Journée d’études : « Littérature, peinture, danse XVIIIe-XXe s.», (Paris, Université Sorbonne Nouvelle, 22 mai 2017)

Date et lieu de la journée d’études :

Lundi 22 mai 2017

Paris, Université Sorbonne Nouvelle, site Censier (13, rue Santeuil), salle 410 (au 4e étage du bâtiment A)

Organisée par : Nathalie Kremer (Université Sorbonne Nouvelle) & Edward Nye (Oxford, Lincoln College)

Littérature, peinture, danse, musique, statuaire : à première vue, cette journée d’études rassemble des propos hybrides, où l’on perçoit mal une unité  thématique autre que celle de la diversité des genres artistiques. S’ajoute à cela la large – trop large ? – périodicité qui s’étend sur deux siècles, du XVIIIe au XXe siècle. Cette hétérogénéité s’écarte clairement de l’usage qui veut que les rencontres scientifiques soient centrées sur des sujets très précis, éclairés sous toutes leurs facettes grâce à l’ensemble des études rassemblées.

C’est pourtant bien cette diversité que les organisateurs ont recherchée dès le lancement de l’appel à contributions à cette journée. Il s’agit en effet de tâcher de comprendre la spécificité d’un art en particulier, la danse, dans toute sa richesse générique et structurelle, à partir de la multiplicité des éclairages qu’on peut en proposer. En effet, en s’interdisant de se limiter à une seule période précise de l’histoire et en privilégiant le rapport interartistique entre la danse et les autres arts, les organisateurs ont voulu aborder de front à la fois l’historicité d’un art, dans son développement du XVIIIe au XXe siècle, et le propre du genre, dans ce qu’il a de spécifique par rapport aux autres arts.

La question qui sous-tend l’ensemble est, plus précisément, comment le paradigme de l’imitation encore en cours au XVIIIe siècle a pu générer une approche esthétique moderne. La séance « Modernité de l’imitation » interroge directement cette question, en étudiant le passage d’une esthétique imitative à moderne. Parallèlement, on se demandera si l’on peut appréhender la danse sans prendre en compte les autres arts dans leur différence générique. En effet, la danse ne s’est pas constituée de manière autonome, mais toujours en rapport avec la musique et l’art dramatique. Le partage théorique lessingien entre arts de la parole et arts plastiques est ainsi mis à mal par la pratique, et c’est bien là l’enjeu qui sous-tend la séance « Quand les arts entrent en scène », où est définie la spécificité d’une esthétique imitative face à celle d’une esthétique moderne.

Cette question de la spécificité de l’art est-elle toutefois séparable de la réception des œuvres ? La première séance de la journée, qui interroge les différentes façons de « libérer l’image » porte sur l’usage des arts, au sens large de l’effet émotif que l’œuvre produit sur le récepteur, autant que du libre investissement sémantique de l’œuvre par celui-ci. À travers les exemples de la redéfinition de la musique au XVIIIe siècle, ou des statuettes-portraits de danseuses au XIXe qui concourent à créer des légendes, les arts se ‘libèrent’ d’un fonctionnement imagé. D’autre part, le rapport interartistique ne concerne pas seulement la réception, il peut aussi, de manière significative, déterminer le pôle de la création littéraire lorsqu’elle se nourrit explicitement du « détour par la danse », comme le mettra en lumière la dernière séance de la journée.

Entre imitation et expression, c’est donc bien la spécificité de l’art de la danse qui sera interrogée, tant à travers le rapport interartistique qu’à travers son développement historique. Tout le propos de la journée, en somme, sera de se demander de quoi est capable la danse…

Programme :

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Appel à communication : « Lieux et non-lieux : liens au corps » (jusqu’au 3 février 2017)

 

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  • Date limite : 3 février 2017
  • Date et lieu de la journée d’études : avril 2017, université Toulouse Jean-Jaurès.

Corps et espace entretiennent depuis toujours des relations très étroites, ainsi qu’en témoignent la philosophie, les sciences physiques et/ou humaines ou encore les arts. Ces deux “entités” sont envisagées comme intrinsèquement et inextricablement liées. Liées par le seul fait que c’est à travers le corps tout d’abord que se perçoit l’espace : vu, senti, touché, le corps est le premier siège de notre appréhension de l’espace, et c’est en premier lieu à travers ce ressenti qu’il nous est donné à penser. Mais penser les relations du “corps à l’espace” (Merleau-Ponty), c’est aussi distinguer l’espace du lieu : “Topos désigne toujours le lieu où se trouve, où est situé un corps. Et le lieu est indissociable de la constitution de ce corps, c’est-à-dire aussi de son mouvement. […] On distingue ainsi le lieu physique relatif de la propriété ontologique qui fonde cette localisation”, nous indique Jean-François Pradeau dans son article Être quelque part, occuper une place. Topos et chôra dans le Timée1.

Depuis toujours, les arts (architecture, peinture, sculpture, danse, théâtre) n’ont eu de cesse de faire dialoguer corps et lieu(x). Plus récemment, ce sont la performance, la danse et le théâtre contemporains ou encore des dispositifs tels que l’installation qui réinterrogent les relations entre les deux notions. Si l’espace tout comme le corps sont au cœur des préoccupations de l’homme depuis la nuit des temps, ces unions et/ou tensions entre corps et espace prennent aujourd’hui de nouveaux visages : l’avènement récent des technologies numériques a contribué à la naissance d’espaces, “espaces sans lieu” (Anne Cauquelin) tantôt synonymes de liberté, tantôt jugés comme désincarnants. Le lieu pourrait alors être envisagé aussi à travers la figure du non-lieu et/ou de l’utopie, c’est-à-dire de lieu qui n’est nulle part, dont l’art contemporain, selon Anne Cauquelin2, épuise les variations et les déclinaisons : nombreuses sont d’ailleurs les œuvres qui se nourrissent du vide, où les “non-corps” (Nathalie Desmet) créent une présence de l’absence.
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Cycle de séminaires Kinétraces 2017 (de janvier à juin 2017, ENS Ulm et Paris 3 Censier, Paris)

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Les séances auront lieu de 18h à 20h à l’ENS (45 rue d’Ulm) ou Paris 3 (Censier)

Mardi 31 janvier 2017 : ENS, Amphi Rataud

Nataliya Puchenkina (Université François-Rabelais de Tours /InTRu – EA6301) : « Réception critique ou construction d’un mythe : la presse cinématographique française face au cinéma soviétique de l’entre-deux-guerres».

Caroline Damiens (CREE / Inalco) : « (Re)découvrir les téléfilms soviétiques comme des objets cinématographiques ».

Lundi 13 février 2017 : ENS, Amphi Rataud

Fanny Van Exaerde (Alithila, Université Lille SHS / VUB) : « « Une poésie de cinéma » Etude historique, génétique et intermédiale des scénarios et dialogues de Jean Cocteau ».

Laetitia Dumont-Lewi (Université Paris8 – Labex Arts H2H) : « Gens de théâtre derrière la caméra : expérimentations télévisuelles de metteurs en scène italiens ».

Lundi 13 mars 2017 : Paris 3 “Semaine des Arts et des Médias ” – la salle sera communiquée quelques jours avant

Roxane Sauvage (Université Paris3 / IRET) : « Sur les interactions entre danse et théâtre entre 1880 et 1921 : au croisement des disciplines et des archives ».

Myriam Fouillet (Université Paris3 / IRCAV) : « La création des costumes dans le cinéma d’après-guerre».

Lundi 24 avril 2017 : ENS, Amphi Rataud

Priscilla Guy (Université de Lille SHS/CEAC) :  » Performer l’archive : perspectives féministes et présences fantomatiques de femmes artistes dans l’oeuvre Singeries  »

Matthieu Péchenet (Université de Lille SHS/CEAC) : « Le témoin dans l’archive autour de 1900 : au croisement de la photographie animée et de l’histoire »

Lundi 15 mai 2017 : ENS, salle Weil

Mathilde Lejeune (Université Lille SHS / CEAC-UNIL / Université de Lausanne) / CEC) : « Les théories de Charles Dekeukeleire à la rencontre de ses propres archives. La notion de « technographie » comme approche méthodologique de l’histoire en cinéma »

Lundi 19 juin 2017 : Paris 3 – la salle sera communiquée quelques jours avant

Thomas Pillard (Université Paris 3 et Bordeaux Montaigne / IRCAV) : « Air France et le cinéma : histoire et archives d’une rencontre audiovisuelle».

Daniel Morgan (Université Paris3 / IRCAV) : « Rétablir la légitimité de l’État : la justice pénale dans le cinéma français de l’après-guerre».

(source : http://www.afrhc.fr/wp-content/uploads/2017/01/2017-01-17_587e445581be7_ProgrammeSeminaireKinetraces-compressed-min.pdf)

Appel à communication : « Scène, corps et mémoires. Les arts à l’épreuve du souvenir » (jusqu’au 30 mai 2016)

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DATE LIMITE : 30 MAI 2016

DATE ET LIEU : 22 JUIN 2016 A L’UNIVERSITE D’ARTOIS-ARRAS

Le séminaire doctoral Scène, corps et mémoires est organisé par l’équipe de recherche « Praxis et Esthétique des arts », du laboratoire Textes et Cultures  EA-4028  de l’Université d’Artois. La journée d’étude que nous nous proposons d’organiser le 22 juin 2016, s’inscrit dans le cycle de manifestations scientifiques consacrées à la thématique du « Corps, figure, représentation » organisées par notre équipe de recherche.

Cette journée du 22 juin 2016 propose d’interroger les multiples relations qui se tissent entre corps et mémoires dans différents types de créations scéniques contemporaines (théâtre, danse et performance). Arts de l’instant, il n’en reste pas moins que ces processus s’appuient souvent sur le croisement d’une présence effective de l’interprète (acteur, danseur, performeur) avec les traces d’un passé que cette présence signale corporellement. Dans ces démarches, le passé colore le présent et les corps se font tribune.

Comment la création contemporaine, par le travail des corps, rend-elle compte du travail de la mémoire et de ses conséquences sur les individus, les collectifs ou la création elle-même ?

À travers les communications qui composeront cette journée, il s’agira donc de questionner la pluralité comprise dans la notion de mémoire depuis le point de vue des corps. On limitera cependant cette pluralité des acceptions à deux catégories de mémoire : la mémoire individuelle (le trajet personnel et singulier d’un sujet pensant et agissant) et la mémoire collective (les récits plus ou moins établis par lesquels un groupe social se construit une identité historique commune).

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Appel à contribution : « Collage ? », revue Histoire de l’art (jusqu’au 15 janvier 2016)

Appel à contribution pour le numéro 78 (2016/1) de la revue Histoire de l’Art 

Les jeunes chercheurs intéressés sont invités à envoyer un synopsis d’une page avant le 15 janvier 2016 avec un titre et une présentation de l’auteur en 2-3 lignes à l’adresse mail suivante : revueredachistoiredelart@gmail.com. Une première sélection sera effectuée par le comité de rédaction qui invitera les contributeurs potentiels à remettre leur article courant mars. Un choix définitif sera fait alors.

Collage ?

Pour son numéro 78, la revue Histoire de l’Art souhaite revenir sur le collage afin de susciter de nouvelles études interrogeant l’histoire et l’historiographie de ce phénomène, la multiplicité de ses définitions et approches, les moyens concrets de ses mises en œuvre, ses usages et ses fonctions, depuis l’Antiquité jusqu’à nos jours et dans les cultures occidentales comme non occidentales.

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Appel à communication : « Métamorphoses : corps, arts visuels et littérature. La traversée des genres » (jusqu’au 21 février 2016)

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Raoul HAUSMANN. Selbstporträt des Dadasophen (Autoportrait du Dadasophe), 1920.

Besançon, 31 mars 2016

Cette journée d’étude voudrait se centrer autour des métamorphoses du corps et de ses  transformations au sein des textes littéraires et des œuvres artistiques. Nœud d’énonciation et source de changements continus (J. Fontanille 2004, I. Darrault- Harris 2007), substrat principal de perception (Thomson-Varela, 2001) et de construction du monde (Merleau-Ponty, 1945), le corps a toujours fasciné ces deux domaines qui l’ont rendu sujet ou objet d’expressions esthétiques. À l’image d’une Virginia Woolf qui dans Une chambre à soi prône le féminin-masculin ou le masculin-féminin en écriture, la traversée des genres tant esthétiques que sexués en art comme en littérature, permet de poser le corps en mutation comme moteur privilégie de la création, suscitant/exigeant de nouveaux modes d’expression et se donnant à voir, lire et entendre de multiples manières. Du moment que le corps a toujours été appréhendé dans sa performativité par ses mises-en-scène comme par ses mises-en-texte, nous allons étudier l’expression de ces mutations qui peuvent prendre la forme de simples modifications à la limite de l’imperceptible ou de changements beaucoup plus radicaux, allant jusqu’à la crise des codes mêmes de la représentation. Continuer la lecture de Appel à communication : « Métamorphoses : corps, arts visuels et littérature. La traversée des genres » (jusqu’au 21 février 2016)

Appel à contribution : « La séduction de l’image », revue en ligne L’Atelier (jusqu’au 20 décembre 2015)

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C’est ce lien d’emprise, plus phénoménologique qu’esthétique, entre l’œuvre et le spectateur, que ce numéro de L’Atelier analysera, en interrogeant le pouvoir de la séduction dans le domaine spécifique des arts visuels (dessin, peinture, sculpture, photographie, cinéma, arts décoratifs, théâtre, danse…). En peinture, c’est moins l’interprétation de l’image comme porteuse d’un sens symbolique caché que sa puissance de saisissement, la force et l’immédiateté des sensations qu’elle éveille, son pouvoir hypnotique de dé-figuration, qui nous intéresseront. Quant au cinéma, au théâtre, qui font œuvre de l’artifice, où le travestissement est fréquent et où l’émotion est d’autant plus vraie qu’elle est simulée, ne manifestent-ils pas par excellence ce pouvoir de la séduction élevée au statut d’art ? Continuer la lecture de Appel à contribution : « La séduction de l’image », revue en ligne L’Atelier (jusqu’au 20 décembre 2015)

Appel à communication : « L’art et l’argent : financement du travail artistique et enjeux socio-esthétiques » (jusqu’au 15 janvier 2016)

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Andy Warhol, Triple Dollar Sign, 1981

Le mécénat, au sens large, ses enjeux et influences souffrent d’un manque d’études empiriques bien qu’il soit essentiel à la production d’œuvres aujourd’hui. Sans mécénat, qu’il soit institution ou individu, étatique ou non, la création contemporaine ne bénéficierait pas de la place qu’elle occupe dans nos sociétés contemporaines. Le financement demande de la mobilité ; les créateurs n’ont de cesse de passer d’un contexte institutionnel à un autre afin de décrocher les financements nécessaires à leurs projets. S’ensuit alors que pour nous, chercheurs, la comparaison nous aide à mieux comprendre nos objets – souvent nationaux – et nous montre aussi que les frontières ne sont pas suffisamment pertinentes pour que l’on s’y limite.

Ainsi, ce colloque a pour objectif d’étudier les formes et les figures actuelles du mécénat afin de cartographier les mondes artistiques et d’appréhender l’impact du financement sur la production esthétique. Pour ce faire, les arts dans leur diversité (architecture, musique, arts plastiques, théâtre, danse, littérature etc.) seront abordés, croisés et comparés par le biais des humanités (histoire de l’art, sociologie, anthropologie, études culturelles, économie, etc.) afin d’engager une articulation entre les modes de financement et leur impact sur la création.

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Colloque international : « Mind Control. Conditionnement psychologique et art expérimental pendant la guerre froide (1960-1980) » (18 décembre 2015, INHA, Paris)

The Mind Benders, 1963, extrait.

18 décembre 2015 – Auditorium de la Galerie Colbert, 2 Rue Vivienne, 75002 Paris.

Colloque international
HiCSA, HEAD, Centre Pompidou – dans le cadre du Labex CAP.

Responsables scientifiques : Pascal Rousseau, Université de Paris 1 Panthéon Sorbonne et Alexandra Midal, Haute Ecole d’Art et de Design de Genève, assistés de Jelena Martinovic (FNS) et Nicolas Brulhart (FNS).

Le colloque MIND CONTROL porte sur les relations entre l’art expérimental des années 1960/80 et les recherches psychologiques sur le conditionnement mental telles qu’elles se sont stratégiquement développées au sortir de la Seconde Guerre mondiale, en posant l’hypothèse que ces relations « arts et sciences » n’ont pas été seulement inscrites dans une dynamique à sens unique qui partirait des sciences pour aller vers les arts, mais ont intégré de nouveaux circuits d’échanges et de médiations où l’art dialogue étroitement avec certains protocoles et modèles des sciences du contrôle psychologique.

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