Appel à communication : « Art & Activism: Resilience Techniques in Times of Crisis » (jusqu’au 31 mai 2017)

Dates et lieu du colloque : 13-15 décembre, Leyde.

Hosted by the Research Center for Material Culture of the Volkenkunde Museum (National Museum of World Cultures)

Abstracts due: 31 May 2017 (300 words + bibliography of 3-5 key sources + short bio note). Notification by: 1 July 2017

Send to: artandactivismcon@gmail.com

Confirmed Keynotes:
T.J. Demos (University of California Santa Cruz) and Susan Cahan (Yale University)

The conference Art & Activism aims to understand the force of art to engage and express political sentiment. At the heart of any art that can be called activist is a firm revolutionary belief in the possibility of societies reforming and improving. Behind its obvious involvement with present issues and concerns, activist art is always oriented to shaping an ameliorated future. This public role is not uncontested. The arts are (perpetually) under attack. A sense of crisis, moreover, is widely felt among contemporary artists and activists, who experience precarity, marginalization, and vulnerability on a daily basis and may put their bodies on the line. The idea of crisis, both in the arts and in society, has been widely articulated by scholars and critics. This interdisciplinary conference aims to create a space in which participants from scholarly, artistic and activist backgrounds can learn from and collaborate on a horizontal plane.

It specifically invites contributions that scrutinize, assess and critique resilience techniques; technologies, technics and tools developed by individuals and groups in the form of material and/or knowledge practices that are developed to cope with (structural) crises. Resilience articulates more than simply a state of being, faculty or habit; it refers to an active ability to rebound and spring back from deforming forces, to recompose oneself and rebuild what has been destroyed or put under pressure. When we argue that the arts can contribute to and help build up civil and political resilience, resilience also points towards an element of civil, aesthetic and political ‘elasticity’.  The arts are a site where activist strategies and techniques can be developed and performed by fostering the imagination into new modes to “resist!” but also to “persist!”

List of possible topics:

  • Why have there been no great [x] artists? The legacy of feminist art historical critique in an intersectional and transnational framework
  • A Resilience Studies? Resilience in the context of shock and disaster capitalism in (post)modernity; Relational resilience as “supported vulnerability” (Judith V. Jordan); Artistic research into resilience techniques (somatechnics)
  • Affective politics: Artistic and cultural practices of reparations, reconciliation and redressive gestures; Infrastructures of Feeling (Raymond Williams); Cruel Optimism and Intimate Publics (Lauren Berlant)
  • Whose lives matter? Material practices of collecting in the scope of colonialism and war with attention to bio- and necropolitics in art world wide
  • Structural inequality in the arts industrial complex; Genealogies of particular social movements and artistic movements working together

We particularly encourage attention to the resilient voices in the “subaltern discourses” of Indigenous, Protest and Anti-globalization Practices; Post-Black Art; Bio-Art; Disability Arts; Trans* Cultural Production, and Migrant Aesthetics.

N.B. The conference venue is equipped for ramps and an elevator for people with mobility issues, wheelchair users, and equipment for visually impaired people. Sign language interpreters can be requested with at least one-month notice.

The conference program will run from Wednesday afternoon to Friday afternoon to accommodate those who need to travel to Leiden.

Registration fee for 3 days: €60,- (regular), €15,- (unwaged/students)

Conference organizers: Eliza Steinbock, Bram Ieven, Rob Zwijnenberg, Kitty Zijlmans(Leiden University Center for the Arts in Society) and Marijke de Valck (Utrecht University) with Mir Marinus (research assistant) and Ángela Caceres Tena, Marta García (interns)

Advisory board: Wayne Modest (Research Center for Material Culture, Free University Amsterdam), Janneke Wesseling (Leiden Academy of Creative and Performing Arts), Eugene van Erven (Utrecht University ), Jeroen de Kloet (University of Amsterdam)

 

Colloque : « Imagination » (Genève, MAMCO, Université de Genève, 8-12 mai 2017)

Dates et lieux du colloque : 8-12 mai 2017, Genève, Musée d’Art Moderne et Contemporain (MAMCO) et Université de Genève

La XVe École de Printemps organisée par le Réseau International de Formation en Histoire de l’Art, se déroulera à l’Université de Genève du 8 au 12 mai 2017 et portera sur l’imagination. L’École permettra aux doctorants et post-doctorants de spécialisations et d’horizons divers de partager leurs recherches, leurs approches et leurs expériences dans un forum au cours duquel ils coopèreront avec des chercheurs avancés. Les programmes des précédentes Écoles de Printemps se trouvent sur le site www.proartibus.net.

PROGRAMME  Continuer la lecture de Colloque : « Imagination » (Genève, MAMCO, Université de Genève, 8-12 mai 2017)

Journée d’études : « Littérature, peinture, danse XVIIIe-XXe s.», (Paris, Université Sorbonne Nouvelle, 22 mai 2017)

Date et lieu de la journée d’études :

Lundi 22 mai 2017

Paris, Université Sorbonne Nouvelle, site Censier (13, rue Santeuil), salle 410 (au 4e étage du bâtiment A)

Organisée par : Nathalie Kremer (Université Sorbonne Nouvelle) & Edward Nye (Oxford, Lincoln College)

Littérature, peinture, danse, musique, statuaire : à première vue, cette journée d’études rassemble des propos hybrides, où l’on perçoit mal une unité  thématique autre que celle de la diversité des genres artistiques. S’ajoute à cela la large – trop large ? – périodicité qui s’étend sur deux siècles, du XVIIIe au XXe siècle. Cette hétérogénéité s’écarte clairement de l’usage qui veut que les rencontres scientifiques soient centrées sur des sujets très précis, éclairés sous toutes leurs facettes grâce à l’ensemble des études rassemblées.

C’est pourtant bien cette diversité que les organisateurs ont recherchée dès le lancement de l’appel à contributions à cette journée. Il s’agit en effet de tâcher de comprendre la spécificité d’un art en particulier, la danse, dans toute sa richesse générique et structurelle, à partir de la multiplicité des éclairages qu’on peut en proposer. En effet, en s’interdisant de se limiter à une seule période précise de l’histoire et en privilégiant le rapport interartistique entre la danse et les autres arts, les organisateurs ont voulu aborder de front à la fois l’historicité d’un art, dans son développement du XVIIIe au XXe siècle, et le propre du genre, dans ce qu’il a de spécifique par rapport aux autres arts.

La question qui sous-tend l’ensemble est, plus précisément, comment le paradigme de l’imitation encore en cours au XVIIIe siècle a pu générer une approche esthétique moderne. La séance « Modernité de l’imitation » interroge directement cette question, en étudiant le passage d’une esthétique imitative à moderne. Parallèlement, on se demandera si l’on peut appréhender la danse sans prendre en compte les autres arts dans leur différence générique. En effet, la danse ne s’est pas constituée de manière autonome, mais toujours en rapport avec la musique et l’art dramatique. Le partage théorique lessingien entre arts de la parole et arts plastiques est ainsi mis à mal par la pratique, et c’est bien là l’enjeu qui sous-tend la séance « Quand les arts entrent en scène », où est définie la spécificité d’une esthétique imitative face à celle d’une esthétique moderne.

Cette question de la spécificité de l’art est-elle toutefois séparable de la réception des œuvres ? La première séance de la journée, qui interroge les différentes façons de « libérer l’image » porte sur l’usage des arts, au sens large de l’effet émotif que l’œuvre produit sur le récepteur, autant que du libre investissement sémantique de l’œuvre par celui-ci. À travers les exemples de la redéfinition de la musique au XVIIIe siècle, ou des statuettes-portraits de danseuses au XIXe qui concourent à créer des légendes, les arts se ‘libèrent’ d’un fonctionnement imagé. D’autre part, le rapport interartistique ne concerne pas seulement la réception, il peut aussi, de manière significative, déterminer le pôle de la création littéraire lorsqu’elle se nourrit explicitement du « détour par la danse », comme le mettra en lumière la dernière séance de la journée.

Entre imitation et expression, c’est donc bien la spécificité de l’art de la danse qui sera interrogée, tant à travers le rapport interartistique qu’à travers son développement historique. Tout le propos de la journée, en somme, sera de se demander de quoi est capable la danse…

Programme :

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Colloque : « Pratiques artistiques et tabous » (du 21 au 23 avril 2017, Hammamet, Hotel Phenicia)

PRATIQUES ARTISTIQUES ET TABOUS

  • LIEU : Hotel Phenicia Hammamet, Tunisie ;
  • DATES : 21-22-23 Avril 2017

Programme du colloque

Vendredi 21 Avril 2017
11h30: Arrivée à l’hôtel et logement
12h30 : Déjeuner

  • 13h45 -14h00: Ouverture du colloque

Allocution du directeur de l’Institut Supérieur des Beaux-Arts de Tunis.
Présentation du colloque par la responsable de l’Unité de recherche.

  • 14h00-15h00 : Conférence inaugurale:  Yves MICHAUD : Tabous et transgressions aujourd’hui : un défi pour les artistes.
  • Débat.

15h00-16h20: Première séance

Modérateur: Nadia JELASSI

  • 15h00-15h20: Sarra KOUBAGI (Université de Tunis): C’est quoi un tabou ? Une réflexion sur l’analyse foucauldienne des interdits.
  • 15h20-15h40: Moez SAFTA (Université de Tunis): Digressions sur l’art comme réconciliation avec l’inquiétante étrangeté.
  • 15h40-16h00: Emile GARCIA GUILLEN (Université libre de Bruxelles): L’art, le sacré et la puissance des images : trois affaires et un malentendu.
  • 16h00-16h20:Débat

16h20-16h40: Pause-café

16h40-18h30:Deuxième séance

Modérateur : Nizar MOUAKHAR

  • 16h40-17h00: Moufida GHODHBANE (Université de Carthage): Le tabou: frontières à affronter et à franchir.
  • 17h00-17h20: Martine LACAS (Ecole des Hautes études en Sciences Sociales): Le « rien » tabou de la représentation : du voile et de ses substituts en peinture.
  • 17h20-17h40: Houda FARTOUNA (Université de Tunis): « Coupable de normalisation » : le west-Eastern Divan Orchestra une alternative à contre-courant
  • 17h40-18h00: Moez KEFI (Université de Tunis): Le tabou : un outil de promotion atypique de la musique tunisienne contemporaine.
  • 18h00-18h30: Débat

19h30: dîner

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Colloque international : « Dakar : scènes, acteurs et décors artistiques. Reconfigurations locales et globales ? » (27-28 avril 2017, Paris, INHA, salle Vasari) 

Dates et lieu du colloque : 27-28 avril 2017, salle Vasari, Institut National d’Histoire de l’Art (2 rue Vivienne, 75002 Paris)

L’objet du colloque est d’interroger les pratiques des artistes à Dakar face aux questions soulevées par la globalisation, de scruter leur rapport au public ainsi qu’à la ville, conçue comme un carrefour stratégique. Son ambition est d’ouvrir de nouveaux territoires aux investigations tant sociologiques, économiques,
politiques qu’esthétiques (simultanément ou séparément), d’identifier de nouveaux paradigmes pour avancer une réflexion critique relativement aux expositions, aux institutions, aux discours artistiques mais aussi aux acteurs qui concourent aux manifestations artistiques (créateurs, critiques d’art, journalistes, commissaires d’expositions…). Autant d’interventions qui ont des implications dans la réception de l’art contemporain caractérisée par des modes ritualisés d’exposition ; l’extraordinaire développement des biennales et des cultures spécifiques qui leur sont associées ; la professionnalisation continue du métier de commissaire d’exposition que revendique l’artiste lui-même. Continuer la lecture de Colloque international : « Dakar : scènes, acteurs et décors artistiques. Reconfigurations locales et globales ? » (27-28 avril 2017, Paris, INHA, salle Vasari) 

Appel à communication : « David Lynch et les arts. David Lynch, artistic interactions » (jusqu’au 13 février 2017)

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  • DATE LIMITE : 13 FÉVRIER 2017
  • : DÉCEMBRE 2017, BORDEAUX, UNITÉ DE RECHERCHE CLARE, CENTRE ARTES

Depuis son premier long-métrage, Eraserhead (1977), David Lynch s’est imposé dans le paysage cinématographique comme l’un des réalisateurs contemporains les plus novateurs et les plus intrigants. Mais, à la reconnaissance de cette activité dans le domaine cinématographique, s’est peu à peu ajoutée la découverte de l’exploration entreprise par Lynch d’autres domaines artistiques, commencée avant même la réalisation filmique dans le cadre de ses études d’Arts plastiques, et menée en parallèle et souvent en interconnexion avec son travail de réalisateur de films de fiction : peinture, dessin, musique, sound design, photographie, réalisation de séries télévisées ou de vidéo-clips, céramique, lithographies, bande dessinée, web-documentaire, etc. Lynch n’ayant plus réalisé de long-métrage de fiction depuis Inland Empire, en 2006, ces différentes activités ont peut-être retenu l’attention plus encore ces dernières années. Pensons notamment en France à l’exposition « The air is on fire », consacrée à son travail plastique et de design sonore à la Fondation Cartier, en mars 2007.

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Appel à communications : « Pratiques artistiques et tabous », Université de Tunis et Institut Supérieur des Beaux-Arts de Tunis, 21-22-23 avril 2017 (jusqu’au 15 janvier 2017)

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Colloque, Université de Tunis – Institut Supérieur des Beaux-Arts de Tunis

Unité de recherche : Pratiques artistiques modernes en Tunisie
Resumé :

De par son origine et son histoire même, le terme tabou s’inscrit en premier lieu dans le large champ de l’anthropologie. Il se donne à comprendre comme une pratique sociale condensant à la fois interdit, impureté et sacré. Selon les usages et les moeurs, sa mise en oeuvre se traduit le plus souvent par des injonctions réglementées proscrivant de toucher à la chose tabouée. Dans ce sens, l’exercice social du tabou peut peser non seulement sur la personne, son corps, ses gestes, sa parole mais peut également façonner, réglementer, déterminer son mode de vie, voire mettre fin à sa vie. Intégré dans les contes, illustré par des images, véhiculé par plusieurs médiums, le tabou se transmet d’une génération à une autre, assurant ainsi sa survie et sa faculté à réglementer les liens sociaux. Continuer la lecture de Appel à communications : « Pratiques artistiques et tabous », Université de Tunis et Institut Supérieur des Beaux-Arts de Tunis, 21-22-23 avril 2017 (jusqu’au 15 janvier 2017)

Appel à publication : « Le végétal », catalogue d’exposition (jusqu’au 23 novembre 2016)

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  • DATE LIMITE : 23 novembre 2016
  • DATE DE REMISE DES TEXTES : fin décembre 2016

Dans le cadre de sa triennale d’art contemporain « April Dapsilis », qui portera cette année sur « Le Végétal », la Galerie Le point Fort désire éditer un catalogue faisant état de l’actualité de la recherche à ce sujet, qui approfondira les questions relatives à la place et aux acceptations possibles de la notion de « végétal » dans l’art contemporain.

Si la Nature fut, plusieurs siècles durant, enjeu de l’invention mimétique et de la sublimation du réel tout à la fois, et en tant que telle modèle idéel des Beaux-Arts, sa position, à l’aune du XXIe siècle, reste à définir. L’abandon des académismes au siècle dernier, tout comme l’arrivée de nouveaux matériaux dans le champ de l’art, ont remis en question le modèle en place et fait vaciller ses certitudes.

Quelle pertinence et quel rôle le végétal, au sens large, peut-il encore prendre dans l’art d’une société industrielle, voire post-industrielle ? Que peut-il nous en dire ? La Nature, facteur d’ordre et de beauté picturale, n’était-elle pas comprise dans un sens contraire à son essence végétale, même lorsqu’elle touche au Sublime ? L’ampleur prise par Internet nous invite à penser en réseau, créant une nouvelle forme d’intelligence ; qu’en est-il des feuilles, végétaux, fleurs, quelle place occupent-ils encore dans ce nouveau système ? De l’utilisation du végétal en tant que matière même, transformée ou non, dans l’art contemporain à l’adoption de modèles envahissants et rhizomatiques faisant échos à sa véritable Nature, l’art en envisage aujourd’hui de multiples approches.

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Cycle de séminaires : « Le corps et ses corpus : jeu et rejeu d’archives, œuvres disparues et création contemporaine » (de mars à décembre 2016, Archives nationales, Paris)

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De 17h à 19h, Ministère de la Culture, Salle Colette, 7e étage, 182, rue Saint-Honoré, 75001 Paris

Entrée libre, pensez à vous munir d’une pièce d’identité. Contact : clothilde.roullier@culture.gouv.fr

Le programme « Replay, restitution, recréation… Pour une typologie de la reprise des archives » se propose de mettre en regard les archives des œuvres disparues et celles qui animent ou justifient une part de la création contemporaine. En s’attachant à la place du corps dans l’œuvre, de la statuaire à la chorégraphie, il s’agit d’interroger en premier lieu la manière dont les supports documentaires, destinés à faire « archives », interviennent ou non dans le processus de fabrication, de commande et de réception des œuvres. Les intervenants, universitaires, artistes, critiques ou conservateurs, seront invités à réfléchir à ces problématiques en mettant en regard leurs propres travaux avec le corpus d’archives établi à l’occasion de ce programme de recherche, qui rassemble des descriptions de documents provenant des Archives nationales, du CNAP, du CNDC et de l’ENSAPC, portant la trace d’œuvres disparues de différentes façons (destruction physique, œuvre performée…).

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Appel à publication : « Après le paysage : l’art, l’inscription et la représentation de la nature en Amérique latine aujourd’hui », revue Artelogie (jusqu’au 30 septembre 2016)

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  • DATE LIMITE : 30 SEPTEMBRE 2016

Les représentations artistiques de la nature en Amérique latine rendent compte d’une construction culturelle tempérée par les processus de la colonisation européenne depuis le XVe siècle et de sa formalisation ultérieure, en tant qu’états modernes, depuis le début du XIXe. Les images de sites naturels et culturels produites dans cette période représentent une expérience, directe ou différée, des artistas, principalement étrangers, qui ont contribué à créer un imaginaire déterminé par l’exotisme, la végétation luxuriante, le sublime ou encore le pittoresque. La perception de la nature prend forme à partir des modèles esthétiques de la tradition européenne, mise en tension, en dialogue ou en combinaison, avec les cultures locales. De cette manière, ils conforment des modèles épistémologiques (esthétiques et scientifiques) pour s’approprier de la réalité particulière à ces régions.

Depuis une position de critique postcoloniale, ils ont vu le jour, au cours des dernières années, des œuvres d’art et des études de réinscription historique, dans lesquelles se révèle la fonction potentiellement colonisant, des représentations visuelles de la nature américaine produites par (et en principe aussi pour) le regard européen . Ces travaux critiques ont détecté les dislocations et les interférences esthétiques que la rencontre entre l’Europe et l’Amérique déclenchait dans les deux sens, transformant de façon décisive la relation des sujets avec l’environnement naturel.

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Appels à communication : « La reproduction des images et des textes » (jusqu’au 31 aout 2016)

iawis_aiertiEn choisissant pour thème la question de « La reproduction des images et des textes », le onzième colloque international de l’AIERTI souhaite explorer l’impact de la reproduction (de la reproductibilité) sur la création artistique et littéraire, ainsi que sur les constructions textuelles et visuelles de la connaissance dans les sciences humaines.

Les conceptions et les usages de la reproduction/reproductibilité ont subi des transformations majeures au cours des deux derniers siècles avec la diffusion des pratiques d’impression, de la photographie et des techniques informatiques. En remontant dans le temps, l’essor de l’imprimerie et des techniques de gravure à la Renaissance ont créé des ruptures majeures dans les cultures visuelles et textuelles par rapport à la pratique de la copie médiévale. Continuer la lecture de Appels à communication : « La reproduction des images et des textes » (jusqu’au 31 aout 2016)

Colloque : « Repenser le médium. Matière, technique et transmission dans l’art contemporain et le cinéma » (22,23, et 24 juin, INHA, Paris)

 

Le développement dans l’art contemporain de pratiques artistiques se situant à la croisée de plusieurs médiums (intermedia, mixed media, multimedia) ou ayant recours aux « nouveaux médias », tout comme, dans le domaine du cinéma, le passage de l’argentique au numérique et l’apparition de nouveaux dispositifs et formes de captation, manipulation, visionnement et archivage des images en mouvement, ont précipité la nécessité de repenser ce qu’est un médium. Continuer la lecture de Colloque : « Repenser le médium. Matière, technique et transmission dans l’art contemporain et le cinéma » (22,23, et 24 juin, INHA, Paris)

Appel à communication : « Images de Guerres au XXe s., du cubisme au surréalisme » (jusqu’au 3 juin 2016)

 

Images de Guerres au XXe s., du cubisme au surréalisme

12 novembre 2016, Nagoya University, Japon

Au XXème siècle, confrontés à la réalité des guerres, artistes, poètes, écrivains, photographes et cinéastes de divers mouvements artistiques comme le cubisme, le vorticisme, le dadaïsme, le constructivisme ou le surréalisme ont représenté les images des guerres qu’ils ont vécues, dans une oscillation entre figuration et abstraction, subjectivité et objectivité, conscience et inconscience, réalisme et fantasme.

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Appel à communication : « Scène, corps et mémoires. Les arts à l’épreuve du souvenir » (jusqu’au 30 mai 2016)

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DATE LIMITE : 30 MAI 2016

DATE ET LIEU : 22 JUIN 2016 A L’UNIVERSITE D’ARTOIS-ARRAS

Le séminaire doctoral Scène, corps et mémoires est organisé par l’équipe de recherche « Praxis et Esthétique des arts », du laboratoire Textes et Cultures  EA-4028  de l’Université d’Artois. La journée d’étude que nous nous proposons d’organiser le 22 juin 2016, s’inscrit dans le cycle de manifestations scientifiques consacrées à la thématique du « Corps, figure, représentation » organisées par notre équipe de recherche.

Cette journée du 22 juin 2016 propose d’interroger les multiples relations qui se tissent entre corps et mémoires dans différents types de créations scéniques contemporaines (théâtre, danse et performance). Arts de l’instant, il n’en reste pas moins que ces processus s’appuient souvent sur le croisement d’une présence effective de l’interprète (acteur, danseur, performeur) avec les traces d’un passé que cette présence signale corporellement. Dans ces démarches, le passé colore le présent et les corps se font tribune.

Comment la création contemporaine, par le travail des corps, rend-elle compte du travail de la mémoire et de ses conséquences sur les individus, les collectifs ou la création elle-même ?

À travers les communications qui composeront cette journée, il s’agira donc de questionner la pluralité comprise dans la notion de mémoire depuis le point de vue des corps. On limitera cependant cette pluralité des acceptions à deux catégories de mémoire : la mémoire individuelle (le trajet personnel et singulier d’un sujet pensant et agissant) et la mémoire collective (les récits plus ou moins établis par lesquels un groupe social se construit une identité historique commune).

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Hors pistes 2016 : « L’activisme dans l’art » (5 mai 2016, Centre Pompidou, Paris)

hors pistes

Dans le cadre du cycle de conférences et de rencontres du Festival Hors pistes, le Centre Pompidou propose d’ « Exposer la recherche en Art  » / La conférence : « L’activisme dans l’art » aura lieu le  5 mai 2016, à 19h00 (1h30), dans la Petite salle du Centre Pompidou, Paris.

Entrée libre dans la limite des places disponibles

Comment réagir à travers une approche culturelle et artistique aux enjeux d’une société de plus en plus perturbée sur le plan écologique ? Comment la recherche scientifique peut-elle être valorisée par des projets d’art contemporain ? Et de quelle manière les artistes et les institutions culturelles contribuent-ils à la résolution des problématiques liées à l’écologie et l’environnement ? C’est par une approche de l’artiste activiste et de son entourage (institutions, associations, chercheurs) que nous tentons de comprendre et de cerner le rôle de l’activisme écologique dans l’art et dans la société contemporaine.

Cette conférence est organisée dans le cadre d’une collaboration entre les élèves de l’Université Paris 1 et les élèves de l’École d’arts de Cergy, dans le cadre d’une série de conférences sur le thème « Exposer la recherche en art », Université Paris 1 – M2 Sciences et techniques de l’exposition/UMR ACTE/École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy

Avec Loïc Fel, co-fondateur de l’association COAL, un collectif travaillant sur les questions conjointes de l’art et de l’environnement, et Jorge Orta, artiste pluridisciplinaire argentin.
Rencontre animée par les étudiants Renata Bellanova, Pietro Della Giustina et Firouzeh Saghafi