communication : « Du fantôme » (jusqu’au 15 mars 2016)

Jacques-Henri Lartigue, Zissou comme fantôme, Pont-de-l'Arche

7-8 juin 2016, Paris, Université Paris 1 Panthéon Sorbonne.

Notes pour une définition
Un essai de définition du fantôme mettrait en évidence les trois éléments suivants :

a) Une iconicité faible
Même s’il se manifeste souvent de manière sonore (plaintes, gémissements, coups répétés), le fantôme appartient avant tout à l’univers visuel, mais sur un mode incomplet, déficient ;  il s’agit bien d’une image mais qui serait privée de deux de ses constituants essentiels :

– l’inscription dans une  forme, un contour: ce qui spécifie la représentation fantomatique c’est son caractère trouble, incertain ; l’apparition  fantomatique appartient au registre du flou, de l’informe ; c’est un brouillard, une nuée, une transparence, qui peut aller jusqu’à sa limite, l’invisibilité; en termes sémantiques, le message qu’elle transmet, son information, est faible ; il n’est pas jusqu’à la couleur (aspect considéré comme secondaire dans la définition classique des images) dont elle est aussi dépourvue : le fantôme est blanc ou plutôt blanchâtre, déclinaison exténuée du blanc.

– la relation au réel : le fantôme est une représentation dont l’ontologie est, elle aussi, déceptive, problématique : on ne sait trop à quel référent elle renvoie et si elle y renvoie vraiment ; de ses origines étymologiques (le grec phantasma qui donnera nos fantasmes, à la fois si peu réels et si présents), l’image fantomatique a gardé les aspects négatifs (ceux qui depuis deux millénaires irritent Platon et tous ses disciples, avoués ou non), son caractère d’illusion. En conséquence, l’image fantomatique est un objet de croyance (et donc d’incroyance, pour les esprits dits « forts ») et non de vérité.

b) L’appartenance au monde des morts
Comme le rappellent anthropologues et historiens, quel que soit le type de formation sociale, une des questions les plus cruciales posées aux vivants d’une société donnée, c’est la relation à leurs morts, le statut qu’ils accordent aux disparus. Leur plus grande crainte c’est de n’en avoir jamais fini avec eux, et une grande partie des objets sacrés, des rites, des institutions, est consacrée à conjurer cette menace, à surmonter l’angoisse de l’indistinction, à s’assurer qu’ils sont et resteront bien à leur place : dans l’autre monde. La présence du fantôme (peu importe ici son nom, qui peut varier à l’infini) signe alors l’échec de cette mise à l’écart, le raté de ce partage, la preuve de la contamination du monde des vivants par celui des morts. Continuer la lecture de Appel à communication : « Du fantôme » (jusqu’au 15 mars 2016)

Appel à contribution : « Collage ? », revue Histoire de l’art (jusqu’au 15 janvier 2016)

Appel à contribution pour le numéro 78 (2016/1) de la revue Histoire de l’Art 

Les jeunes chercheurs intéressés sont invités à envoyer un synopsis d’une page avant le 15 janvier 2016 avec un titre et une présentation de l’auteur en 2-3 lignes à l’adresse mail suivante : revueredachistoiredelart@gmail.com. Une première sélection sera effectuée par le comité de rédaction qui invitera les contributeurs potentiels à remettre leur article courant mars. Un choix définitif sera fait alors.

Collage ?

Pour son numéro 78, la revue Histoire de l’Art souhaite revenir sur le collage afin de susciter de nouvelles études interrogeant l’histoire et l’historiographie de ce phénomène, la multiplicité de ses définitions et approches, les moyens concrets de ses mises en œuvre, ses usages et ses fonctions, depuis l’Antiquité jusqu’à nos jours et dans les cultures occidentales comme non occidentales.

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Appel à communication : « L’art et l’argent : financement du travail artistique et enjeux socio-esthétiques » (jusqu’au 15 janvier 2016)

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Andy Warhol, Triple Dollar Sign, 1981

Le mécénat, au sens large, ses enjeux et influences souffrent d’un manque d’études empiriques bien qu’il soit essentiel à la production d’œuvres aujourd’hui. Sans mécénat, qu’il soit institution ou individu, étatique ou non, la création contemporaine ne bénéficierait pas de la place qu’elle occupe dans nos sociétés contemporaines. Le financement demande de la mobilité ; les créateurs n’ont de cesse de passer d’un contexte institutionnel à un autre afin de décrocher les financements nécessaires à leurs projets. S’ensuit alors que pour nous, chercheurs, la comparaison nous aide à mieux comprendre nos objets – souvent nationaux – et nous montre aussi que les frontières ne sont pas suffisamment pertinentes pour que l’on s’y limite.

Ainsi, ce colloque a pour objectif d’étudier les formes et les figures actuelles du mécénat afin de cartographier les mondes artistiques et d’appréhender l’impact du financement sur la production esthétique. Pour ce faire, les arts dans leur diversité (architecture, musique, arts plastiques, théâtre, danse, littérature etc.) seront abordés, croisés et comparés par le biais des humanités (histoire de l’art, sociologie, anthropologie, études culturelles, économie, etc.) afin d’engager une articulation entre les modes de financement et leur impact sur la création.

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