Appel à communication: « Les formes de l’agir créatif : quelles pratiques culturelles d’émancipation aujourd’hui ? » (jusqu’au 10 février 2017)

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Journée d’études – Paris, INHA, Jeudi 27 avril 2017

Organisatrices :

Aline Caillet, MCF en esthétique et philosophie de l’art, Université Paris 1

Cécile Mahiou, Docteure en esthétique et philosophie de l’art, Université Paris 1

UMR ACTE / Équipe Études de la culture

En partenariat avec Sophie Cras (MCF en Histoire de l’art, Université Paris 1, HiCSA)

Les études critiques de la culture se sont établies dans le refus de considérer les pratiques culturelles et la consommation de biens culturels comme étant uniquement soumises aux déterminismes économiques et sociaux. Récusant les théories de l’aliénation et de la culture de masse, ces analyses, formulées en termes de culture du pauvre (The Uses of Literacy / R. Hoggart), de culture populaire (The Making of the English Working Class / E.P. Thompson), d’échanges de significations (« giving and taking of meaning » / S. Hall) ou encore d’invention du quotidien (M. de Certeau), ont eu pour point commun de repérer des manières de faire, des rituels de la vie sociale ou encore des formes de vie dont la liberté créatrice œuvre à la production d’une subjectivité émancipée.

Ces approches – y compris dans leurs prolongements contemporains – examinent des « manières de faire » immatérielles et restent pour l’essentiel centrées sur la figure de la réception, au risque d’opérer une triple réduction du champ de l’émancipation – pensée comme activité réceptrice, individuelle, et fondamentalement de nature esthétique. Il s’agit alors de faire valoir comment le spectateur peut retourner la passivité en activité et mettre en œuvre une subjectivation qui permet la réappropriation d’un rapport à soi (J. Rancière), ou comment les consommateurs sont en quelque sorte des « producteurs méconnus, poètes de leurs affaires, inventeurs de sentiers » (M. de Certeau). Une telle position n’évacue-t-elle pas la question de la production proprement dite – qui suppose l’inscription dans un champ économique et social et une maîtrise scientifique et technique –, sans prendre suffisamment en compte les limites que les conditions sociales réelles imposent à de telles opérations culturelles ?

À son encontre, peut-on proposer une analyse de pratiques créatives d’émancipation qui, d’une part, se passerait des notions de « consommateur » et de « spectateur » – tout en prenant en compte la question importante de la subjectivation – et, d’autre part, intégrerait les données propres à tout processus de production (mobilisation d’un appareil de production, insertion dans un contexte économique et social) ? En effet, toute pratique émancipatrice se définit certes comme une praxis (activité humaine) mais suppose également une poièsis (une production, une appropriation créatrice d’œuvres (H. Lefebvre) ralliant ainsi un projet politique, social et collectif qui postule que « l’à-venir » de la société est « non seulement à penser mais à faire » (C. Castoriadis).

Cette question apparaît d’autant plus nécessaire dans un contexte où l’institution de l’art tend à assimiler tout type de pratiques de nature créatrice, brouillant les frontières entre art et culture. À cela s’ajoute une certaine fascination de la critique pour des pratiques et des formes qui témoignent d’une certaine indétermination : c’est ainsi qu’esthétiques relationnelles, pratiques non-art, gestes ordinaires se sont vus assimilés par le monde de l’art au risque d’être coupés de leur substrat politique et social. Réduits à une simple esthétique de l’existence, ne perdent-ils pas alors leur potentiel émancipateur ?

Peut-on encore, sans nostalgie ni repli sur la sphère privée, concevoir des manières d’agir, de penser, d’échanger, de s’organiser dans la sphère de la culture, qui puissent réarticuler esthétique et politique au sein d’un projet collectif ? À l’horizon d’une telle réflexion se joue la capacité transformatrice de la culture, à même, d’une part, de déjouer les forces de domination et d’hégémonie et, d’autre part, de lutter contre l’autonomisation et l’atomisation par le monde de l’art – qui ont précisément pour fonction une dépolitisation des formes (K. Ross).

C’est ce potentiel émancipateur des pratiques culturelles que nous souhaiterions interroger à l’occasion de cette journée. Quelles sont les manières de faire, les modes d’organisation et de production à l’œuvre dans le champ social, culturel et artistique ? Quelles formes prennent aujourd’hui des activités de création non conditionnée qui amorcent un processus de subjectivation ? Dans quelle mesure de telles pratiques portent-elles leurs propres théorisations et font-elles l’objet de reprises et de réappropriations au sein d’une culture et d’un savoir partagés ? Comment se matérialise un agir créatif collectif ?

Un retour historique ainsi qu’une perspective sur l’art actuel permettront de réfléchir à des modes de production tels que les pratiques contre-culturelles ou amateures, les pratiques d’édition collective, d’investissement des lieux publics, de déploiements numériques ou hacktivistes. Sont attendues des propositions de participation portant, soit sur des manières de faire, d’échanger et de s’organiser dans le champ social, politique, militant, artistique et culturel (incluant notamment les domaines de l’architecture, du design et des arts appliqués) ; soit sur une approche théorique privilégiant la place et la fonction de pratiques culturelles de nature émancipatrice au sein d’une théorie plus générale de la culture et de la société.

Merci d’envoyer votre proposition d’une page à aline.caillet@univ-paris1.fr  et cmahiou@gmail.com, accompagnée d’une courte notice bio-bibliographique.

Date limite : 10 février 2017

Thèmes possibles :

•       Culture populaire / Invention de la tradition

•       Histoire culturelle et sociale des pratiques contre-culturelles

•       Productions collectives (revue, édition…)

•       Pratiques culturelles à l’ère du numérique

•       Formes artistiques et culturelles liées aux collectifs hacktivistes

•       Pratiques culturelles liées à la production de l’espace, au droit à la ville, à l’écologie

•       Pratiques amateurs

Source: https://www.fabula.org/actualites/les-formes-de-l-agir-creatif-quelles-pratiques-culturelles-d-emancipation-aujourd-hui_77434.php

Appel à communication : « A l’Orientale. Collecting, Displaying and Appropriating Islamic Art and Architecture in the 19th and early 20th centuries » (jusqu’au 25 septembre 2016)

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Date et lieu du colloque : 4-6 mai 2017, Zurich et Schaffhausen, Musée Rietberg, Université de Zurich, Château de Charlottenfels

Henri Moser Charlottenfelds (1844-1923), voyageur suisse en Orient, est considéré comme l’un des pionniers et amateurs de l’art islamique au XIXe siècle, en raison de ses activités en tant que collectionneur et commissaire d’expositions. L’accroissement continuel de sa collection rendit Moser fameux à partir de 1876 grâce aux nombreuses expositions itinérantes organisées aussi bien en Suisse qu’à l’étranger. Sa collection fut plus tard exposée de façon permanente dans le musée privé qu’il établit en 1906 au Château de Charlottenfels, près de Schaffhouse. Par le don de sa collection au Musée Historique de Berne en 1914, Moser sut garantir la survivance de la Orientalische Sammlung Henri Moser Charlottenfels (collection orientale Henri Moser Charlottenfels), composée de près de 4000 objets. Grâce à la construction d’une salle d’exposition spécialement conçue pour l’accueillir, il permit à la collection d’être toujours accessible au public.

Le colloque entend présenter et replacer Henri Moser et sa collection dans un contexte international. L’activité de Moser en tant que collectionneur et commissaire d’expositions des arts de l’Islam reflète-t-elle une tendance contemporaine généralisée ? Comment les stratégies de présentation, re-contextualisation et d’approche didactique ont-elles évolué depuis le XIXe siècle ? Dans quelle mesure les collections privées ont-elles influencé l’organisation des départements islamiques dans les musées nationaux ? Et quel rôle ont joué les collectionneurs privés, tel Moser, dans la transmission et l’appropriation de l’art et de l’architecture islamique en Occident au XIXe siècle et au début du XXe siècle ?

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Appel à communication : « Les traites transatlantiques et les systèmes esclavagistes sous le prisme de l’art contemporain » (jusqu’au 15 octobre 2016)

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Date et lieu du colloque : 11-12 mai 2017 au Musée d’Aquitaine à Bordeaux

Depuis 2007, le musée d’Aquitaine organise tous les deux ans un colloque international dans le cadre de commémorations de la journée du 10 mai sur les mémoires des traites, des esclavages et leurs abolitions. Cette 6ème édition des Rencontres Atlantiques, organisée en partenariat avec le Centre International de Recherches sur les Esclavages (CIRESC) et l’équipe d’accueil CLARE (Cultures Littératures Arts Représentations Esthétiques) de l’université Bordeaux Montaigne, propose d’analyser le regard que portent les artistes contemporains sur les traites et les esclavages du monde atlantique.

En effet, ce thème a inspiré de nombreux artistes à la fin du XXe siècle et au début du XXIe siècle. Par exemple, les écrivaines Toni morrisson (Beloved, 1982), Maryse Condé (Moi, Tituba sorcière…Noire de Salem, 1988), Fabienne Kanor (Humus, 2006), Véronique Kanor (Combien de solitudes, 2013), Léonora Miano (La saison de l’ombre,2013), les plasticiens Tom Sachs (Barbie slave Ship, 2013), Kara Walker (Narratives of a Negress, 2003), Sam Vernon (Sunny day, 2009), les réalisateurs Abdellatif Kechiche (Vénus noire, 2010), Steve Mc Queen (12 years a slave, 2013), Lee Daniels (The Butler,2013), Roschdy Zem (Chocolat, 2015), Joe Pokakski et Misha Green (Underground,2016), le dramaturge Dominique Lardenois qui revisite le classique L’Ile des esclaves(2005) ou encore la chorégraphe Chantal Loäl de la compagnie Difé Kako avec On t’appelle Vénus (2012).

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Appel à communication : « Landscape : Interpretations, Relations, and Representations » (jusqu’au 30 septembre 2016)

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LUCAS 2017 GRADUATE CONFERENCE

CALL FOR PAPERS

Leiden University, The Netherlands

Landscape: Interpretations, Relations, and Representations

On 26 and 27 January 2017, the Leiden University Centre for the Arts in Society will be hosting an international graduate conference. A selection of researchers and artists will be invited to participate in panels, in which their 20 minute papers and creative work will be discussed. Participants should currently be undertaking a PhD. When submitting a proposal for a paper presentation or a work of art, please make sure to include a short biography.

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Appel à communication : « Le XIXe siècle en lumière : redécouverte et revalorisation de l’enluminure médiévale en France au temps du livre industriel » (jusqu’au 5 octobre 2016)

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Moins connu que la réhabilitation de l’architecture gothique ou la redécouverte des tableaux des Primitifs, le regain d’intérêt pour l’enluminure médiévale fut pourtant l’une des manifestations majeures du vaste mouvement de « retour au Moyen Âge » qui gagna l’Europe presque toute entière au XIXe siècle. Mais si ce phénomène est aujourd’hui bien identifié pour l’Angleterre et la Belgique, les recherches spécifiques sur la France demeurent encore peu nombreuses malgré un patrimoine exceptionnel.

En lien avec l’exposition Trésors enluminés de Normandie qui se tiendra au Musée des Antiquités de Rouen du 5 décembre 2016 au 19 mars 2017, ce colloque a pour ambition d’établir une première synthèse d’envergure sur la connaissance et la compréhension que les Français avaient de cet art, des années 1800 jusqu’à la veille de la première guerre mondiale, en envisageant le problème sous tous ses aspects, depuis la bibliophilie jusqu’aux entreprises éditoriales, en passant par les travaux d’érudition ou encore la pratique artistique.

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Appel à communication : « Scène, corps et mémoires. Les arts à l’épreuve du souvenir » (jusqu’au 30 mai 2016)

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DATE LIMITE : 30 MAI 2016

DATE ET LIEU : 22 JUIN 2016 A L’UNIVERSITE D’ARTOIS-ARRAS

Le séminaire doctoral Scène, corps et mémoires est organisé par l’équipe de recherche « Praxis et Esthétique des arts », du laboratoire Textes et Cultures  EA-4028  de l’Université d’Artois. La journée d’étude que nous nous proposons d’organiser le 22 juin 2016, s’inscrit dans le cycle de manifestations scientifiques consacrées à la thématique du « Corps, figure, représentation » organisées par notre équipe de recherche.

Cette journée du 22 juin 2016 propose d’interroger les multiples relations qui se tissent entre corps et mémoires dans différents types de créations scéniques contemporaines (théâtre, danse et performance). Arts de l’instant, il n’en reste pas moins que ces processus s’appuient souvent sur le croisement d’une présence effective de l’interprète (acteur, danseur, performeur) avec les traces d’un passé que cette présence signale corporellement. Dans ces démarches, le passé colore le présent et les corps se font tribune.

Comment la création contemporaine, par le travail des corps, rend-elle compte du travail de la mémoire et de ses conséquences sur les individus, les collectifs ou la création elle-même ?

À travers les communications qui composeront cette journée, il s’agira donc de questionner la pluralité comprise dans la notion de mémoire depuis le point de vue des corps. On limitera cependant cette pluralité des acceptions à deux catégories de mémoire : la mémoire individuelle (le trajet personnel et singulier d’un sujet pensant et agissant) et la mémoire collective (les récits plus ou moins établis par lesquels un groupe social se construit une identité historique commune).

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Appel à communication : « Écouter est un art. Figures d’auditeurs au XIXe siècle » (jusqu’au 15 septembre 2016)

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Appel à communication pour une journée d’étude, vendredi 13 janvier 2017, Université Paris Ouest Nanterre La Défense.

« Écouter est un art »[1]Figures d’auditeurs au XIXe siècle

On a pu observer ces dix dernières années un intérêt croissant pour la notion d’écoute ; en témoignent notamment l’ouvrage majeur de Martin Kaltenecker, qui s’attache à reconstituer une histoire des discours sur l’écoute entre le XVIIIe et le XIXe siècle, ou encore les travaux de Peter Szendy qui déploient l’éventail des pratiques et des techniques auditives qui jalonnent « l’histoire de nos oreilles ». Dans les nouvelles ou les romans comme dans l’iconographie musicale au sens large, on connaît l’aura dont le XIXe siècle dote les interprètes et les compositeurs (voir à ce sujet le futur colloque international intitulé « Le compositeur dans la littérature », organisé par le CRLC Paris-Sorbonne les 8 et 9 décembre 2016). Mais on a peut-être, dans le champ littéraire, moins pris la mesure des nouveaux régimes d’écoute : la musique se démocratise peu à peu, elle arrive dans les foyers par des relais – que l’on pense au piano ou aux instruments mécaniques – qui bouleversent l’accès, le statut et la valeur des airs qui parviennent désormais jusqu’à tant d’oreilles. En cherchant à prolonger l’écho de ces travaux en dehors du discours technique sur la musique, il s’agira de proposer une réflexion autour des figurations de l’écoute musicale dans le champ des productions littéraires et picturales européennes au XIXe siècle. Il faudra tendre l’oreille vers les représentations de l’écoute, vers ce que nous montrent ou nous font entendre les représentations littéraires et picturales d’une perception en pleine mutation.

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Appel à communication : « Que font les images dans l’espace public ? » (jusqu’au 31 mai 2016)

Université Genève

Dans le champ des études visuelles, d’importants travaux publiés ou traduits récemment portent sur l’agentivité des images : quel est leur pouvoir, que font-elles, que veulent-elles, peut-on parler d’acte d’image ? Parallèlement, les concepts de performance et de performativité sont de plus en plus employés dans les sciences sociales, et en particulier, interrogés par la géographie.

Au croisement de ces agendas scientifiques, le colloque proposé par le département de géographie de l’Université de Genève porte sur ce que font les images dans l’espace public. Portraits et statues, monuments figuratifs, affiches publicitaires et politiques, écrans géants sur les places, projections lumineuses sur les façades, murales, street art et installations artistiques, expositions photographiques dans les jardins publics, cartes accolées au mobilier urbain, etc. : des images de toutes sortes et exerçant des fonctions très diverses se multiplient en effet dans les espaces publics.

Dans quelles mesures ces images, font-elles advenir, produisent-elles ou transforment-t-elles les lieux, les acteurs et les pratiques qui leurs sont associées ? Comment fabrique-t-on de l’image avec et dans l’espace public ? Quels sont les enjeux symboliques, sociaux et politiques de leur présence ? Le colloque tournera autour de ces questions, qui n’ont guère été posées mais sont importantes pour les études visuelles comme les études urbaines.

Ces interrogations cherchent à relever deux défis. Du côté des études visuelles, l’accent est souvent mis plus sur les images que sur les dispositifs de leur visualisation, leur contexte spatial ou le réseau social dans lequel elles s’inscrivent. Ainsi, les travaux sur l’agentivité des images se sont souvent focalisés sur certaines images, jugées particulièrement puissantes ou performatives, souvent des œuvres d’art, et évoquent peu les images plus banales ou vernaculaires, les conditions propres de leur agentivité et les spectateurs eux-mêmes. Du côté des sciences sociales et de la géographie en particulier, la culture visuelle n’a guère été l’objet d’investigations, en particulier dans les liens de celle-ci avec l’urbain. Des travaux ont certes porté sur l’image de la ville ou sur l’art (notamment les performances artistique) dans l’espace public, mais guère sur la culture visuelle dans sa dimension populaire et sa place dans la ville.

L’espace public est ici entendu en son sens propre et restrictif, excluant les espaces virtuels (médias, réseaux sociaux, Internet, etc.) et l’image comme une représentation visuelle figurative excluant les cartes mentales, les performances artistiques ou encore le street art non figuratif.

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Appel à communication : « International Conference of Photography and Theory » (jusqu’au 1er juin 2016)

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Nicosia, Cyprus, December 2 – 04, 2016
Deadline: Jun 1, 2016

4th International Conference of Photography & Theory (ICPT2016)
PHOTOGRAPHY AND THE EVERYDAY

December 2-4, 2016
at the Nicosia Municipal Arts Centre,
Associated with the Pierides Foundation [NiMAC]
Nicosia, Cyprus

International Association of Photography & Theory (IAPT)
www.photographyandtheory.com

Keynote Speakers:
Martha Langford
John Stezaker

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Appel à communication : « Odilon Redon, hier et aujourd’hui – Redon aux XXe et XXIe siècles » (jusqu’au 31 mai 2016)

Guy Maddin, 'Odilon Redon or The Eye, Like a Strange Balloon Mounts Towards Infinity', 1995, court métrage de 5 min

Plusieurs manifestations sont organisées à Bordeaux à l’occasion du centenaire de la mort d’Odilon Redon (Bordeaux, 1840-Paris, 1916), inscrit au recueil des commémorations nationales. Après l’ouverture au Musée des beaux-arts d’une exposition, La nature silencieuse. Paysages d’Odilon Redon (décembre 2016-mars 2017) s’ouvrira un colloque international, Odilon Redon, hier et aujourd’hui, organisé par le Centre François-Georges Pariset (université Bordeaux Montaigne), le Musée des beaux-arts de Bordeaux, l’association Musée d’art Gustave Fayet à Fontfroide (MAGFF) et l’université de Genève.

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Appel à communication : « Seeing Through? The Materiality of Dioramas » (jusqu’au 31 mai 2016)

Original caption: Photo shows people watching Daguerre's diorama. Undated illustration. --- Image by © Bettmann/CORBIS

Seeing Through? The Materiality of Dioramas (Bern, 1-2 Dec 16) University of Bern, December 1 – 02, 2016 Deadline: May 31, 2016 Seeing Through? The Materiality of Dioramas (1560-2010) Dioramas are at the crossroads of artistic and scientific practices. They bring together artists, scientists, and collectors, thus providing an opportunity to reflect on the polyvalence of these actors and the definition of their expertise. In 1822, Louis Daguerre coined the term “diorama” when describing his theater. The word diorama means literally “seeing through.” In accordance with this etymology, dioramas embody a sense of transparency and life-likeness. In addition to providing theatrical and visual experiences, dioramas are multidimensional installations that incorporate paintings, objects, stuffed animals or mannequins. Habitat groups mixing taxidermy and painted backgrounds were designed for natural history museums, while anthropological dioramas were disseminated all over Europe during the second half of the nineteenth century. They were usually life-sized and site specific but they could also be reduced to maquettes. To date, these installations have been studied by scholars from various disciplines, mainly as side topics. Media historians have considered them primarily as proto-cinematic, whereas within the fields of anthropology, museum studies and postcolonial studies, they are generally analyzed as displays that reflect political taxonomies and stereotyped representations. However, dioramas are not merely images or displays: they are also physical objects made of multiple materials, such as plaster, wood, paper, paint, glass, fur, wax, and metal. The discipline of art history thus provides us with the opportunity to approach the materiality of these installations. Indeed, dioramas are composite and hybrid things, created through cultural interaction and physical encounter. Multiple hands as well as various visions are involved in the process of their creation – and later on, during their conservation. Dioramas therefore allow for the study of contact zones and material exchanges between private and public spheres, as well as between Western and non-Western contexts. Finally, dioramas as objects of study within the field of art history enable us to address values such as authenticity and realism in various contexts.

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Appel à communication : « Migrations in Visual Culture » (jusqu’au 25 avril 2016)

 

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Belgrade, Serbia, September 8 – 10, 2016
Deadline: Apr 25, 2016

Migrations in Visual Culture

Conference for PhD Students and recent PhD Graduates

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Appel à communication : « Photographs from the Camps of the Nazi Regime » (jusqu’au 15 avril 2016)

Lt Samuelson, Libération du camp d'Ebensee, 1945, Washington, coll. National Archives and Records Administration,

In August 2015 the European Summer School at Ravensbrück Memorial Museum addressed the topic of Photography in Concentration Camps. Practice, Function and Reception. Over a period of five days the participants of the summer university discussed this complex issue. Images of perpetrators, SS-Albums, private snapshots of SS-Members as well as photographs taken by the Allies while liberating the camps were considered alike.

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Appel à communication : Passagen des Exils » (jusqu’au 15 avril 2016)

Zur ausschließlichen Verwendung in der Online-Ausstellung "Künste im Exil" (www.kuenste-im-exil.de). Originaldateiname: Flieg_Fotografie.TIF Eindeutiger Identifier: VA_KIE_Flieg_Fotografie.jpg

 

München, December 9 – 10, 2016
Deadline: Apr 15, 2016

Passages of Exile
Conference at the Ludwig Maximilian University of Munich, Center for Advanced Studies

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Appel à communication : « Architecture and Feminisms » (jusqu’au 15 avril 2016)

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KTH Stockholm, School of Architecture, November 17 – 19, 2016
Deadline: Apr 15, 2016

13th AHRA (Architectural Humanities Research Association) Conference

ARCHITECTURE AND FEMINISMS:
ECOLOGIES, ECONOMIES, TECHNOLOGIES

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