Colloque: « Archives, disparition, recréation : jeu et rejeu dans les arts », Pierrefite, archives nationales, 15-16 juin 2017

Colloque de clôture du projet « Replay, restitution, recréation… Pour une typologie de la reprise des archives ».

15 et 16 juin 2017, Archives nationales, site de Pierrefitte-sur-Seine, auditorium
Programme:
Jeudi 15 juin 2017 – Matinée
Président de séance : Yann Potin, Archives nationales –
Thème : Rejouer, reprendre
9h00 – Accueil des participants et du public
9h30 – Ouverture du colloque par Françoise Banat-Berger, directrice des Archives nationales
10h00 – Remonter, transmettre, apprendre et interpréter une pièce chorégraphique à partir d’archives et de souvenirs : l’exemple de Inlets 2 (1983) de Merce Cunningham
Robert Swinston, directeur artistique du CNDC-Angers et Anna Chirescu, danseuse interprète
10h45 – Archives et création : nouvelles perspectives sur l’archivistique
Anne Klein, professeur en archivistique, Université Laval (Québec), en partenariat avec Yvon Lemay, professeur agrégé, Université Laval (Québec)
11h30 – Archives : un repas gratuit ?
Franck Leibovici, artiste et poète
12h00 – L’œuvre et ses dossiers : pour une pragmatique des documents
Yaël Kreplak, sociologue, Fondation des sciences du patrimoine
Pause déjeuner/causerie
12h30 : Déjeuner
13h30-14h00 : Un art dans tous ses états… Entretien de Philippe Artières avec les auteurs de l’ouvrage Un art d’état ? Commandes publiques aux artistes plasticiens, 1945-1965, co-édité par les Archives nationales et les Presses universitaires de Rennes (2017)
Jeudi 15 juin 2017 – Après-midi
Président de séance: Philippe Bettinelli, Centre national des arts plastiques –
Thème: Démonter, remonter
14h15 – Projection du film Once in the XX Century (2004, vidéo projection, 8 mn) de Deimantas Narkevicius, artiste lituanien
14h30 – Rejouer les Danses dans la neige. Disparition, mythe de l’origine et autres intrigues
Anne Bénichou, professeure d’histoire et de théorie de l’art, École des arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec (Montréal)
15h15 – Commande et disparition d’un manifeste du Front Populaire: Les Loisirs de Marcel Gromaire
Bruno Gaudichon, directeur et conservateur en chef du musée d’art et d’industrie André Diligent (Roubaix)
16h00 – Faut-il se fier aux archives ?
Jean-Michel Leniaud, directeur d’études, École Pratique des Hautes Études (Paris)
16h45 – « Je chanterai ce que je n’aurais pas voulu chanter » : du geste à l’archive
Marcela Santander Corvalán, danseuse et chorégraphe, et Bettina Blanc-Penther, vidéaste
17h30 – Discussions
Vendredi 16 juin 2017 – Matinée
Président de séance : Antoine Idier, École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy
Thème : Combler, restituer
9h00 – Accueil des participants et du public
9h45 – Lixus 1978/2013
Soufiane Ababri, artiste
10h30 – Une danse ancienne : état de la recherche
Rémi Héritier, danseur et chorégraphe, accompagné d’élèves de l’École supérieure d’art de Clermont Métropole et de danseurs professionnels
11h15 – À propos de L’inventaire des destructions
Éric Watier, artiste et professeur à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Montpellier
12h00 – Sampler le passé
Camille Zehenne, artiste-chercheur
Pause déjeuner/visite
12h30 : Déjeuner
13h30-14h00 : Visite guidée de l’exposition « Un art d’État? Commandes publiques aux artistes plasticiens 1945-1965 »
Vendredi 16 juin 2017 – Après-midi
Président de séance : Paul-Louis Rinuy, Université Paris-VIII –
Thème : Recréation
14h00 – Évoquer un musée disparu : à propos de l’exposition de 2016 au Louvre « Un musée révolutionnaire : le musée des Monuments français d’Alexandre Lenoir »
Béatrice De Chancel-Bardelot, conservatrice du musée de Cluny – musée national du Moyen Âge (Paris)
14h45 – Something is happening. Héritage de Fluxus, danse et performance contemporaines
Judith Perron, danseuse, chorégraphe et professeur à l’ENSAPC, et Carole Boulbès, historienne, critique d’art et professeur à l’ENSAPC
15h30 – Titan/Workers Union, une création d’Aurélien Richard pour l’école supérieure de danse contemporaine du CNDC: appropriation et actualisation d’un patrimoine chorégraphique
Aurélien Richard, compagnie Liminal, et Claire Rousier, directrice adjointe du CNDC-Angers
16h15 – Discussion générale
17h00 – Clôture

Colloque : « Imagination » (Genève, MAMCO, Université de Genève, 8-12 mai 2017)

Dates et lieux du colloque : 8-12 mai 2017, Genève, Musée d’Art Moderne et Contemporain (MAMCO) et Université de Genève

La XVe École de Printemps organisée par le Réseau International de Formation en Histoire de l’Art, se déroulera à l’Université de Genève du 8 au 12 mai 2017 et portera sur l’imagination. L’École permettra aux doctorants et post-doctorants de spécialisations et d’horizons divers de partager leurs recherches, leurs approches et leurs expériences dans un forum au cours duquel ils coopèreront avec des chercheurs avancés. Les programmes des précédentes Écoles de Printemps se trouvent sur le site www.proartibus.net.

PROGRAMME  Continuer la lecture de Colloque : « Imagination » (Genève, MAMCO, Université de Genève, 8-12 mai 2017)

Appel à communication : colloque « Les artistes et leurs institutions » (jusqu’au 22 mai 2017)

 Date et lieu du colloque : 16-17 novembre 2017 à Bordeaux.

Résumé

Ce colloque propose de traiter, d’une part, la manière dont les artistes, pris dans leur diversité et les institutions interagissent et se coordonnent et, d’autre part, sur les effets individuels et collectifs de ces modalités d’interaction. Il s’agira de définir et d’appréhender la variété des registres d’action des institutions dans le domaine artistique ainsi que les usages qu’en font les artistes.

Argumentaire

Pendant plusieurs décennies, les sciences sociales ont œuvré en France à saisir les grands mécanismes présidant à la structuration des mondes de l’art ainsi que leurs modes de fonctionnement en mobilisant divers angles d’analyse : espaces de biens matériels et symboliques (Boltanski, 1975 ; Bourdieu, 1992), catégories d’acteurs (Moulin, 1992), marchés du travail et de l’emploi (Menger, 1997). Ceci a notamment permis de documenter finement les processus d’élaboration des politiques artistiques (Urfalino, 1989 ; Dubois, 1999), leurs effets sur les pratiques culturelles, les mécanismes de fabrication de la valeur des œuvres et de leur(s) signataire(s) (Heinich, 1998) ainsi que les catégorisations artistiques (Maigret, 1994 ; Brandl, 2006 ; Faure, 2008). Par ailleurs, certains questionnements se sont davantage tournés vers le déroulement des parcours professionnels artistiques (Sorignet, 2001 ; Coulangeon, 2004 ; Laillier, 2011) et les relations qui se tissent entre artistes et institutions multiples (ministère de la Culture, administrations déconcentrées, écoles de formation, services culturels municipaux, Pôle emploi spectacle, SACEM, etc.), chargées de les soutenir ou de les accompagner. Si ce type de questionnement est relativement ancien, une série de recherches récentes tend à le renouveler en se penchant notamment sur des niveaux d’échelle plus « micro » et sur  l’analyse de ces relations « en train de se faire ». Des travaux existent ainsi sur les rapports aux services culturels des collectivités (Mirouse et Haschar-Noé, 2010), les mécanismes d’attribution d’aides à la création (Germain-Thomas, 2013), tandis que des recherches élargissent le regard aux institutions jouant un rôle d’intermédiation sur le marché du travail, telles que l’ANPE Spectacle (Sigalo Santos, 2013), les dispositifs de protection sociale (Pilmis, 2010), les agences artistiques (Lizé et al., 2011), ou encore à d’autres acteurs en charge notamment de la protection contre la précarité (Avarguez et al., 2014) ou de l’appui à la « reconversion » (Julhe et al., 2015 ; 2016), etc. Partant de là, ce colloque propose de revenir, d’une part, sur la manière dont les artistes, pris dans leur diversité (spectacles vivants, arts plastiques, productions littéraires et cinématographiques, auteurs, interprètes, compositeurs, etc.), et les institutions (services de l’État, collectivités, agences artistiques, Pôle Emploi, AFDAS, Audiens, CNC, etc.) interagissent et se coordonnent et, d’autre part, sur les effets individuels et collectifs de ces modalités d’interaction. Il s’agira in fine de définir et d’appréhender la variété des registres d’action des institutions dans le domaine artistique ainsi que les usages qu’en font les artistes. Plus particulièrement, une attention sera portée à la manière dont ces relations se déclinent selon les thématiques suivantes :

Thème 1 – Temporalités artistiques et institutionnelles

Au-delà du contexte commun d’accélération qui semble toucher les mondes du travail et les sociétés occidentales dans leur ensemble (Rosa, 2010), il est fréquemment noté que les artistes et les institutions disposent chacun de calendriers et de rythmes temporels qui leur sont propres (Monchatre et Whoel, 2014). Sur cette première dimension, on peut s’interroger, par exemple, sur la manière dont l’évolution des contrats d’aide à la création ou les conventions de subventionnement altèrent les temps de préparation et de maturation des œuvres ou de répétition des spectacles (David-Gibert et al., 2006 ; Mirouse et Haschar-Noé, 2010) ou encore sur les modes d’appropriation, par les artistes intermittents du spectacle, des dispositifs d’indemnisation chômage, en fonction de la temporalité de leur travail artistique et de leur carrière (Langeard, 2017). On pourra également questionner la façon dont s’agencent les temps de travail dans les parcours individuels et ceux dédiés à la formation professionnelle, les évolutions concernant la prise en compte du temps de maternité, l’avancée en âge dans la carrière artistique, etc. La façon dont les employeurs du spectacle (Opéras, CCN, Cabarets, etc.) gèrent le temps de la carrière artistique, ou encore celle dont les agences artistiques rythment les changements d’employeurs ou l’accélération des contrats pourra également être étudiée. Plus largement, il s’agit d’analyser dans ce premier thème la manière dont s’articulent ou se chevauchent les rythmes liés d’un côté aux activités artistiques, aux diverses institutions qui les administrent de l’autre.

Thème 2 – Les artistes, les institutions et leurs espaces

Au cours des dernières décennies, plus particulièrement suite aux processus de décentralisation et de déconcentration culturelles et artistiques (Négrier et Teillet, 2014) et dans le prolongement de l’évolution d’autres politiques publiques (emploi, formation, etc.), le développement de la création artistique s’est assortie d’une recherche d’adéquation avec ce qu’il est convenu d’appeler le « territoire », autrement dit, avec un espace aux frontières fluctuantes jugé pour un temps donné comme le référentiel pertinent de l’action. De la même façon que l’artiste s’inscrit nécessairement dans le temps, il est également marqué par les territoires et leurs instances, ne serait-ce que dans l’instauration de relations spatialisées entre acteurs des mondes culturels et artistiques (Urrutiaguer, Henry, 2012). D’un côté, l’art mondialisé voit les artistes et les œuvres s’exporter et circuler pour atteindre une visibilité qu’ils n’auraient pas nécessairement dans leur pays d’origine. S’engagent ici une série d’actions et de dispositifs visant à assurer le « rayonnement » extérieur d’un ensemble d’artistes et de pratiques culturelles et, ce faisant, celui de son territoire de rattachement, qu’il soit communal, régional ou national (Broclain, 2012). De l’autre, via l’action des collectivités, un « retour au local », à l’action artistique de proximité et l’incitation au dialogue entre pratiques artistiques et problématiques territoriales, contexte qui peut être perçu par certains artistes comme une injonction institutionnelle (Langeard, 2015). On peut ainsi interroger la manière dont les politiques publiques, aussi bien que les artistes eux-mêmes, envisagent ainsi d’amener « l’art » où il ne serait pas (e.g. zones rurales, péri-urbaines, etc.) et s’approprient ces espaces (squat artistique, street art ou land art dit « sauvage », etc.), ou encore souhaitent se donner à voir « hors les murs » des établissements culturels conventionnels. Au-delà de la dialectique entre le global et le singulier, la question est aussi celle de la variabilité des formes de soutien, d’accompagnement et/ou de pratiques artistiques selon les territoires (communes, régions, etc.), mais aussi selon les sous-espaces artistiques (réseaux de diffusion ou circuits de distribution par exemple), et leurs effets sur les parcours professionnels mais aussi, plus largement, sur l’accès aux pratiques culturelles.

Thème 3 – Systèmes de valeurs, classements et reconnaissance

Aux différents niveaux du social, chaque ensemble d’individus dispose de systèmes de pensées et de normes, qui facilitent l’action collective et qui font varier le sens accordé à une pratique, à un objet. Le monde artistique contemporain ne constitue pas une exception en la matière (Heinich, 2005 ; Mauger, 2006). Ainsi, il apparaît pertinent de s’intéresser à ce qui fonde la qualification d’une œuvre, selon les catégories d’acteurs qui en sont à l’origine, les contextes ou encore les périodes historiques. Cela revient à interroger la variabilité des critères mobilisés dans les processus de reconnaissance institutionnelle, mais également la manière dont les artistes tentent de composer ou non avec eux, et les effets de ces positionnements sur les trajectoires individuelles (Faure, 2004). La question de la « consécration » artistique, entendue au sens large et allant du succès commercial ou de la notoriété médiatique à la patrimonialisation d’une œuvre, se situe au cœur d’une grande partie de l’analyse des mondes de l’art et de la culture (Bowness, 1989). Au travers d’une variété de termes sous lesquels cette problématique se décline (consécration, succès, notoriété, renommée, réputation, visibilité, légitimation, etc.), elle s’entend en premier lieu comme le résultat d’une opération de hiérarchisation des œuvres et des artistes, qui s’organise en grande partie selon la logique d’accumulation du capital symbolique (Bourdieu, 1992). Or, l’appréciation de la valeur d’un artiste s’avère marquée par un regard individuel (experts, membres d’un jury, critiques, agents, élus, programmateurs, etc.) porté sur le projet ou l’œuvre de celui-ci, regard lui-même cadré en partie par les attentes d’institutions et leur impératif d’évaluation, susceptible de modifier le jugement sur la qualité d’une œuvre (Faure, 2008 ; Ribac, 2017). Parallèlement, le thème de la « reconnaissance » comporte une dimension plus collective, à travers la façon dont les artistes et leurs représentants parviennent ou non à faire reconnaître leur valeur en tant que groupe professionnel, notamment en matière de droits sociaux (Grégoire, 2013 ; Langeard, 2013). On peut ainsi penser à l’action syndicale et aux diverses mobilisations collectives impliquées dans le travail de construction, consolidation et valorisation du « statut ». Plus encore, il est envisageable d’interroger la relation entre consécration artistique et reconnaissance sociale (Maigret, 1994 ; Péquignot, 2009), l’appui d’une personnalité médiatique pouvant par exemple servir des intérêts collectifs. Enfin, l’accès à la direction d’une institution apparaît pour certaines catégories d’artistes comme un élément central dans une trajectoire de consécration (Glas, 2013).

Afin de favoriser la richesse du croisement des regards, les travaux attendus peuvent se situer à différentes échelles d’analyse (territoriales, sectorielles, interprofessionnelles, etc.), mobiliser plusieurs types de données (quantitatives, entretiens, archives, etc.) et émaner de chercheurs et chercheuses représentant l’ensemble des disciplines en sciences sociales : sociologie, histoire, sciences de l’éducation, économie, droit, anthropologie, etc. Ils peuvent se situer à la croisée de plusieurs thématiques, étant entendu que les processus d’ajustement entre artistes et institutions mobilisent fréquemment les dimensions temporelles, spatiales et normatives.

Modalités de soumission

La proposition de communication, d’une page (environ 3.000 caractères espaces compris), devra préciser la problématique traitée, la méthodologie de recherche adoptée, les données mobilisées et les principales questions, voire les principaux résultats, qui seront présentés lors du colloque.

Elle devra également comporter les éléments suivants : le nom et les coordonnées du ou des auteurs (institution, adresse mail, téléphone), des mots-clés (5 maximum) et une bibliographie aux normes APA.

La proposition de communication est à envoyer pour

le 22 mai 2017

à Samuel Julhe (samuel.julhe@univ-reims.fr) et Émilie Salaméro (emilie.salamero@univ-poitiers.fr).

Une publication est prévue à l’issue de ce colloque. Elle fera l’objet d’un appel à articles et les décisions de publication seront soumises à l’évaluation d’un comité scientifique élargi.

Participation au colloque et inscription

La participation au colloque est gratuite, hormis pour la prise en charge des repas (midi du 16 nov. ; soir du 16 nov. ; midi du 17 nov.)

L’inscription est néanmoins obligatoire et à réaliser avant le 15 octobre.

Comité scientifique
  • Cardon Vincent, MCF, Université de Picardie Jules Verne, CESPRA UMR 8036
  • Faure Sylvia, MCF, Université Lyon 2, Centre Max Weber UMR 5283
  • Goetschel Pascale, MCF-HDR, Université Paris Panthéon-Sorbonne, CHS du XXe siècle UMR 8058
  • Grégoire Mathieu, MCF, Université Paris Nanterre, IDHES UMR 8533
  • Langeard Chloé, MCF, Université d’Angers, GRANEM EA 7456
  • Liot Françoise, MCF, Université de Bordeaux, Centre Emile Durkheim UMR 5116
  • Lizé Wenceslas, MCF, Université de Poitiers/Limoges, GRESCO EA 3815
  • Patureau Frédérique, IR, Ministère de la culture et de la communication, DEPS
  • Perez-Roux Thérèse, PU, Université Montpellier 3 Paul Valéry, LIRDEF EA 3749
  • Pilmis Olivier, CR, Centre de sociologie des organisations UMR 7116
  • Richard Etienne, PU, Université Montpellier 3 Paul Valéry, LIRDEF EA 3749
  • Sinigaglia Jeremy, MCF, Université de Strasbourg, SAGE UMR 7363
  • Urrutiaguer Daniel, PU, Université Lyon 2, Passages XX-XXI EA 4160
Comité d’organisation
  • Bourneton Florence, PAST, Institut National Universitaire Champollion.
  • Chopin Marie-Pierre, PU, Université de Bordeaux, CeDS EA 7440
  • Cordier Marine, MCF, Université Paris Nanterre, CERSM EA 2931
  • Honta Marina, PU, Université de Bordeaux, Centre Emile Durkheim UMR 5116
  • Julhe Samuel, MCF, Université de Reims Champagne Ardenne, CEREP EA 4692
  • Salaméro Emilie, MCF, Université de Poitiers, CEREG EA 1722

Références citées

  • Avarguez S., Gomel B., Sigalo Santos L., 2014, « L’accompagnement des artistes allocataires du RSA », in A. Eydoux, B. Gomel (éd.), Apprendre (de l’échec) du RSA. La solidarité active en question, Paris, Ed. Liaisons, p. 239-246.
  • Boltanski L., 1975, « La constitution du champ de la bande dessinée », Actes de la Recherches en sciences Sociales, n°1, p.37-59.
  • Bourdieu P., 1992, Les règles de l’art. Genèse et structure du champ littéraire. Paris, Seuil.
  • Bowness A., 1989, The Conditions of Success. How the Modern Artist Rises to Fame. London, Thames and Hudson.
  • Brandl E., 2006, Ce que l’institutionnalisation fait à la sociologie des arts et de la culture. L’exemple des musiques amplifiées en région. In Girel S. (éd). Sociologie des arts et de la culture. Un état de la recherche. Paris, L’Harmattan, p. 333-360.
  • Broclain E., 2012, Tango. Enjeux d’une stratégie de promotion territoriale fondée sur la réappropriation d’un patrimoine musical, Questions de communication, n°22, p. 123-140.
  • Coulangeaon P., 2004, Les musiciens interprètes en France. Portrait d’une profession, Paris, La Documentation française.
  • David-Gibert G., Guy J.-M, Sagot-Duvauroux D. (dir.), 2006, Les arts du cirque. Logiques et enjeux économiques. Paris, La Documentation française.
  • Dubois V., 1999, La politique culturelle. Genèse d’une catégorie d’intervention publique, Paris, Belin.
  • Faure S., 2004, Institutionnalisation de la danse hip-hop et récits autobiographiques des artistes chorégraphes, Genèses, n°55, p. 84-106.
  • Faure S., 2008, Les structures du champ chorégraphique français, Actes de la recherche en sciences sociales, n°175, p. 82-97.
  • Germain-Thomas P., 2013, Inventer et construire des compromis entre l’art et l’économie. Négociations, n°20, p. 41-58.
  • Glas M., 2013, Le Syndicat national des entreprises artistiques et culturelles (SYNDEAC), miroir et moteur des transformations de l’univers théâtral, Le Mouvement Social, n° 243, p. 67-77
  • Grégoire M., 2013, Les intermittents du spectacle. Enjeux d’un siècle de luttes. Paris, La Dispute.
  • Heinich N., 1998, Le triple jeu de l’art contemporain. Sociologie des arts plastiques. Paris, Ed. de Minuit.
  • Heinich N., 2005, L’Élite artiste. Excellence et singularité en régime démocratique. Paris, Gallimard.
  • Julhe S., Salaméro E., Honta M., 2015, Aider à la reconversion des danseurs, Revue française des affaires sociales, 1-2, p. 229-247.
  • Julhe S., Salaméro E., Honta M., 2016, Construction d’un malentendu entre porteurs et destinataires d’un dispositif social. Accompagner la “reconversion” des artistes chorégraphiques et des artistes de cirque, SociologieS [En ligne], mis en ligne le 07 mars 2016. URL : http://sociologies.revues.org/5199
  • Laillier J., 2011, La dynamique de la vocation : les évolutions de la rationalisation de l’engagement au travail des danseurs de ballet, Sociologie du travail, vol. 53-4, p. 493-514.
  • Langeard C., 2013, Les intermittents en scènes. Travail, action collective et engagement individuel. Rennes, PUR.
  • Langeard C., 2017, L’indemnisation chômage au travail. Appropriation d’un dispositif de régulation public par les intermittents du spectacle, Swiss Journal of Sociology, n°43-2, p. 181-203.
  • Langeard C., Liot F., Rui S., 2015, Comment mesurer ce que le théâtre fait au territoire ? Reconfiguration du public et évaluation, Espaces et Sociétés, n°163, p. 107-123.
  • Lizé W., Naudier D., Roueff O., 2011, Intermédiaires du travail artistique. A la frontière de l’art et du commerce. Paris, La Documentation Française.
  • Maigret E., 1994, La reconnaissance en demi-teinte de la bande dessinée, Réseaux, n°67, p. 113-140.
  • Mauger G. (dir.), 2006, L’accès à la vie d’artiste. Sélection et consécration artistiques. Paris, Ed. du Croquant.
  • Menger P.-M., 1997, La profession de comédien. Formations, activités et carrières dans la démultiplication de soi. Paris, La Documentation Française.
  • Mirouse S., Haschar-Noé N., 2010, Vocation artistique et rationalisation du travail : ethnographie d’une compagnie de danse contemporaine, Revue Sciences sociales et sports, n°3, 77-106.
  • Monchatre S., Whoel B. (dir.), 2014, Temps de travail et travail du temps. Paris, Publications de la Sorbonne.
  • Moulin R., 1992, L’artiste, l’institution et le marché. Paris, Flammarion.
  • Négrier E., Teillet Ph., 2014, Le tournant instrumental des politiques culturelles, Pôle Sud, n°41, p. 83-100.
  • Péquignot B., 2009, Sociologie des arts. Domaines et approches. Paris, Armand Colin.
  • Pilmis O., 2010, Protection sociale, structures marchandes et temporalité de l’activité. Pigistes et comédiens face à l’assurance-chômage, Sociologie, vol.1, 2, p. 215-233.
  • Ribac F., Dutheil-Pessin C., 2017, La fabrique de la programmation culturelle, Paris, La Dispute.
  • Rosa H., 2010, Accélération. Une critique sociale du temps, Paris, La Découverte.
  • Sapiro G., 2007, La vocation artistique. Entre don et don de soi, Actes de la recherche en sciences sociales, n°168, p. 4-11.
  • Sigalos Santos L., 2013, Portrait d’un service public en intermédiaire : l’ANPE Spectacle de Paris, Le Mouvement Social, n° 243, p. 31-40
  • Sorignet P.-E., 2001, Le Métier de danseur contemporain, thèse de doctorat, EHESS.
  • Urfalino Ph., D’Angelo M., Friedberg E., 1989, Les politiques culturelles des villes et leurs administrateurs. Paris, La Documentation française.
  • Urrutiaguer D., Henry, Ph., 2012, Territoires et ressources des compagnies en France. Paris, Deps-MCC.

Source: https://calenda.org/402433

Colloque: Pierre-Albert Birot (1876-1967), au confluent des avant-gardes, (Saint-Germain-la-Blanche-Herbe, IMEC, 4-5 mai 2017)

Pierre Albert-Birot (1876-1967) au confluent des avant-gardes

Couverture de la maquette de Sic. Fonds Pierre Albert-Birot/Archives IMEC

Colloque à l’IMEC dirigé par Carole Aurouet et Marianne Simon-Oikawa

« Pierre Albert-Birot est une sorte de pyrogène / Si vous voulez enflammer des allumettes / Frottez-les donc sur lui / Elles ont des chances de prendre / Trop peu de pyrogènes aujourd’hui / Mais je ne dis rien des allumettes ». Un artificier de la création, un homme rare parmi les poètes et les artistes de son époque : tel est le jugement que porte sur lui Apollinaire, dont il fut l’un des plus proches amis.

Pierre Albert-Birot (1876-1967), venu tard à la poésie, à 40 ans, fut un infatigable expérimentateur. Tour à tour sculpteur, peintre, éditeur, imprimeur, poète, homme de théâtre, scénariste, il est aussi l’auteur d’une oeuvre à bien des égards pionnière. Fondateur de la revue SIC (Sons, Idées, Couleurs, 1916-1919), il accueille les œuvres des créateurs les plus audacieux de son époque : Apollinaire, Soupault, Reverdy, Picasso, Zadkine, mais aussi Survage ou Chana Orloff. Dans son œuvre personnelle, il innove dans des domaines aussi variés que la poésie visuelle (poèmes-affiches, poèmes-pancartes), la poésie sonore (poèmes à crier et à danser), le théâtre (pièces pour marionnettes, théâtre circulaire) ou le cinéma avec ses ciné-textes poétiques. Il s’illustre dans le haiku comme dans l’épopée, avec son Grabinoulor, une coulée de près de 1 000 pages sans aucun signe de ponctuation. Parallèlement, il explore dans toute son œuvre, une série de thèmes récurrents qui sont la marque de son univers : la relation avec les arts, le double intérieur, la quête des origines.

Longtemps éclipsée par les surréalistes, qui ne lui pardonnaient pas son indépendance, l’œuvre de Pierre Albert-Birot fait l’objet d’une nouvelle reconnaissance. Il importe aujourd’hui de retracer le parcours peu commun de ce créateur joyeusement moderne qui, sûr de son chemin, écrivait : « Je peux conduire, ou marcher côte à côte, marcher derrière, jamais ». Le présent colloque se donne ainsi pour but d’étudier comment Albert-Birot, à l’issue d’un long cheminement vers la modernité, découvrit les avant-gardes et y participa pleinement, sans adhérer à aucune école ni même à aucun mouvement autre que le nunisme, qu’il avait fondé. Il sera ainsi l’occasion de mesurer sa place dans les avant-gardes européennes, dans les arts de la scène et les arts visuels, mais aussi dans l’univers de l’épopée avec Grabinoulor. Ses relations avec les peintres et les poètes seront aussi abordées.

Ce colloque constitue l’une des manifestations phares de l’année 2017, parallèlement à une série d’autres événements organisés autour de l’œuvre de Pierre Albert-Birot : Huitièmes Rencontres poétiques à l’IMEC en partenariat avec le Rectorat de l’académie de Caen d’octobre 2016 à mai 2017, publication de Petites gouttes de poésie avec quelques poèmes sans gouttes (poèmes d’Albert-Birot et illustrations de Bobi + Bobi, Møtus) en février, parution d’un numéro double de la revue Europe « Pierre Albert-Birot / Claude Cahun » en avril, entre autres.

Programme

Premier jour : PAB dans son temps

10h15-10h30. Accueil des participants

10h30-10h45. Allocutions de bienvenue : Région, IMEC (Albert Dichy) et Joëlle Jean

10h45-11h. Présentation : Carole Aurouet et Marianne Simon-Oikawa

11h-12h30 PAB et les avant-gardes européennes Modératrice : Barbara Meazzi

Pascal Rousseau : « « Être nuniste ou ne pas être » : le présentisme de Pierre-Albert Birot »

Prosper Hillairet : « Survage et les Rythmes colorés »

Montserrat Prudon-Moral : « De « L’art poétique », le dialogue catalan de PAB »

12h30-14h : déjeuner

14h-16h La guerre, creuset des avant-gardes Modératrice : Joëlle Jean

Laurent Véray : « Présentation et projection du film En Somme »

Debra Kelly : « Pierre Albert-Birot n’ira pas à la guerre : expériences et imaginaires en temps de guerre »

Luc Vigier : « SIC et le design musical de la pensée »

16h-16h30 : pause

16h30-17h30 PAB, homme d’images Modérateur : Laurent Véray

Anne Reverseau : « Pierre Albert-Birot, photographe photographié »

Carole Aurouet : « PAB et le cinéma » 20h30-21h30 Salut à Arlette Albert-Birot

Deuxième jour : PAB en lui-même

9h45 : Accueil

10h00-11h30 L’avant-garde au quotidien : PAB, Apollinaire et Grey Modératrice : Debra Kelly

Bernard Baillaud : « Entre Guillaume Apollinaire et Jean Paulhan, la ligne PAB »

Peter Read : « Albert-Birot en coulisses : Les Mamelles de Tirésias »

Barbara Meazzi : « PAB et Roch Grey : histoire d’une amitié »

11h30 : pause

11h45-13h15 PAB et le livre Modératrice : Madeleine Renouard –

Sophie Lesiewicz : « PAB éditeur de livres graphiques » –

Marianne Simon-Oikawa : « La genèse des poèmes visuels de PAB : l’histoire d’une métamorphose »

Anne-Christine Royère : « Poèmes-affiches, poèmes-pancartes, poème-timbre : tradition et filiation de la poésie visuelle de PAB »

13h15-14h30 : Déjeuner

14h30-16h Avant-gardes théâtrales et arts et la scène Modérateur : Peter Read –

Didier Plassard : « L’écriture théâtrale pour marionnettes de Pierre Albert-Birot »

Jean-Pierre Bobillot : « Poême à crier et à danser etc. : une approche médiopoétique »

Julien Blaine : « Interactions & in(ter)ventions en faveur de Silex »

Conclusions du colloque

Source: https://www.fabula.org/actualites/pierre-albert-birot-1876-1967-au-confluent-des-avant-gardescolloque-l-imec-dirige-par-carole_79038.php

COLLOQUE INTERNATIONAL – FOUCAULT ET LES ARTS » Université Paris-Ouest Nanterre – Fondation Gulbenkian Paris, 30-31 mars 2017

COLLOQUE INTERNATIONAL – FOUCAULT ET LES ARTS

30-31 mars 2017

Université Paris-Ouest Nanterre – Fondation Gulbenkian Paris

Organisatrices : Fabienne Brugère, Judith Revel, Arianna Sforzini

Comité scientifique : Danièle Cohn, Arnold Davidson, Frédéric Gros, Béatrice Han, Jacqueline Lichtenstein

Institutions partenaires : Université Paris-Ouest Nanterre (UFR Phillia, département de philosophie, ED 139, laboratoire Sophiapol), Université Paris 8 (département de philosophie, laboratoire LLCP), Association pour le Centre Michel Foucault, Fondation Gulbenkian Paris.

 

MICHEL FOUCAULT n’est pas seulement le philosophe de l’archéologie des discours, de la généalogie des pouvoirs, des modes de subjectivation et des jeux de vérité. Il est aussi le penseur qui a décelé dans les Ménines de Vélasquez l’emblème plastique du savoir classique, dans les toiles de Manet la matérialité vive de la modernité, dans le surréalisme de Magritte la paradoxale représentation de la rupture de l’espace représentatif à l’époque contemporaine.

Cet intérêt foucaldien pour la peinture est connu et a fait déjà l’objet de nombreuses recherches et études. Mais, bien au-delà des usages diversifiés du pictural dans ses travaux, Foucault a ouvert le discours philosophique à sa contamination réelle et active avec la pluralité des pratiques artistiques, souvent reléguées aux limites de la pensée traditionnelle. Littérature, théâtre, cinéma, musique, photographie, « performances » de la parole : autant de dimensions qui ne sont aucunement des « divertissements » esthétisants, de simples incursions dans des champs de pratiques et de pensées éloignés du discours philosophique classique, mais qui participent directement de la construction de la philosophie foucaldienne et en mobilisent la force théorico-politique.

Notre colloque se propose de repartir de ce constat pour déployer toute une série de questionnements essentiels. Il s’agira bien entendu de se pencher à nouveau sur une dimension presque « interne » à la philosophie foucaldienne : les archives récemment déposées à la Bibliothèque nationale de France contiennent de nombreux inédits, sur la peinture notamment, qui peuvent constituer un noyau important à la fois de re-contextualisation et de réactualisation des réflexions foucaldiennes sur les arts. Il faut pourtant éviter le double écueil du « fétichisme » des inédits et de l’« esthétisation » de ces travaux hétérogènes, comme si la réflexion esthétique de Foucault ne faisait pas partie intégrante d’un projet philosophique et intellectuel plus large. Il nous semble donc important de repenser la portée théorique et politique du questionnement des pratiques artistiques, en replaçant le discours de Foucault dans la trame des relations multiples que la pensée française contemporaine a tissées avec le domaine de l’esthétique (cf. par exemple Jean-Paul Sartre, Maurice Merleau-Ponty, Gilles Deleuze, Georges Bataille, Maurice Blanchot, Jacques Rancière). Mais il faut surtout ouvrir Foucault aux usages variés et importants que les arts ont faits de sa pensée ; et réfléchir à la manière dont s’est construite dans les dernières années, à travers Foucault, une circulation extrêmement féconde entre pratiques artistiques et pratiques politiques. En faisant dialoguer des chercheurs et des artistes, notre colloque souhaite questionner la force concrète et actuelle des réflexions foucaldiennes, sa fécondité pour des réappropriations hybrides, concrètes, politiquement engagées : mettons la philosophie à l’épreuve du questionnement artistique.

Programme

Jeudi 30 mars 2017

Université Paris-Ouest Nanterre, amphithéâtre W (nouveau bâtiment Max Weber, RdC)

9h30-9h50 Ouverture et introduction : Fabienne Brugère, Judith Revel, Arianna Sforzini

9h5010h30 Conférence : Marielle Macé (EHESS) – L’éclat d’une vie

10h30-11h10 Conférence : Philippe Sabot (Université Lille 3) – Le Brisset de Michel Foucault

11h10-11h40 Discussion

11h40-12h Pause-café

12h-12h40 Conférence : Patrice Maniglier (Université Paris Nanterre) – Le moment cinéma de Foucault 

12h40- 13h10 Discussion

13h10-14h30 Déjeuner (Buffet)

14h30-15h10 Conférence : Jacinto Lageira (Paris 1 Panthéon/Sorbonne) – Dévaluation esthétique et capital humain

15h10-15h50 Conférence : Judith Revel (Université Paris Nanterre) – L’invention de soi sous contrainte (Foucault à la manière de l’Oulipo)

15h50-16h20 Discussion

16h20-16h40 Pause-café

16h40-17h20 Conférence : Georges Didi-Huberman (EHESS) – Un art de l’inservitude volontaire

17h20-17h50 Discussion

 

Vendredi 31 mars 2017
Fondation Gulbenkian – Paris
9h00-9h40 Conférence : Frédéric Rambeau (Université Paris 8) – Les Ménines : Foucault-Lacan, 1966.

9h40-10h20 Conférence : Fabienne Brugère (Université Paris 8) – Y a-t-il une pensée de la peinture chez Foucault ?

10h20-10h50 Discussion

10h50-11h10 Pause-café

11h10-11h50 Conférence : Claudia Blümle / Ann-Cathrin Drews (Humboldt-Universität zu Berlin) – Le fou et le cynique. Les lectures de la peinture avec Michel Foucault

11h50-12h20 Discussion

12h20-14h00 Déjeuner (buffet sur place)

14h00-14h40 Conférence : Eric Alliez (Université Paris 8) – « C’est donc en profane que je vous parlerai de Manet ». Portrait de Foucault en hétéro.

14h40-15h20 Conférence : Alessandro Francisco (Pontificale Université Catholique de São Paulo) – Pour une archéologie de la musique: premières approches

15h20-15h50 Discussion

15h50-16h10 Pause

16h10-16h50 Conférence : Thomas Hirschhorn (artiste) – L’Amitié entre Art et Philosophie

16h50-17h30 Discussion finale

Colloque : « Nouveaux regards sur la haute couture parisienne de 1850 à nos jours », 24 et 25 mars 2017, Paris, INHA

Le colloque s’inscrit dans le cadre des événements liés à l’ouverture de la bibliothèque de l’INHA, collections Jacques - Doucet. Mécène et collectionneur, Jacques Doucet fut aussi – il convenait de le rappeler – l’un des plus brillants représentants de la haute couture parisienne au tournant des XIXe et XXe siècles. Le colloque propose un nouveau regard sur les composantes de cette histoire de la haute couture : ses protagonistes, ses processus créatifs, ses matériaux, ses modes de diffusion, ses clientes, mais aussi son propre statut qui a largement évolué depuis son apparition et ses premières formulations à la fin du XIXe siècle, sous l’égide de Charles Frederick Worth. Séculaire, cette histoire a été trop souvent appréhendée du seul point de vue des créateurs, dont le nom et la griffe, investis d’un pouvoir « quasi-magique », pour reprendre la célèbre expression de Pierre Bourdieu, ont été prioritairement convoqués afin de comprendre le succès de la couture parisienne. Pour asseoir cette réévaluation de l’histoire de la haute couture, les intervenants prendront en considération les contradictions inhérentes à sa construction et à son système, notamment les tensions entre couture, art et commerce, la relation de la couture avec le prêt-à-porter et la production en série. Seront également évoqués les questionnements actuels touchant d’une part à l’industrialisation extrême de la mode avec la fast fashion, d’autre part à l’impact des outils numériques sur la couture.

En partenariat avec l’Institut français de la mode, l’Institut d’histoire du temps présent-CNRS et avec le concours de la Fédération de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode.

Intervenants

  • Miren Arzalluz (Barcelone)
  • Marco Belfanti (Brescia)
  • Géraldine Blanche (Paris, SciencesPo)
  • Ivana Culjak (Zagreb City Museum)
  • Maria do Carmo Rainho (Rio de Janeiro, National Archives)
  • Karolien De Clippel (Hasselt, Modemuseum)
  • William DeGregorio (New York, Bard Graduate Center)
  • Émile Hammen (Paris, IFM)
  • Michelle Finamore (Boston, Museum of Fine Arts)
  • Christian Gros (Paris, Palais Galliera)
  • Didier Grumbach (Paris)
  • Anna Lebovic (The Univeristy of Sydney)
  • Marie McLoughin (University of Brighton)
  • Michele Majer (New York, Bard Graduate Center)
  • Zsolt Mészàros (Budapest, université Eötvos Lorànd)
  • Jérôme Neutres (Paris, Réunion des musées nationaux)
  • Tomoko Okawa (Tokyo, Jissen Women’s University)
  • Adelheid Rasche (Nuremberg, Germanisches National Museum)
  • Maurizio Rofrano (Paris)
  • Marine Schweitzer (Paris, Paris IV Sorbonne)
  • E.-J. Scott (Arts University, Bornemouth)
  • Sara Skillen (Stockholm University)
  • Katarzyna Stempniak (Duke University)
  • Françoise Tétart-Vittu (Paris)
  • Alessandra Vaccari (Université de Venise)
  • Marlène van de Casteele (Université Lyon 2 Lumière)
  • Johanna Zanon (Université d’Oslo)

Comité scientifique

Maude Bass-Krueger (Tel Aviv University et IHTP / CNRS), Dominique Jacomet (IFM), Sophie Kurkdjian (IHTP / CNRS), Pascal Morand (Fédération de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode), Philippe Thiébaut (INHA), David Zajtmann (IFM)

_____

Informations pratiques

24 mars 2017 – 9H30-18H
INHA, galerie Colbert, auditorium

25 mars 2017 – 9H30-18H
Institut Français de la Mode, amphithéâtre Yves Saint Laurent

entrée libre sur inscription : conferencehautecouture.wordpress.com/registration

Source: http://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/mars-2017/nouveaux-regards-sur-la-haute-couture-parisienne-de-1850-a-nos-jours.html?search-keywords=colloque

Colloque : « Rodin : L’onde de choc » (22-23 mars 2017, Grand Palais, Paris)

En parallèle de Rodin, l’exposition du centenaire, le colloque Rodin : l’onde de choc se propose d’examiner sous un nouveau jour la réception et le rayonnement de l’œuvre du sculpteur. Rodin, comme Monet ou Picasso, a connu et connait toujours une célébrité mondiale incontestée. Ce phénomène s’est poursuivi sans discontinuer et ne laisse pas d’étonner ; des musées Rodin se sont constitués au XXe siècle aux États-Unis, au Mexique, au Japon, en Corée. À chaque génération, le public et les artistes se sont positionnés par rapport à lui, quelquefois pour en prendre le contrepied, souvent pour s’en inspirer ou renchérir sur une invention, un aspect, une forme. À chaque période, un Rodin différent est mis en exergue, découvert, mis en lumière. Ces mutations du regard, loin d’épuiser l’œuvre de l’artiste, ont permis, permettent et permettront un enrichissement sans cesse renouvelé de sa compréhension.
Trois champs thématiques principaux seront explorés durant ce colloque par vingt chercheurs et historiens de l’art : les échanges féconds de Rodin et des écrivains ; l’internationalisation de l’œuvre du maître ; enfin, l’intérêt des artistes contemporains pour Rodin.
Ce colloque organisé en collaboration avec la RMN-Grand Palais, a bénéficié du soutien de l’École du Louvre et de la Société des Amis du musée Rodin.

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Colloque: « VISIONS DE L’HISTOIRE : L’ÉCRITURE VISUELLE DU TEMPS » (Paris, Collège de France et BnF, 3-4 février 2017)

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Colloque international: « VISIONS DE L’HISTOIRE : L’ÉCRITURE VISUELLE DU TEMPS »

Colloque organisé par Laurent Cuvelier, Adrien Genoudet et Clément Weiss

3-4 février 2017 Paris

Collège de France, Bibliothèque nationale de France

En fermant les yeux, nous parvenons à imaginer et voir
presque intuitivement les époques que nous n’avons pas
vécues. Ce paradoxe tient à l’habitude que nous avons
d’incarner le temps en images qui sont autant de
compositions visuelles et de « visions de l’histoire » dont
il s’agit de faire la généalogie. À travers le cinéma, la
bande dessinée, la photographie, le jeu vidéo,
l’illustration, les manuels scolaires, la télévision ou encore
les objets publicitaires, les clichés du temps sont cesse
retracés et reconfigurés au point que les images
semblent performer de nouveaux repères de périodicité. Il
y a ainsi dans l’image qui s’empare du passé un rapport
de prédation qui n’est pas sans rappeler ce que Sartre dit
du mort, condamné à « être la proie des vivants ». On ne
peut pas (se) représenter innocemment une époque : ces
images concrètes ou mentales disent quelque chose sur
notre rapport au temps et à l’histoire, elles forment un
fonds de sens commun et de valeurs où gisent des
idéologies du passé, de la modernité ou de la civilisation.
Ce sont ces latences du temps visualisé que ce colloque
souhaite interroger.

Voir le programme complet 

PROGRAMME
Jeudi 2 février 
Reflet Médicis (Paris 5e)
20h30.
Projection du film Häxan de Benjamin
Christensen (1922).
Présentation et discussion avec Christian Delage dans le
cadre du cycle « Un film, une histoire » (IHTP avec le
soutien du CNC)

Vendredi 3 février 
Collège de France
Amphithêatre 2

9h. Patrick BOUCHERON (Professeur au Collège de
France) : Introduction et accueil des participants.

9h30. Adrien GENOUDET (Doctorant/ATER Université
Paris VIII/Collège de France) : En guise d’introduction, «
Percer le Noir Antérieur »

10h15. Gil BARTHOLEYNS (Maître de conférence à
l’Université Lille III) – Anne BESSON (Maîtresse de
conférences à l’Université d’Artois) – Christian DELAGE
(Professeur à l’Université Paris VIII) : Table Ronde – «
Approches historiennes des études visuelles » Première
Partie.

11h. Pause.

11h30. Gil BARTHOLEYNS – Anne BESSON – Christian
DELAGE : Table Ronde – « Approches historiennes des
études visuelles » Deuxième Partie

12h30. Discussion.

13h. Déjeuner

14h30. Isabelle PARESYS (Maîtresse de conférences à
l’Université Lille III) : « Le costume historique de cinéma
comme écriture visuelle d’une époque : l’exemple de la
Renaissance ».

15h00. Laurent CUVELIER (Doctorant/ATER à Sciences
Po/Université Lille III) : « Visualité des éphémères – les
usages de l’affiche dans les représentations visuelles du
passé, XVIIIe-XIXe siècles ».

15h30 Discussion

16h. Pause.

16h30. Guillaume MAZEAU (Maître de conférences à
l’Université Paris I) : « Visualiser l’histoire immédiate de la
Révolution : tableaux, galeries, cartes et cosmographies »

17h. Clément WEISS (Doctorant à l’Université Paris I) : «
Récupérer la subversion : les images du Paris muscadin,
du pavé aux curiosités »

17h30. Discussion.

18h. Daniel S. MILO (Maître de conférences à l’EHESS) :
Conclusion de la journée.

Samedi 4 février
Bibliothèque nationale de France (site François
Mitterrand)
Petit auditorium

9h30. Accueil des participants.

10h. Vincent MARIE (docteur en histoire, professeur au
lycée Philippe Lamour de Nîmes) : « L’imaginaire de
l’Egypte ancienne par la bande dessinée : un dialogue
avec les temporalités »

10h45. Sylvain VENAYRE (Professeur à l’Université de
Grenoble) et Etienne DAVODEAU (Auteur de bandes
dessinées) : « Dépasser le roman national par la Bande :
repenser les temps »

12h. Déjeuner

13h30. William BLANC (historien) – Ségolène LE MEN
(Professeure à l’Université Paris X) – Vincent MARIE
(docteur en histoire, professeur au lycée Philippe Lamour
de Nîmes) table ronde : « Médiation des temporalités par
l’image : enseignement secondaire, transmission,
vulgarisation » animée par Valérie HANNIN (directrice de
la rédaction de la revue L’Histoire).

15h. Pause

15h30. Patrick BOUCHERON (Professeur au Collège de
France) – Dominique KALIFA (Professeur à l’Université
Paris I) – Antoine LILTI (Directeur d’étude à l’EHESS) :
Discussion. « Renaissance, Lumières et Belle Epoque :
chrononymes et écriture visuelle » animée par Etienne
ANHEIM (Directeur d’étude à l’EHESS) –

18h André GUNTHERT (Maître de conférences à
l’EHESS) : Conclusion des deux journées

Source: https://scv.hypotheses.org/1661

Colloque international : « Images et mots depuis Magritte » (11 et 12 janvier 2017, Centre Wallonie-Bruxelles, Paris)

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Ce colloque rappellera le processus historique de la relation entre les mots et les images, mise en évidence par René Magritte dans son manifeste Les mots et les images en 1929.
Il mettra en lumière les résonances artistiques actuelles de cet écrit fondateur, qui continue à marquer de son empreinte de nombreux artistes.

Sous la modération de Michel Baudson, Commissaire de l’exposition Images et Mots depuis Magritte, le colloque aura l’honneur d’accueillir lors des deux soirées Didier Ottinger, Commissaire de l’exposition René Magritte, La trahison des images et Directeur adjoint chargé de la programmation culturelle au Musée national d’art moderne du Centre Pompidou à Paris et Zhu Qingsheng, président du CIHA (Comité Internationale d’Histoire de l’Art), professeur à l’Université de Pékin, rédacteur en chef de l’Annuel d’art contemporain de Chine et artiste sous le nom de LaoZhu.

Chaque soirée sera ponctuée par les interventions successives d’artistes qui seront au coeur du débat.

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Appel à communication : « Art et science, regards croisés », colloque, 5 et 27 octobre 2017, Université de Liège (jusqu’au 15 janvier 2017)

Panamarenko, PANAMARENKO, Bing of the Ferro Lusto X, 1997
Panamarenko, PANAMARENKO, Bing of the Ferro Lusto X, 1997

La question des relations entre art et science gagne aujourd’hui l’intérêt de nombreux chercheurs qui, à l’appui de cas exemplaires, démontrent avec toujours plus de pertinence le rôle joué par les avancées scientifiques et technologiques dans le domaine des arts, depuis la Renaissance jusqu’à nos jours. L’objectif du colloque Art et science, regards croisés est de comprendre les raisons d’une telle fascination des artistes pour la science, mais pas seulement.

En croisant les regards – ceux des artistes, des scientifiques, des historiens d’art, des philosophes –, l’approche se veut interdisciplinaire et ouverte à des discussions qui dépassent la frontière de l’art pour mesurer les interactions mutuelles entre deux disciplines qui, dans le domaine de la recherche universitaire, continuent d’être séparés, voire opposés. Ce colloque a donc pour ambition de dépasser les spécialités et les frontières et de dresser, à travers de multiples regards et selon une approche aussi vaste que possible, un bilan à la fois historique et critique du rapport art-science et science-art.

 

Quatre axes principaux traversent ce colloque :

1er axe : Postures et identités

L’artiste-savant et le scientifique-artiste

La figure de l’artiste savant, qui émerge à la Renaissance avec les « peintres anatomistes » (Léonard de Vinci, Paolo Uccello) et qui se poursuit aujourd’hui avec les « artistes-ingénieurs » (Nicolas Schöffer, Panamarenko, Alain Bublex, etc.), se trouve incontestablement au cœur des interrogations actuelles sur le rapport entre art et science. Cette figure de l’artiste-savant sera traitée dans une perspective historique, soit à travers des cas particuliers (ex. : l’artiste savant à la Renaissance, les peintres de marines au XVIIIe siècle, les artistes-ingénieurs aux XXe et XXIe siècles), soit à travers des problématiques susceptible d’éclairer, plus largement, le statut parfois ambigu de l’artiste-savant.

A la figure de l’artiste-savant sera confrontée celle, moins connue, du scientifique-artiste. Des dessinateurs botanistes du XVIIIe siècle aux Space artists actuels ou aux inclassables tels que le mathématicien et sculpteur Piotr Kowalski, la figure du scientifique-artiste offre de multiples pistes de réflexion, tant sur la curiosité sans cesse renouvelée des scientifiques « purs » pour la création artistique que sur la façon dont les deux activités – scientifique et artistique – parviennent à se conjuguer.

 2e axe : Définitions et débats critiques 

Art scientifique ou invention artistique ?

Lorsque l’on jette un coup d’œil sur les grands courants de l’histoire de l’art du XXe siècle, on découvre quantité d’œuvres et de mouvements se définissant en fonction d’une pensée ou d’un principe scientifique. De l’art cinétique à l’art cybernétique, mathématique ou robotique en passant par l’art technologique, le bio-art ou l’art génératif, ces mouvements sont non seulement difficiles à définir, mais ils posent également de nombreuses questions quant à l’usage exact des sciences qui y est fait. Peut-on parler d’une science devenue art ou doit-on plutôt qualifier ces entreprises comme de nouvelles inventions artistiques intégrant ici et là des outils ou des principes scientifiques ? De telles interrogations peuvent donner lieu à des réflexions théoriques et critiques sur le rapport art et science (en essayant, par exemple, de définir la part parfois fictionnelle et imaginaire qui s’en dégage), mais peuvent aussi susciter des débats sur l’existence ou non d’un art scientifique. La question de la collaboration entre scientifiques et artistes sera aussi abordée, car elle est souvent méconnue, voire passée sous silence. Un exemple, parmi d’autres : que sait-on au juste des ingénieurs qui ont travaillé avec Wim Delvoye sur la célèbre machine Cloaca ?

3e axe : Inspirations mutuelles

De la science comme source d’inspiration à la science dite « créative »

La science comme source d’inspiration et de réflexion peut être abordée de plusieurs manières. Il peut être question de l’intérêt ou de la fascination que des artistes éprouvent pour des concepts, des méthodes ou des principes issus des sciences exactes (ex. : compositions atticistes des peintres du XVIIe siècle, le néo-impressionnisme de Seurat, les cosmogonies de Kupka, le théorème de Pappus repris par Duyckaerts, etc.), de l’inquiétude qu’ils peuvent ressentir à l’égard des progrès scientifiques ou technologiques (Orlan, Aziz+Cucher, etc.) ou encore du désir de mener, dans le domaine artistique, des expériences proches de ce que font les physiciens ou les astrophysiciens (Paysant, Eliasson, etc.).

Parallèlement à cet état des lieux, qui offre de nombreuses pistes de réflexion, nous voudrions que soit abordée la question de la créativité dans la science et que soit envisagée une influence souvent méconnue : celle des artistes qui, en intégrant les avancées scientifiques dans leur travaux, ont pu à leur tour inspirer les recherches des savants. La demande, très actuelle, d’une créativité dans le monde de la recherche pourra aussi être analysée, à l’aune de questionnements sur la manière dont cette notion de créativité est pensée, mais aussi sur les attentes et les effets réels d’initiatives de certains laboratoires qui, comme le CERN, invitent des artistes en résidence (ex. : Arts@CERN).

4e axe : Une relation nécessaire

La science au service de l’histoire de l’art/ l’art au service des sciences de la santé

La relation entre le monde des sciences et le monde des arts s’avère dans bien des cas, sinon capitale, tout au moins nécessaire à l’avancée de deux disciplines que tout oppose a priori. Dans le domaine de l’histoire de l’art, la science apporte des clés de lecture et des méthodes d’analyse se révélant souvent indispensables à la compréhension de productions artistique et archéologiques (ex. : l’archéométrie). De son côté, l’art offre des possibilités essentielles de traitements thérapeutiques (ex. : les expériences artistiques menées au XIXe siècle par Charcot ; la relation entre art et psychiatrie ; l’art comme soin du corps ; l’art dans les soins palliatifs ; l’intervention d’artistes dans les hôpitaux, etc.).

Organisation : Julie Bawin et Yaël Naze

Comité scientifique et organisateur :

  • Maria-Giulia Dondero
  • Vincent Geenen
  • Eric Haubruge
  • Jean-Marc Levy-Leblond
  • Alexander Streitberger
  • David Strivay
  • Yves Winkin

Pour proposer une communication, veuillez remplir ce formulaire : http://www.gaphe.ulg.ac.be/ArtCol2017/reg.php avant le 15/01/2017. Un email de confirmation vous sera envoyé. Résultat des sélections et programme final : le 15/02/2017.

Pour des informations complémentaires sur ce colloque, voir son site internet : http://www.gaphe.ulg.ac.be/ArtCol2017/index.html

 

Date et lieu du colloque : les 25 et 27 octobre 2017, Université de Liège
Date limite : 15 janvier 2017

Responsables : Julie Bawin et Yaël Nazé

Url de référence : http://www.gaphe.ulg.ac.be/ArtCol2017/index.html

Adresse : Université de Liège

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Colloque : « Savoirs ethnologiques et collections africaines (1850-1950) – Production, circulation, patrimonialisation dans les espaces francophones et germanophones » (8-9 décembre 2016, Musée du Quai Branly, Paris)

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Lieu : Salle cinéma – Musée du quai Branly – Jacques Chirac, Paris

Le présent colloque se penchera sur les liens entre ethnologie et politique, avec un focus sur les recherches concernant l’Afrique, autour de trois thématiques principales : expéditions scientifiques, acteurs et réseaux de la constitution des collections ethnographiques et institutions ethnologiques et sociétés savantes. Il proposera une table ronde concernant les collections sensibles constituées en période coloniale.

Ce colloque s’inscrit dans un programme franco-allemand de recherches portant sur l’histoire croisée de l’ethnologie en France et en Allemagne au tournant du vingtième siècle. Ce programme est porté par deux partenaires principaux : le Centre Georg Simmel (UMR 8131 CNRS/EHESS) et l’Institut Frobenius de l’université Goethe de Francfort. Il porte sur les enjeux politiques des savoirs et pratiques ethnologiques et s’intègre à une série de colloques organisés depuis février 2014 et à la suite de celui organisé au Martin Gropius-Bau de Berlin en mars 2016 sur le thème Grottes : paléontologie, philologie et anthropologie (1800-2015).

Il annonce par ailleurs celui de Dakar prévu en mars 2017 portant sur les Médiations africaines dans la construction et l’appropriation d’un savoir ethnologique.

L’objectif est d’étudier l’histoire croisée de la constitution d’un savoir ethnologique entre la France et l’Allemagne, les conceptions et les institutions ethnologiques mises en place de part et d’autre du Rhin, depuis la logistique des expéditions jusqu’à la mise en scène de leurs résultats dans le champ muséographique, soulevant des enjeux à la fois patrimoniaux, artistiques et politiques. En soulignant les interactions et les interdépendances entre différents cadres nationaux une telle analyse permet le changement d’échelle et le passage au niveau des concepts, des disciplines et des réseaux d’acteurs, autant de thématiques d’étude laissées en revanche dans l’ombre par l’histoire comparée de l’ethnologie.

Continuer la lecture de Colloque : « Savoirs ethnologiques et collections africaines (1850-1950) – Production, circulation, patrimonialisation dans les espaces francophones et germanophones » (8-9 décembre 2016, Musée du Quai Branly, Paris)

Colloque international « Voyage au centre de la machine cinéma » (Paris, Cinémathèque) 1 – 3 décembre 2016

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Cinémathèque françase: 51, rue de Bercy – Paris 12e

TARIFS COLLOQUE – DEMI-JOURNÉE DE RENCONTRES : PT : 5 € – TR : 3€ Achat simultané de 3 demi journées et plus : 3€

Libre Pass : accès libre

Colloque autour de l’exposition DE MÉLIÈS À LA 3D : LA MACHINE CINÉMA EXPOSITION JUSQU’AU 29.01.17 CONÇUE ET PRODUITE PAR LA CINÉMATHÈQUE FRANÇAISE

Organisé en collaboration avec le partenariat international de recherche Technès.

Colloque sous la direction d’André Gaudreault (université de Montréal), Laurent Mannoni (Cinémathèque française), Gilles Mouëllic (université Rennes 2) et Benoît Turquety (université de Lausanne).

Le colloque international Voyage au centre de la Machine Cinéma permet de déployer les enjeux à la fois historiques, techniques et esthétiques propres à l’exposition De Méliès à la 3D : la Machine Cinéma. En écho à son exposition d’automne, la Cinémathèque française, en partenariat avec Technès, accueille cinéastes, directeurs de la photographie, monteurs et historiens de pays différents (Canada, États-Unis, Suisse, Belgique et France).

Les interventions, dialogues et projections du colloque s’articulent autour de trois axes principaux : resituer l’avènement de la « machine » cinéma ; étudier les liens entre technique et esthétique ; penser le cinéma à l’aune des bouleversements technologiques actuels.

Chaque journée est prolongée par la projection, le soir, d’un film emblématique de l’œuvre d’un des invités d’honneur du colloque. Par son caractère novateur et collaboratif, cette manifestation contribue à la recherche en études cinématographiques.

Invités d’honneur :

  • Caleb Deschanel, directeur de la photographie (L’Étoffe des héros, L’Étalon noir, The Patriot, La Passion du Christ ; il a aussi réalisé trois épisodes de Twin Peaks)
  • David Kenig (ingénieur de Panavision)
  • Lenny Lipton (inventeur, spécialiste de la 3D)
  • Walter Murch, monteur (Conversation secrète, Apocalypse Now, Ghost, Le Parrain 3, Le Patient anglais)
  • Douglas Trumbull, réalisateur et directeur d’effets visuels (2001, l’Odyssée de l’espace, Rencontres du troisième type, Blade Runner, The Tree of Life)

Avec la participation de Valérie Loiseleux (monteuse : Val Abraham, Je rentre à la maison, Arrête ou je continue, La Sapienza), William Uricchio (professeur d’histoire des médias au Massachusetts Institute of Technology).

JEUDI 1ER DÉCEMBRE 2016
NAISSANCES DE LA MACHINE CINÉMA

  • 9h30-10h00 : Mot de bienvenue
  • 10h00-11h00 : Conférence de Douglas Trumbull
  • 11h00-11h15 : Questions du public
  • 11h15-12h00 : La stabilité et autres mythes du cinéma. Intervention de William Uricchio (MIT)
  • 12h00-12h15 : Questions du public
  • 12h15-12h45 : Interlude filmique par Jean-Pierre Verscheure

  • 12h45-14h30 : Pause déjeuner

  • 14h30-15h00 : Phototélégraphie, télévision, cinématographe sonore : une histoire hétérogène de l’avènement du parlant. Intervention d’Anne-Katrin Weber (université de Lausanne)
  • 15h00-15h30 : Les films de sable de Nag et Gisèle Ansorge. Intervention de Chloé Hofmann (université de Lausanne)
  • 15h30-16h15 : Les techniques d’animation. Dialogue entre Franck Dion (réalisateur, illustrateur) et Marcel Jean (Cinémathèque québécoise)
  • 16h15-16h30 : Questions du public
  • 16h30-17h15 : Cinema technology. Intervention de Lenny Lipton (réalisateur et inventeur)
  • 17h15-17h30 : Questions du public
  • 17h30-18h30 : Les collections techniques. Table ronde avec Marie-Sophie Corcy (CNAM), Béatrice de Pastre (CNC), Corine Faugeron (Gaumont) et Sophie Seydoux (Pathé), animée par Laurent Mannoni

  • 20h30: Projection 35 mm de Brainstorm (Douglas Trumbull, 1981), précédée d’un dialogue entre Douglas Trumbull et Gregory Wallet (université Rennes 2)

VENDREDI 2 DÉCEMBRE 2016 : PUISSANCES DE LA MACHINE CINÉMA

  • 9h30-10h00 : Les machines Aäton : histoire technique d’une production française (1971-2013). Intervention d’Alexia de Mari (université Paris 3) et Fabien Le Tinnier (université Rennes 2 / université de Lausanne)
  • 10h00-10h30 : Godard, les machines et la création-cinéma. Intervention d’Alain Bergala (La Fémis)
  • 10h30-11h15 : L’évolution des techniques de prise de son. Table ronde avec Jean-Pierre Laforce (mixeur), Erwan Kerzanet (ingénieur du son), animée par Gilles Mouëllic (université Rennes 2)
  • 11h15-11h30 : Questions du public
  • 11h30-12h30 : La post-production image d’un film. Table ronde avec Jean-Marie Dreujou (directeur de la photographie), Valérie Loiseleux (monteuse), Christian Lurin (Technicolor, directeur du pôle patrimoine), animée par Benoît Turquety (université de Lausanne)

  • 12h30-14h00 : Pause déjeuner

  • 14h00-14h30 : La Bolex H16 : une caméra paradoxale. Intervention de Nicolas Dulac (université de Montréal / université de Lausanne) et Vincent Sorrel (université de Lausanne)
  • 14h30-15h00 : Le 16 mm quitte le foyer : la Ciné-Kodak Special. Intervention de Louis Pelletier (université de Montréal) et Solène Secq de Campos Velho (université de Montréal / université Lille 3)
  • 15h00-15h30 : Les caméras numériques sont-elles révolutionnaires ? Intervention de Jean-Baptiste Massuet (université Rennes 2)
  • 15h30-15h45 : Questions du public
  • 15h45-16h00 : Projection d’un extrait de film de Nicolas Rey, Autrement la Molussie
  • 16h00-17h00 : Autrement, le cinéma : techniques et expérimentation alternatives. Table ronde avec Nicolas Rey (cinéaste expérimental) et Enrico Camporesi (historien et critique), animée par André Habib (université de Montréal) et Eric Thouvenel (université Rennes 2)
  • 17h00-17h15 : Questions du public
  • 17h15-17h45 : Interlude filmique par Jean-Pierre Verscheure

  • 20h30 : projection 70 de L’Étoffe des héros (Philip Kaufman, 1983) (salle Henri Langlois), précédée d’un dialogue entre Caleb Deschanel et Bernard Benoliel

SAMEDI 3 DÉCEMBRE 2016 : AVENIR(S) DE LA MACHINE CINÉMA

  • 10h00-11h00 : Dialogue avec Walter Murch, animé par André Gaudreault (université de Montréal)
  • 11h00-11h15 : Questions du public
  • 11h15-12h15 : Dialogue avec Caleb Deschanel, animé par Laurent Mannoni
  • 12h15-12h30 : Questions du public

  • 12h30-14h30 : Pause déjeuner

  • 14h30-15h00 : Appareils charnels et corps mécaniques. Intervention de Richard Bégin (université de Montréal)
  • 15h00-15h45 : Après le Cinémascope, le développement de Panavision. Intervention de David Kenig (Panavision)
  • 15h45-16h00 : Questions du public
  • 16h00-17h00 : Technique et industrie du cinéma aujourd’hui. Table ronde avec Baptiste Heynemann (CNC), Christophe Lacroix (Éclair), Jean-Yves Le Poulain (Angénieux), Yves Pupulin (Binocle, captation 3D), Raoul Rodriguez (Sublab Production), Pierre Zandrowicz (Okio Studio), animée par Laurent Mannoni
  • 17h00-17h30 : Mot de clôture de Laurent Mannoni et interlude filmique par Jean-Pierre Verscheure

  • 20h30 : Projection 35 mm de Conversation secrète (Francis Ford Coppola, 1972), précédée d’un dialogue entre Walter Murch et Bernard Benoliel

Source: http://www.cinematheque.fr/cycle/voyage-au-centre-de-la-machine-cinema-colloque-international-368.html

Colloque : « Passés recomposés : Le Corbusier et l’architecture française 1929-1945 » (23-24 novembre, Centre Pompidou, Paris)

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23 – 24 novembre 2016 – 14H à 19H
Petite salle au centre Pompidou
Entrée libre dans la limite des places disponibles

Un nouvel éclairage sur la position de Le Corbusier durant les années Trente et la Seconde Guerre mondiale.

Après l’exposition Le Corbusier-Mesures de l’homme qui s’est tenue du 29 avril au 3 août 2015, le Centre Pompidou et la Fondation Le Corbusier organisent un colloque pour tenter de resituer la position de Le Corbusier et de ses contemporains architectes durant les années Trente et la Seconde Guerre mondiale. Tout en mettant en valeur la complexité de cette période tant en terme politique qu’en terme culturel, il s’agira de redéfinir le rôle de ces hommes et de leur production architecturale en référence aux débats de l’époque.

Avec l’intervention de : Dominique Barjot, Rémi Baudouï, Serge Berstein, Véronique Boone, Olivier Cinqualbre, Jean-Louis Cohen, Marie-Jeanne Dumont, Tzafrir Fainholtz, Maïlis Favre, Jean-Noël Jeanneney, Mary Mc Leod, Frédéric Migayrou, Antoine Picon, Josep Quetglas, Danièle Voldman, et Nader Vossoughian.

En savoir plus : https://www.centrepompidou.fr/id/cq5EM5L/rj5MEy7/fr

Crédit : © Centre Pompidou, Mnam-Cci, Dist. RMN-Grand Palais / Gisèle Freund, reproduction de Guy Carrard
© RMN gestion droit d’auteur/Fonds MCC/IME

Colloque : « Art et Liberté (1938-1948) et modernité en Egypte : au-delà du discours postcolonial », 25 novembre 2016, Petite salle – Centre Pompidou

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25 novembre 2016, de 11h00 à 18h00

CENTRE POMPIDOU – PETITE SALLE

Entrée libre dans la limite des places disponibles.

Nourrie de travaux récents, la rencontre est dédiée au groupe Art et Liberté, collectif d’artistes à prédominance surréaliste actif au Caire entre 1938 et 1948, et à sa contribution à une nouvelle définition du surréalisme. Son langage vint bousculer le canon littéraire et pictural d’un mouvement perçu en crise d’orientation. Cette appropriation du surréalisme traduit la position centrale acquise par le groupe au sein d’un réseau fluide et multipolaire renforcé par les exodes de la Seconde Guerre mondiale. Leur internationalisme se joua des frontières physiques et politiques jusqu’à inclure une plus jeune génération de créateurs s’étant saisis du modernisme dans une perspective aussi bien locale que globale.

Continuer la lecture de Colloque : « Art et Liberté (1938-1948) et modernité en Egypte : au-delà du discours postcolonial », 25 novembre 2016, Petite salle – Centre Pompidou

Colloque « Patrimoine et patrimonialisation du cinéma depuis les années 1960 », 24-25 novembre 2016

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Patrimoine et patrimonialisation du cinéma depuis les années 1960

24 et 25 novembre 2016, de 9 h à 18 h

École nationale des chartes, salle Léopold-Delisle (Rdc)

Entrée libre dans la limite des places disponibles. Se munir d’une pièce d’identité.

Les formes et les manifestations du patrimoine cinématographique ont fortement évolué depuis les années 1960. Si de nouveaux publics ont découvert autrement les films «anciens» et ont inventé des pratiques inédites de visionnement, cette évolution amène aujourd’hui les cinémathèques et archives du film, généralement considérées comme des musées pour le cinéma, à s’interroger  sur leur identité et les frontières de leur activité.

En étudiant la mutation des lieux, des supports, des acteurs, des pratiques, qui s’est opérée depuis cinquante ans, il s’agira de dresser un état des lieux de la réflexion sur ces enjeux de patrimonialisation jusqu’à l’ère du tout-numérique et de la dissémination des écrans, tout en s’inscrivant dans un panorama international qui ménage un important espace aux récits historiques et aux pratiques de pays où archives et cinémathèques jouent un rôle important.

Organisation scientifique :

Christophe Gauthier (École nationale des chartes)Natacha Laurent (Université Toulouse Jean-Jaurès) Ophir Lévy (Université Paris 3)

Dimitri Vezyroglou (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)

PROGRAMME :

JEUDI 24 NOVEMBRE

  • 9 h Accueil des participants
  • 9 h 30 Ouverture : Michelle Bubenicek (directrice de l’ENC), Jean-Philippe Garric (directeur du Labex Cap), Philippe Dagen (directeur de l’HiCSA, Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne), Patrick Arabeyre (Centre Jean-Mabillon), Christophe Gauthier (ENC)
  • 9 h 50 Natacha Laurent (Université Toulouse Jean-Jaurès) : « Le patrimoine cinématographique est-il soluble dans le marché ? »

La constitution d’un panthéon

Modérateur : Joël Daire (Cinémathèque française)

La première thématique de ce colloque concerne les modalités d’élaboration d’un panthéon cinématographique. Quels sont, en dehors des critiques et des cinémathèques, les prescripteurs qui, depuis une cinquantaine d’années, participent à la définition des classiques, et comment interagissent ces différents agents de l’édification d’un système de références, élaboré dès les années 1920 ? Comment ce « répertoire » s’élabore-t-il et comment évolue-t-il ? Les critères de sélection, leur définition, les acteurs en présence (festivals de cinéma, congrès, nouveaux acteurs institutionnels…), les différentes relations entre ceux-ci, sont autant de thèmes qui seront abordés par les participants.

  • 10 h 20 Christophe Gauthier (ENC) : introduction
  • 10 h 35 Christophe Dupin (FIAF) : « Le congrès de la FIAF à Brighton (1978) – un “Woodstock” des archives du film ? »
  • 11 h 05 Pause
  • 11 h 20 Marie Frappat (Université Paris 3) : « La place et le panthéon : quand le festival Il Cinema ritrovato de Bologne revoit ses classiques »
  • 11 h 50 François Ede : « La restauration numérique des films : Viollet-le-Duc ou Cesare Brandi ? »
  • 12 h 20 Discussion
  • 12 h 35 Déjeuner

Quels dispositifs pour le patrimoine cinématographique ?

Modérateur : Laurent Véray (Université Paris 3)

À partir des années 1960, le patrimoine cinématographique, qui n’était jusque-là visible que dans quelques lieux clairement identifiés (les cinémathèques et les ciné-clubs), est progressivement devenu accessible grâce à d’autres dispositifs : télévision, édition vidéo, réseau de salles art et essai, festivals, et surtout « révolution numérique » qui permet le visionnement de films anciens sur des écrans individuels de taille variable (ordinateurs, tablettes, téléphones). Quelles conséquences ce processus a-t-il sur le périmètre de ce que l’on nomme « patrimoine cinématographique », sur le rôle et les missions des cinémathèques et des lieux de conservation du cinéma, sur les relations entre les différents acteurs de la « filière », sur la place de la salle de cinéma ?

  • 14 h 30 Dimitri Vezyroglou (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne) : introduction
  • 14 h 45 Evelyne Cohen (Enssib) : « Le Ciné-club d’Antenne 2 présenté par Claude-Jean Philippe – critères de sélection et programmation »
  • 15 h 15 Barbara Laborde (Université Paris 3) : « Lorsque l’École se voit disputer sa légitimité par YouTube – vers une reconfiguration de la cinéphilie en milieu scolaire »
  • 15 h 45 Discussion
  • 16 h Pause
  • 16 h 15 – Table ronde avec Aurélie Pinto (Université Paris 3), Jean-Marc Zekri
  • 17 h 30 (exploitant du Reflet-Médicis), François Causse (exploitant de la Filmothèque du quartier latin) et Dimitri Vezyroglou : « La place de l’art et essai dans la patrimonialisation du cinéma »

VENDREDI 25 NOVEMBRE

Programmer, est-ce accrocher ?

Modératrice : Sylvie Lindeperg (Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne)

La programmation a joué un rôle central dans le processus de patrimonialisation du cinéma. La diversification des propositions de programmation, qui s’est accentuée depuis une cinquantaine d’années, révèle des conceptions différentes de l’histoire du cinéma, du rôle des cinémathèques, du positionnement du cinéma par rapport à l’histoire de l’art. Qu’il s’agisse de l’engouement actuel pour les expositions de cinéma, des différentes modalités d’entrée du 7e art dans le monde des musées, ou du glissement progressif du statut du film de multiple vers l’unique, les évolutions actuelles sont une invitation à réfléchir sur ce rapprochement entre programmation et accrochage : la conception et la mise en œuvre d’une programmation de films anciens constituent-elles un geste qui pourrait s’apparenter à celui qui conduit à l’exposition d’objets d’art ? Ce geste est-il scientifique ou artistique ? Comment est-il influencé par la présence d’une collection spécifique, dont la valorisation constitue un objectif majeur ?

  • 9 h 30 Présentation introductive : Yaël Kreplak (CEMS-IMM-EHESS et Labex CAP) : « L’accrochage en perspectives – vers une écologie de l’institu- tion muséale »
  • 10 h Esteve Riambau (Filmoteca de Catalunya), Pepe Serra (Mnac) : « Pour l’amour de l’art et du cinéma. La collaboration entre la Filmo- teca de Catalunya et le Musée national d’art de Catalogne »
  • 10 h 45 Discussion
  • 11 h Pause
  • 11 h 15 Stéphanie Louis (IHTP) : « Je montre donc je suis. Programmation et identité institutionnelle »
  • 11 h 45 Alex Horwath (Österreichisches Filmmuseum), dialogue avec Nata- cha Laurent : « A Utopia of Film – Projection is Restoration »
  • 12 h 30 – Discussion
  • 12 h 45 – Déjeuner

L’expérience sensible du spectateur

Modératrice : Béatrice de Pastre (CNC)

De façon paradoxale, l’accroissement continu de la définition des écrans (téléviseurs, ordinateurs, tablettes) s’accompagne d’une grande pauvreté de la qualité technique du contenu disponible en ligne. Si bien que pour nombre de spectateurs, notamment les plus jeunes, la découverte de films sur YouTube, sur les sites de streaming ou via le téléchargement a lieu sous une forme beaucoup plus compressée et dégradée que celle du DVD (et a fortiori que celle du film projeté en salle). À cet égard, du fait de sa rareté, l’expérience de la projection pellicule tendrait même à revêtir, non sans une certaine ironie, une dimension d’« aura » que W. Benjamin ne pouvait anticiper. Doit-on en déduire, chez une partie du public, une tolérance plus grande aux mauvaises conditions de visionnage ? Le cas échéant, un tel rapport aux images, dans lequel l’immédiateté de l’accès au film prime le souci de sa qualité, induit-il une forme nouvelle de cinéphilie ? Par ailleurs, grâce aux échanges des internautes entre eux (forums, blogs), cette cinéphilie en ligne réaffirme une certaine horizontalité de l’accès à la culture cinématographique, loin de la verticalité éditoriale d’un programmateur de cinémathèque ou d’une chaîne télévisée.

  • 14 h Ophir Lévy (Université Paris 3) : introduction
  • 14 h 15 Pierre-Olivier Toulza (Université Paris-Diderot) : « Évaluer les musi- cals de Gene Kelly : les jugements des spectateurs des previews des années 1950 »
  • 14 h 45 Jean-Marc Leveratto (Université de Lorraine) : « Déterritorialisation et reterritorialisation du spectacle cinématographique – les usages cinéphiles d’Internet »
  • 15 h 15 Discussion
  • 15 h 30 Pause
  • 15 h 45 Pascale Ferran : « LaCinetek, un nouvel outil pour les cinéphiles ? »
  • 16 h 15 – Conférence conclusive par Paolo Cherchi Usai (George Eastman 17 h House) : « Lindgren Manifesto, 10e partie : le patrimoine cinémato- graphique vu par le spectateur distrait »

Source: http://labexcap.fr/evenement/patrimoine-et-patrimonialisation-du-cinema-depuis-les-annees-1960/