Appel à communication : « Art & Activism: Resilience Techniques in Times of Crisis » (jusqu’au 31 mai 2017)

Dates et lieu du colloque : 13-15 décembre, Leyde.

Hosted by the Research Center for Material Culture of the Volkenkunde Museum (National Museum of World Cultures)

Abstracts due: 31 May 2017 (300 words + bibliography of 3-5 key sources + short bio note). Notification by: 1 July 2017

Send to: artandactivismcon@gmail.com

Confirmed Keynotes:
T.J. Demos (University of California Santa Cruz) and Susan Cahan (Yale University)

The conference Art & Activism aims to understand the force of art to engage and express political sentiment. At the heart of any art that can be called activist is a firm revolutionary belief in the possibility of societies reforming and improving. Behind its obvious involvement with present issues and concerns, activist art is always oriented to shaping an ameliorated future. This public role is not uncontested. The arts are (perpetually) under attack. A sense of crisis, moreover, is widely felt among contemporary artists and activists, who experience precarity, marginalization, and vulnerability on a daily basis and may put their bodies on the line. The idea of crisis, both in the arts and in society, has been widely articulated by scholars and critics. This interdisciplinary conference aims to create a space in which participants from scholarly, artistic and activist backgrounds can learn from and collaborate on a horizontal plane.

It specifically invites contributions that scrutinize, assess and critique resilience techniques; technologies, technics and tools developed by individuals and groups in the form of material and/or knowledge practices that are developed to cope with (structural) crises. Resilience articulates more than simply a state of being, faculty or habit; it refers to an active ability to rebound and spring back from deforming forces, to recompose oneself and rebuild what has been destroyed or put under pressure. When we argue that the arts can contribute to and help build up civil and political resilience, resilience also points towards an element of civil, aesthetic and political ‘elasticity’.  The arts are a site where activist strategies and techniques can be developed and performed by fostering the imagination into new modes to “resist!” but also to “persist!”

List of possible topics:

  • Why have there been no great [x] artists? The legacy of feminist art historical critique in an intersectional and transnational framework
  • A Resilience Studies? Resilience in the context of shock and disaster capitalism in (post)modernity; Relational resilience as “supported vulnerability” (Judith V. Jordan); Artistic research into resilience techniques (somatechnics)
  • Affective politics: Artistic and cultural practices of reparations, reconciliation and redressive gestures; Infrastructures of Feeling (Raymond Williams); Cruel Optimism and Intimate Publics (Lauren Berlant)
  • Whose lives matter? Material practices of collecting in the scope of colonialism and war with attention to bio- and necropolitics in art world wide
  • Structural inequality in the arts industrial complex; Genealogies of particular social movements and artistic movements working together

We particularly encourage attention to the resilient voices in the “subaltern discourses” of Indigenous, Protest and Anti-globalization Practices; Post-Black Art; Bio-Art; Disability Arts; Trans* Cultural Production, and Migrant Aesthetics.

N.B. The conference venue is equipped for ramps and an elevator for people with mobility issues, wheelchair users, and equipment for visually impaired people. Sign language interpreters can be requested with at least one-month notice.

The conference program will run from Wednesday afternoon to Friday afternoon to accommodate those who need to travel to Leiden.

Registration fee for 3 days: €60,- (regular), €15,- (unwaged/students)

Conference organizers: Eliza Steinbock, Bram Ieven, Rob Zwijnenberg, Kitty Zijlmans(Leiden University Center for the Arts in Society) and Marijke de Valck (Utrecht University) with Mir Marinus (research assistant) and Ángela Caceres Tena, Marta García (interns)

Advisory board: Wayne Modest (Research Center for Material Culture, Free University Amsterdam), Janneke Wesseling (Leiden Academy of Creative and Performing Arts), Eugene van Erven (Utrecht University ), Jeroen de Kloet (University of Amsterdam)

 

Colloque : « Avant-gardes poétiques et artistiques hier et aujourd’hui. Une invention européenne » (Paris, Université Paris-Sorbonne, Bibliothèque polonaise, Inalco, 12-13 mai 2017)

Dates et lieux du colloque :

Vendredi 12 mai : – matin (9h-13h) : Maison de la Recherche, Université Paris-Sorbonne, 28 rue Serpente, 75006 Paris

-après-midi (15h-19h30) : Bibliothèque polonaise (6, quai d’Orléans, 75004 Paris)

Samedi 13 mai (9h-19h30) : Inalco, Amphi 5 (65, rue des Grands Moulins, 75013 Paris)

Le dernier film d’Andrzej Wajda, Les fleurs bleues (2016), dédié à la figure de Władysław Strzemiński, invite à s’interroger sur le destin des avant-gardes artistiques. Que sont- elles devenues près d’un siècle plus tard ? Les mots « futurisme » ou « constructivisme» signifient-ils encore quelque chose pour nous ?

Organisé dans le cadre de 2017, Année des avant-gardes en Pologne, associé à des expositions ou à des présentations en ligne, ce colloque se donne pour objectif d’articuler les rappels historiques à une réflexion sur la dynamique conceptuelle d’œuvres et d’idées dont on interrogera les prolongements possibles à notre époque.

Nos débats seront l’occasion d’évoquer les grandes figures centre-européennes de ce mouvement, mais aussi d’explorer les liens entre avant-gardes et «modernisme» et leurs correspondances avec les arts, c’est-à-dire la pluralité des supports employés par des artistes avides de faire correspondre leur pratique aux mutations de notre monde.

Comité scientifique :

Piotr BIŁOS
Maria DELAPERRIERE Agnieszka KARPOWICZ Pawel RODAK Catherine SERVANT

Nous remercions le Musée d’Art de Lódź de nous avoir aimablement autorisés à reproduire sur notre programme l’œuvre de Henryk Berlewi Mechanofaktura biało-czerwono-czarna, 1924.

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Appel à communication: Le corps en faillite : expériences et représentations du handicap dans la littérature et les arts (jusqu’au 15 mai 2017)

Colloque international interdisciplinaire, 20 et 21 octobre 2017

Université Jean Monnet, Saint-Etienne (CELEC) & Université Jean Moulin – Lyon 3 (IETT)

Ce colloque sera consacré à l’expérience et à la représentation du handicap dans la littérature et les arts. Que l’on pense au membre paralysé ou amputé, à la déficience visuelle ou mentale, à l’estropié de guerre ou à l’accidenté de la route, on ne peut que souligner la profonde fascination qu’a suscité le corps en faillite dans la sphère artistique comme dans l’imaginaire populaire. Hors-norme et littéralement extraordinaire, il paraît cependant résister tant à la représentation qu’à l’interprétation, les enjeux qu’il a pu soulever ayant souvent été limités par une vision qui l’a réduit à une version diminuée du « corps normal ». Par ailleurs, puisque l’idéal du « corps sain dans un esprit sain » a longtemps prévalu, le corps handicapé a souvent été présenté comme le symptôme d’une faute morale ou la manifestation physique d’un mal ontologique, approche qui l’a cantonné à une lecture métaphorique ou allégorique.

Ce n’est qu’au milieu des années 1980 que l’attention critique nouvelle suscitée par la   question du handicap en renouvelle les enjeux, alors que les disability studies se constituent en Amérique du Nord comme champ disciplinaire à part entière. En France, ce n’est que très récemment que la question a commencé à soulever un intérêt critique. Au croisement des notions de gender, race et class, ce champ d’étude a activement contribué à enrichir un dialogue interdisciplinaire autour de la question de l’identité. Cette visibilité nouvelle a permis de repenser l’approche du handicap, en cessant de l’envisager sous l’angle de la déficience et de la carence.

Les disability studies ont en effet replacé le sujet handicapé au cœur de la réflexion et l’ont débarrassé des stigmates qui ont longtemps pesé sur lui, notamment en réarticulant le rapport entre le normal et le pathologique. Ce travail a permis de mettre au jour un autre rapport au monde et à soi, d’identifier les stratégies par lesquelles celui-ci transcende les limites que son corps lui impose, tant dans la vie quotidienne que dans la pratique artistique. C’est dans cette perspective que nous nous proposons d’interroger les figures du corps handicapé dans les productions littéraires, cinématographiques, culturelles et artistiques, dans le monde anglo-saxon et au-delà.

Tout d’abord, le handicap est une expérience qui implique bien souvent la construction d’un récit et nous souhaitons prêter une attention toute particulière aux formes narratives qu’il adopte et adapte. Le handicap suscite inévitablement un récit : le membre manquant, le corps paralysé ou l’altération cognitive impliquent le besoin de rendre compte de ce qui en est à l’origine. Ce récit, constamment remodelé au fil du temps et au gré des contextes, permet à l’individu de se libérer des discours institutionnels et du langage médical ainsi que de se (re)construire grâce à la force génératrice du récit qu’il produit. Il dépasse ainsi l’expérience traumatique et se réapproprie une identité qu’il a lui-même façonnée. Le handicap a ainsi contribué à redéfinir les genres et les formes narratives, du comique au tragique. Se pose alors un double questionnement sur les fonctions diégétiques du sujet handicapé et les stratégies narratives à l’œuvre dans ces récits. La représentation du handicap opère en effet une réarticulation du rapport à l’espace (limite / immobilité / confinement) et au temps (durée, ressassement, projection), du rapport à soi (acceptation, négation) et à l’autre (dépendance, perception), du rapport au langage et à la création.

Par ailleurs, l’expérience du handicap induit souvent un renouvellement des pratiques artistiques qui exploite toutes les possibilités créatrices qu’offrent le geste maladroit, la parole qui achoppe et le corps vulnérable. On ne peut donc limiter le handicap aux stratégies de compensation et de réparation visant à combler les défaillances qu’il implique. La prothèse, par exemple, ne relève pas d’une simple substitution ou d’une imitation (de l’organe défaillant ou du membre manquant), mais d’une association entre corps et technologie qui déterritorialise la sphère de l’humain et en améliore les performances. Ce qui ne peut se faire ou se dire trouve ainsi des canaux d’expression détournés et donne naissance à des formes et des pratiques inédites.

Si une poétique du handicap ne peut se satisfaire d’une simple célébration des dysfonctionnements, des déficiences et des défaillances du corps humain, peut-elle se soustraire à l’opposition binaire entre manque et excès, impuissance et surpuissance ? De la même façon, comment échapper à la double impasse de l’exhibition ou de l’invisibilité, de la répulsion ou de la sublimation, de la stigmatisation et de l’idéalisation ? Puisque le corps handicapé ne se conforme pas aux codes esthétiques, dans quelle mesure, artistes, cinéastes et écrivains réarticulent-ils notre rapport au beau et au laid ? Se pose alors la question des affects et du malaise que suscite le corps handicapé. Il s’avère alors crucial d’analyser le bouleversement qu’il opère dans l’expérience sensible, les affects singuliers qu’il met en jeu et la différence irréductible qu’il représente. L’expérience cognitive générée par le handicap ouvre à toute une série d’expériences esthétiques inédites et le pouvoir de la fiction se retrouve au service d’une construction identitaire bâtie sur une autre relation au temps, à l’espace et au corps. Le repérage de ces formes et des possibilités qu’elles offrent participe à la compréhension et à la transformation des représentations collectives du handicap.

Nous sollicitons notamment des propositions sur les axes suivants :

– corps handicapé et technologie

– handicap moteur / psychique et les limitations de la perception

– le handicap et ses ressorts tragiques / comiques

– récits du handicap et (re)construction de l’identité

– le personnage handicapé comme héros / personnage secondaire

le handicap au cœur de la pratique artistique

– les handicaps et les arts corporels / visuels

– la réception des disability studies en France et ses questionnements liés à la terminologie

– la relation handicapé / valide

– vieillesse et handicap

– handicap, genre et sexualités

 

Les propositions de communication (300 mots) sont à envoyer à Pierre-Antoine Pellerin (pierre-antoine.pellerin@univ-lyon3.fr) et Sophie Chapuis (sophie.chapuis@univ-st-etienne.fr) avant le 15 mai 2017.

 

Bibliographie sélective

Couser, Thomas G. and Thomas Griffith, Signifying Bodies: Disability in Contemporary Life Writing, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2009.

Davis, Lennard J., Bending over Backwards: Disability, Dismodernism and Other Difficult Positions, New York: New York University Press, 2002.

Eco, Umberto (dir.), Histoire de la laideur, Flammarion, 2007.

Garland-Thompson, Rosemarie, Extraordinary Bodies, Figuring Physical Disability in American Culture and Literature, New York: Columbia University Press, 1997.

Hall, Alice, Literature and Disability, London: Routledge, 2016.

Mitchell, David T., and Sharon L. Snyder. Narrative Prosthesis: Disability and the Dependencies of Discourses, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2000.

Sandhal, Carrie and Philip Auslander (ed.), Bodies in Commotion, Disability and Performance, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2005.

Source: https://www.fabula.org/actualites/le-corps-en-faillite-experiences-et-representations-du-handicap-dans-la-litterature-et-les-arts_78808.php

Journée d’études « Intervenir. Art et architecture dans l’espace public européen du XIXe au XXIe siècle » (18 mai 2017, Paris, INHA)

Jeudi 18 mai 2017 de 9h30 à 18h

INHA, salle Demargne

2 rue Vivienne

75002 Paris

Entrée libre

Des nouvelles théories urbaines du début du XIXe siècle aux smart cities contemporaines, en passant par la reconstruction et les mégastructures des années 1950-60 ou les entreprises de rénovation, des années 1970 et 1990, l’espace public des villes européennes a été le lieu d’interventions, d’unions et de confrontations avec l’art et l’architecture. Continuer la lecture de Journée d’études « Intervenir. Art et architecture dans l’espace public européen du XIXe au XXIe siècle » (18 mai 2017, Paris, INHA)

Soutenance de thèse : « Art & Science : nouveau langage dans l’exploration du monde. » par Alla Chernetska (22 avril 2017, INHA, Paris)

Mme Alla Chernetska soutiendra sa thèse de doctorat : Art & Science : nouveau langage dans l’exploration du monde.

le samedi 22 avril 2017

à 9h30

à l’INHA, Galerie Colbert, 1er étage, salle Jullian – 2, rue Vivienne – Paris 2e

  • Jury
  1. Philippe DAGEN, professeur à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne, directeur de thèse
    Mme Olga KISSELEVA, maître de conférences HDR à l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne
    M. Jean-Marie SCHAEFFER, directeur d’études à l’EHESS, directeur de recherche CNRS
    M. Jean-Paul FOURMENTRAUX, professeur à Aix-Marseille Université
    M. Jean-Marc CHOMAZ, directeur de recherche CNRS, laboratoire d’hydrodynamique (Ladhyx) et professeur à l’École Polytechnique
  • Résumé

L’art et la science sont des voies parallèles de connaissance du monde, même si chacun utilise ses propres moyens. Ayant des approches différentes, les deux sont en quête de l’invisible, de ce qui se trouve au-delà de la première perception de la réalité, pour aboutir à la découverte de nouveaux phénomènes dans le réel. Les collaborations actuelles entre les artistes et les scientifiques m’ont conduite à la recherche de nouvelles approches de la réalité que ces projets communs puissent apporter à l’Humanité. En découvrant le domaine Art & Science, je me suis interrogée sur des démarches et des méthodes considérées depuis longtemps comme incompatibles, qui sont en train de converger en un langage commun se créant à la frontière de l’art et la science.
Notre recherche se fonde sur plusieurs témoignages, comme des artistes, ainsi des scientifiques qui ont participé à des projets communs. A travers les différentes collaborations nous avons analysées, d’une part, les points de vue communs des artistes et des scientifiques, et, d’autre part, les difficultés qu’ils ont dû surmonter pour aboutir au résultat voulu.
Étant un domaine assez récent, Art & Science suscite beaucoup d’interrogations. Cette thèse se focalise sur l’essence et les buts des collaborations entre les artistes et les scientifiques afin de comprendre la spécificité des projets Art & Science et voir quel impact ces projets peuvent avoir sur la société.

Appel à publication : « L’imposture », revue « À l’épreuve », n°4/2017 (jusqu’au 15 avril 2017)

Résumé

Le numéro 4 de la revue À l’épreuve (Montpellier Paul-Valéry) sera consacré à la pratique de l’imposture dans les champs de l’art, de l’histoire ou de la sociologie. À travers des études de cas, des retours historiques ou des réflexions concernant ses enjeux esthétique, juridique ou axiologique par exemple, le numéro se voudrait une mise au point de l’importance historique de la notion et de sa capacité à éclairer certains aspects de notre époque contemporaine.

Argumentaire

« […] le monde aujourd’hui n’est plein que de ces larrons de noblesse, que de ces imposteurs qui tirent avantage de leur obscurité et s’habillent insolemment du premier nom illustre qu’ils s’avisent de prendre. »(Molière, L’Avare, V, 5)

Si l’on peut concéder au lecteur une discrète tendance à la paranoïa dans le caractère d’Harpagon, le brave homme n’a pas tort de saisir l’imposture comme l’un des plus énigmatiques, l’un des plus redoutables maux des temps modernes. Faussaires, escrocs, mystificateurs, plagiaires, falsificateurs peuplent depuis des siècles l’imaginaire occidental, circulant entre réel et fiction, entre arts et histoire, sans que jamais la fascination exercée sur les spectateurs de ce continuel va-et-vient ne se soit démentie. Car l’imposteur fascine. Celui qui impose, qui trompe par son double visage, par ses mensonges ou ses productions, inquiète autant qu’il intrigue, amuse autant qu’il scandalise, non sans que finissent par se cristalliser sur sa figure les traits d’un véritable mythe. Mais qui est-il au juste ? Que trouve-t-on derrière le masque d’un homme abusant de ses semblables, en jouant avec les frontières du vrai et du faux ?

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Appel à communications : « In situ / Ex situ The Art of Exhibiting Art : Relationships between Art and Architecture in their Spatial Context » (jusqu’au 15 décembre 2016)

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The fifth international doctoral study day of the Rome Art History Network, which will be held on 27-28 April 2017, and organised in partnership with the University of Notre Dame Rome Global Gateway and the Sovrintendenza Capitolina ai Beni Culturali, Museo di Roma di Palazzo Braschi, proposes a theoretical and methodological reflection upon the relationships and strategies of installing art and architecture, both inside and outside their original spatial contexts. It is evident that the work of art always relate to the surrounding spaces. Indeed, the strategies and methods of exhibiting works in situ / ex situ are at the heart of contemporary art-historical debates. But how does the manipulation of the original spatial context alter the perception of a work of art, or the organic nature of an architectural system? How does a given layout highlight specific characteristics of an artwork? What new meanings does an object assume, following its contextual switch? Are traditional concepts of historiographical concepts still valid for current issues of museology or museography? Does an object’s de-contextualization potentially “save” the art in critical cases, or does it always imply an alteration of its original meanings?

The study day aims to encourage an interdisciplinary and cross-temporal debate on the issue of location and spatial relationship between the works of art and architecture and the reciprocal exchanges between these artistic domains.

Proposals may include, but are not limited to, topics about:

– The role of spatial contexts in the display of and the relationship between the works of art;

– How the alteration of spatial context affects of in situ / ex-situ works;

– Relationships between art and architecture in the exhibitions/ museographical or museological cases;

– Gesamtkunstwerke, site-specific works of art, mise en scéne projects or visual theme concepts; – Dispositio of a museum/architectural/urban system.

The call for papers is open to art and architectural history graduate students of Italian and foreign academic institutions. We encourage candidates to submit 20-minute talks that, through case studies and theoretical observations, focus on the methodologies and key themes listed above. The study day (27-28 April 2017) will be held both in Italian and English, and we welcome submissions in both languages. The organization cannot cover any travel or residence costs.

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Appel à publication : « Enchanted, Stereotyped, Civilized : Garden Narratives in Literature, Art and Film » (jusqu’au 15 octobre 2016)

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Gardens have been a crucial part in mythology and literature. Throughout English literature for example, the idea of a garden is a recurrent image; these images largely stem from the story of the Garden of Eden which is found in the Genesis, the first book of the Bible. Gardens reveal the relationship between culture and nature – the garden can be seen as civilized and ‘shaped’ and therefore domesticated nature –, in the vast library of garden literature few books focus on what the garden means – on the ecology of garden as idea, place, and action.

Our volume will discuss the topic of the garden in different theoretical contexts such as ecological, botanical, literary, filmic, art historical and cultural ones. We want to investigate the representations of and the interconnections between gardens and the above named fields over a wide timescale, with consideration of how gardens are represented and used as symbols and of how – for example – literature or visuality took form in, or influenced, gardens.

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Appel à communication : « Art et psychiatrie » (jusqu’au 31 mars 2016)

Aloïse Corbaz, Nativité, 1955

Depuis longtemps, les créations de personnes atteintes de troubles psychiques suscitent aussi bien l’intérêt des artistes et des historiens de l’art que de psychiatres renommés, tel Walter Morgenthaler (1882–1965) qui travaillait à la clinique de la Waldau, près de Berne. Dès la première moitié du XXe siècle, des collections spécialisées seront constituées, comme celle du médecin psychiatre et historien de l’art de Heidelberg Hans Prinzhorn (1886–1933), que Harald Szeemann exposa pour la première fois depuis la Seconde Guerre mondiale à la Kunsthalle de Berne, en 1963. Citons également la Collection de l’Art Brut, initiée par Jean Dubuffet, qui, à la suite d’une donation, sera transférée à Lausanne en 1975 – l’année où fut créée la Fondation Adolf Wölfli au Musée des beaux-arts de Berne. Elle ouvrira ses portes au public en 1976.

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Journée d’études : « Expériences dans l’art » (20 février 2016, INHA, Paris)

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Une idée court depuis les années 1960, celle d’une émancipation du spectateur vis-à-vis des codes traditionnels de l’expérience esthétique. L’art moderne a étendu la relation aux œuvres d’art à des objets de plus en plus hétérogènes et difficiles à caractériser, au point où l’œuvre a pu devenir simple trace ou prétexte pour une expérience plus ou moins indépendante – l’expérience de l’art semblant alors ne plus pouvoir se réduire à une simple expérience de l’œuvre. Au même moment, l’attention du récepteur est sollicitée selon des modalités très diverses, sans que le cadre de la réception soit toujours clairement défini.

Les projets des artistes jouent souvent de ce genre d’«incertitude ». Si l’exposition traditionnelle reste la voie d’accès privilégiée aux œuvres – celles-ci continuant à être présentées dans des musées, galeries, espaces d’expositions et à être reproduites dans des revues ou des catalogues – de nombreux artistes conçoivent leurs projets sous la forme d’une documentation ou d’un protocole et les produisent parfois explicitement pour des supports immatériels. La différence entre une œuvre, son mode de présentation, de reproduction et de réception devient alors ambivalente, particulièrement lorsqu’elle est éphémère, processuelle, négociée, énoncée et qu’elle relève d’un dispositif relationnel, interactif, dialogique, etc.
Une étendue infinie des modalités de l’expérience s’offre aux récepteurs, selon des termes qui peuvent considérablement varier. Quels sont-ils ? Qu’est-ce qui permet à la relation esthétique d’avoir lieu ? Quelles sont ses limites ? Qui décide de ses modalités ? Qui les met en œuvre ? À qui s’adresse-t-elle (et comment) ?
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Appel à publication : « Rêver au XIXe siècle », revue Romantisme, 2017, n°4 (juqu’au 15 septembre 2016)

Félix Auvray Le rêve d’Enée, Musée des Beaux-Arts de Valenciennes

Même si l’on peut identifier les prémisses de cette position au siècle précédent, c’est sans doute une nouveauté propre au XIXsiècle que de vouloir démystifier tous les rêves. La distinction entre rêves ordinaires naturels et rêves extraordinaires, telle qu’avaient pu l’accréditer plusieurs traditions dans des registres variés (religieuses, onirocritiques, populaires, poétiques…) est remise en cause. Rêve et songedeviennent en français des substantifs synonymes tandis que les verbes songer et rêver se chargent de sens différents : rêver renverrait dès lors principalement aux visions et aux voix de la nuit ; songer et penser tendraient à se rapprocher. Ce nouveau partage terminologique est lié à un mouvement de sécularisation et de naturalisation qui identifie rêves et songes sous le signe d’une même activité, banale, du corps et de l’esprit, qualifiée d’involontaire, d’automatique, d’inconsciente ou de subconsciente au cours du siècle, tournée dans l’ensemble vers le passé plus que vers l’avenir, et en tous les cas sans caractère surnaturel ou extra-naturel.

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Appel à communication : « Esthétiques de l’absence » (jusqu’au 6 mars 2016)

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Date de la journée d’étude : vendredi 10 juin 2016

Journée d’étude organisée par le laboratoire de doctorants OVALE – rattaché au laboratoire VALE EA4085 Université Paris-Sorbonne

De l’ineffable aux réflexions contemporaines sur l’absence de sens, la spectralité et le posthumain en passant par les poétiques du silence et les représentations du vide, les figures de l’absence marquent l’art et la littérature de leur présence paradoxale. La question des limites du langage et de la représentation façonne ainsi l’esthétique et la pensée occidentales, et la littérature moderne, notamment depuis le milieu du XIXème siècle, accorde un statut privilégié à la figuration de l’absence. La deuxième moitié du vingtième siècle a d’ailleurs vu se renforcer l’intérêt pour ce problème esthétique fondamental : la fin des grands récits dont parlait Lyotard a en effet laissé un vide intellectuel béant, et la perte, l’attente et donc l’absence manifeste du divin ont rendu problématique l’idée d’une transcendance, d’un au-delà de la représentation. Continuer la lecture de Appel à communication : « Esthétiques de l’absence » (jusqu’au 6 mars 2016)

Journée d’études : « Art et Idéologie » (28 janvier 2016, INHA, Paris)

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Jeudi 28 Janvier 2016 – 10h00 à 17h00

Galerie Colbert – INHA Salle Perrot

Programme de la journée

Modérateurs : Philippe LORENTZ et Alain MÉROT, professeurs

10h00 – Mot d’accueil 

10h05 – Introduction – Mathilde ASSIER et Léonard POUY, doctorants

10h20 – Le point de vue d’un artiste – Grégory BUCHAKJIAN, Exhumer les fantômes de sa propre oeuvre.

10h50 – Idéologies de la collection

Nastasia GALLIAN, Pourquoi un prince luthérien doit-il collectionner les gravures ? Les conseils de Gabriel Kaltemarckt à Christian Ier de Saxe (1587).

Nora SEGRETO – Art et Idéologie : collectionner sous le Second Empire.

Discussion

11h50 – L’Art et ses institutions : une interdépendance ?

Vincenzo MANCUSO – Carlo Maratta, peintre officiel de la papauté décadente.

Elodie GOËSSANT – Vers une affirmation de l’école britannique de peinture ?

Discussion

12h50 – Pause déjeuner

14h30 – Architecture et monumentalité : de la pédagogie à la propagande ?

Margaux SPRUYT – Le galop conquérant au service de l’empire ? La place des équidés dans l’expansion néo-assyrienne (884-612 avant notre ère).

Raluca MURESAN – Le théâtre « apprend à aimer la vertu et à fuir les vices » : arguments moralisateurs dans les demandes de la construction des théatres de Pressburg (Bratislava), Pest et Buda entre 1773 et 1790.

Discussion

15h30 – L’Art comme instrument idéologique

Benjamin FOUDRAL – L’Art du peintre belge Léon Frederic (1856-1940) comme plaidoyer anarchiste ?

Antonin MÉRIEUX – Le jeu de société comme support idéologique spécifique.

Discussion

16h30 – Conclusion – Philippe LORENTZ et Alain MÉROT, professeurs

16h45 – Pot de fin de journée

Cycle de séminaires : « Art en cours. Acteurs et pratiques de l’art d’aujourd’hui, aujourd’hui » (de novembre 2015 à juin 2016, INHA, Paris)

http://f.hypotheses.org/wp-content/blogs.dir/2688/files/2015/09/Affiche-ART-EN-COURS-BD.jpg

Les mercredis de 18h à 20h à l’INHA, au premier semestre en salle Perrot, au second semestre en salle Walter Benjamin

Séminaire doctoral à l’initiative du groupe de recherche de l’Université Paris 1 Panthéon-Sorbonne ​Absolument Contemporain. Ces rencontres sont l’occasion de dialogue entre doctorants et jeunes professionnels du milieu de l’art.

En créant cet espace, leur objectif est d’impliquer les jeunes chercheurs dans une série de discussions autour des préoccupations conceptuelles et économiques de l’art actuel, mais également de montrer en quoi les professionnels actuels (artistes, galeristes, commissaires d’expositions, chargés des publics) sont à l’origine de nouvelles propositions, de nouveaux modèles économiques, de nouvelles façons d’envisager et de faire l’art d’aujourd’hui et de demain.

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