Appel à communication : « Réseaux, musées et collections. Le surréalisme aux États-Unis » (jusqu’au 30 juin 2017)

Colloque : 27-29 novembre 2017
Abstracts à envoyer avant le 30 juin 2017

Centre Allemand d’Histoire de l’Art
45, rue des Petits Champs
75001 Paris
Métro : Pyramides (lignes 7 et 14)

Conseil scientifique: Julia Drost (DFK Paris), Fabrice Flahutez (Université Paris Nanterre), Anne Helmreich (College of Fine Arts, Texas Christian University), Martin Schieder (Universität Leipzig) and Susan Power (chercheuse indépendante).

Tout en se considérant comme une avant-garde internationale, Breton et les surréalistes n’avaient au départ pas intégré les États-Unis à leur planisphère, comme l’atteste en 1929 le fameux Le monde au temps des surréalistes. Cependant, dès 1930, le surréalisme y fut soutenu économiquement et institutionnellement. En novembre 1931, la première exposition d’art surréaliste aux États-Unis, Newer Super Realism, fut organisée au Wastworth Athaneum à Hartford dans le Connecticut. La Julien Levy Gallery, qui ouvrit la même année, offrit à Salvador Dalí, Max Ernst, Alberto Giacometti et René Magritte leur première exposition aux États-Unis, tandis que des artistes américains comme Man Ray, Joseph Cornell, Walter Quirt ou Lee Miller y furent également exposés. Pendant la Seconde Guerre mondiale, alors que de nombreux surréalistes avaient trouvé refuge aux États-Unis, les expositions, objets, publications surréalistes et les différents soutiens du mouvement permirent à de nouvelles formes hybrides de se propager à travers les États-Unis, de la côte Ouest à Chicago et au-delà, et ce bien après la fin du conflit.

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Appel à communication : « Truquer, créer, innover : les effets spéciaux français » (jusqu’au 30 juin 2017)

Résumé

Peu d’études universitaires sont consacrées aux effets spéciaux français, un domaine pourtant vaste et interdisciplinaire et dont la méconnaissance contraste avec l’utilisation toujours plus considérable des trucages au sein des productions. Ce colloque se propose donc de faire dialoguer des praticiens, artistes et techniciens avec des chercheurs et des théoriciens universitaires.

Annonce

Colloque international, Cité des Sciences et de l’Industrie, Paris, 8 – 9 – 10 mars 2018, Dans le cadre de l’exposition « Effets spéciaux : crevez l’écran ! » (octobre 2017 – août 2018) et dans le cadre du projet de recherche, « Les arts trompeurs. Machines. Magie. Médias »

Argumentaire 

Peu d’études universitaires sont consacrées aux effets spéciaux, un domaine pourtant vaste et interdisciplinaire et dont la méconnaissance contraste avec l’utilisation toujours plus considérable des trucages au sein des films. Car depuis son invention – et même avant avec la photographie, la féerie théâtrale, le théâtre de magie et la prestidigitation – le trucage a toujours été omniprésent au cinéma et s’y est déployé sous différentes formes, partout dans le monde, y compris en France.

En effet, en dépit d’un stéréotype tenace, les films français regorgent d’effets spéciaux et d’effets visuels : il est temps de mettre en lumière cet aspect du cinéma français, au-delà des figures fondatrices (et donc incontournables) de Georges Méliès, Segundo de Chomón et d’Émile Cohl.

Tout au long de son histoire, le cinéma français a été nourri par les trouvailles de personnalités tombées dans l’oubli, comme les Assola père et fils ou les artistes étrangers accueillis sur les plateaux avec leur conception des techniques d’illusion : le peintre sur verre britannique Walter Percy Day, les décorateurs russes Paul Wilcké et Nicolas Minine, et même le chef opérateur Eugène Schüfftan, inventeur de l’effet qui porte son nom. Inversement, les techniques et images françaises ont souvent inspiré, plus ou moins légalement, d’autres cinématographies : le procès d’Abel Gance contre Gregg Toland après la sortie de Citizen Kane, est un exemple parmi d’autres. Qui, du Français André Debrie ou de l’Américain Linwood Dunn, inventa le premier la tireuse optique pour trucage ? Quels liens entre le Transflex mis au point par Henri Alekan avec Georges Gérard en 1954 et la projection frontale utilisée par Stanley Kubrick pour réaliser le prologue de 2001 l’odyssée de l’espace en 1968 ?

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Appel à communication : colloque « Les artistes et leurs institutions » (jusqu’au 22 mai 2017)

 Date et lieu du colloque : 16-17 novembre 2017 à Bordeaux.

Résumé

Ce colloque propose de traiter, d’une part, la manière dont les artistes, pris dans leur diversité et les institutions interagissent et se coordonnent et, d’autre part, sur les effets individuels et collectifs de ces modalités d’interaction. Il s’agira de définir et d’appréhender la variété des registres d’action des institutions dans le domaine artistique ainsi que les usages qu’en font les artistes.

Argumentaire

Pendant plusieurs décennies, les sciences sociales ont œuvré en France à saisir les grands mécanismes présidant à la structuration des mondes de l’art ainsi que leurs modes de fonctionnement en mobilisant divers angles d’analyse : espaces de biens matériels et symboliques (Boltanski, 1975 ; Bourdieu, 1992), catégories d’acteurs (Moulin, 1992), marchés du travail et de l’emploi (Menger, 1997). Ceci a notamment permis de documenter finement les processus d’élaboration des politiques artistiques (Urfalino, 1989 ; Dubois, 1999), leurs effets sur les pratiques culturelles, les mécanismes de fabrication de la valeur des œuvres et de leur(s) signataire(s) (Heinich, 1998) ainsi que les catégorisations artistiques (Maigret, 1994 ; Brandl, 2006 ; Faure, 2008). Par ailleurs, certains questionnements se sont davantage tournés vers le déroulement des parcours professionnels artistiques (Sorignet, 2001 ; Coulangeon, 2004 ; Laillier, 2011) et les relations qui se tissent entre artistes et institutions multiples (ministère de la Culture, administrations déconcentrées, écoles de formation, services culturels municipaux, Pôle emploi spectacle, SACEM, etc.), chargées de les soutenir ou de les accompagner. Si ce type de questionnement est relativement ancien, une série de recherches récentes tend à le renouveler en se penchant notamment sur des niveaux d’échelle plus « micro » et sur  l’analyse de ces relations « en train de se faire ». Des travaux existent ainsi sur les rapports aux services culturels des collectivités (Mirouse et Haschar-Noé, 2010), les mécanismes d’attribution d’aides à la création (Germain-Thomas, 2013), tandis que des recherches élargissent le regard aux institutions jouant un rôle d’intermédiation sur le marché du travail, telles que l’ANPE Spectacle (Sigalo Santos, 2013), les dispositifs de protection sociale (Pilmis, 2010), les agences artistiques (Lizé et al., 2011), ou encore à d’autres acteurs en charge notamment de la protection contre la précarité (Avarguez et al., 2014) ou de l’appui à la « reconversion » (Julhe et al., 2015 ; 2016), etc. Partant de là, ce colloque propose de revenir, d’une part, sur la manière dont les artistes, pris dans leur diversité (spectacles vivants, arts plastiques, productions littéraires et cinématographiques, auteurs, interprètes, compositeurs, etc.), et les institutions (services de l’État, collectivités, agences artistiques, Pôle Emploi, AFDAS, Audiens, CNC, etc.) interagissent et se coordonnent et, d’autre part, sur les effets individuels et collectifs de ces modalités d’interaction. Il s’agira in fine de définir et d’appréhender la variété des registres d’action des institutions dans le domaine artistique ainsi que les usages qu’en font les artistes. Plus particulièrement, une attention sera portée à la manière dont ces relations se déclinent selon les thématiques suivantes :

Thème 1 – Temporalités artistiques et institutionnelles

Au-delà du contexte commun d’accélération qui semble toucher les mondes du travail et les sociétés occidentales dans leur ensemble (Rosa, 2010), il est fréquemment noté que les artistes et les institutions disposent chacun de calendriers et de rythmes temporels qui leur sont propres (Monchatre et Whoel, 2014). Sur cette première dimension, on peut s’interroger, par exemple, sur la manière dont l’évolution des contrats d’aide à la création ou les conventions de subventionnement altèrent les temps de préparation et de maturation des œuvres ou de répétition des spectacles (David-Gibert et al., 2006 ; Mirouse et Haschar-Noé, 2010) ou encore sur les modes d’appropriation, par les artistes intermittents du spectacle, des dispositifs d’indemnisation chômage, en fonction de la temporalité de leur travail artistique et de leur carrière (Langeard, 2017). On pourra également questionner la façon dont s’agencent les temps de travail dans les parcours individuels et ceux dédiés à la formation professionnelle, les évolutions concernant la prise en compte du temps de maternité, l’avancée en âge dans la carrière artistique, etc. La façon dont les employeurs du spectacle (Opéras, CCN, Cabarets, etc.) gèrent le temps de la carrière artistique, ou encore celle dont les agences artistiques rythment les changements d’employeurs ou l’accélération des contrats pourra également être étudiée. Plus largement, il s’agit d’analyser dans ce premier thème la manière dont s’articulent ou se chevauchent les rythmes liés d’un côté aux activités artistiques, aux diverses institutions qui les administrent de l’autre.

Thème 2 – Les artistes, les institutions et leurs espaces

Au cours des dernières décennies, plus particulièrement suite aux processus de décentralisation et de déconcentration culturelles et artistiques (Négrier et Teillet, 2014) et dans le prolongement de l’évolution d’autres politiques publiques (emploi, formation, etc.), le développement de la création artistique s’est assortie d’une recherche d’adéquation avec ce qu’il est convenu d’appeler le « territoire », autrement dit, avec un espace aux frontières fluctuantes jugé pour un temps donné comme le référentiel pertinent de l’action. De la même façon que l’artiste s’inscrit nécessairement dans le temps, il est également marqué par les territoires et leurs instances, ne serait-ce que dans l’instauration de relations spatialisées entre acteurs des mondes culturels et artistiques (Urrutiaguer, Henry, 2012). D’un côté, l’art mondialisé voit les artistes et les œuvres s’exporter et circuler pour atteindre une visibilité qu’ils n’auraient pas nécessairement dans leur pays d’origine. S’engagent ici une série d’actions et de dispositifs visant à assurer le « rayonnement » extérieur d’un ensemble d’artistes et de pratiques culturelles et, ce faisant, celui de son territoire de rattachement, qu’il soit communal, régional ou national (Broclain, 2012). De l’autre, via l’action des collectivités, un « retour au local », à l’action artistique de proximité et l’incitation au dialogue entre pratiques artistiques et problématiques territoriales, contexte qui peut être perçu par certains artistes comme une injonction institutionnelle (Langeard, 2015). On peut ainsi interroger la manière dont les politiques publiques, aussi bien que les artistes eux-mêmes, envisagent ainsi d’amener « l’art » où il ne serait pas (e.g. zones rurales, péri-urbaines, etc.) et s’approprient ces espaces (squat artistique, street art ou land art dit « sauvage », etc.), ou encore souhaitent se donner à voir « hors les murs » des établissements culturels conventionnels. Au-delà de la dialectique entre le global et le singulier, la question est aussi celle de la variabilité des formes de soutien, d’accompagnement et/ou de pratiques artistiques selon les territoires (communes, régions, etc.), mais aussi selon les sous-espaces artistiques (réseaux de diffusion ou circuits de distribution par exemple), et leurs effets sur les parcours professionnels mais aussi, plus largement, sur l’accès aux pratiques culturelles.

Thème 3 – Systèmes de valeurs, classements et reconnaissance

Aux différents niveaux du social, chaque ensemble d’individus dispose de systèmes de pensées et de normes, qui facilitent l’action collective et qui font varier le sens accordé à une pratique, à un objet. Le monde artistique contemporain ne constitue pas une exception en la matière (Heinich, 2005 ; Mauger, 2006). Ainsi, il apparaît pertinent de s’intéresser à ce qui fonde la qualification d’une œuvre, selon les catégories d’acteurs qui en sont à l’origine, les contextes ou encore les périodes historiques. Cela revient à interroger la variabilité des critères mobilisés dans les processus de reconnaissance institutionnelle, mais également la manière dont les artistes tentent de composer ou non avec eux, et les effets de ces positionnements sur les trajectoires individuelles (Faure, 2004). La question de la « consécration » artistique, entendue au sens large et allant du succès commercial ou de la notoriété médiatique à la patrimonialisation d’une œuvre, se situe au cœur d’une grande partie de l’analyse des mondes de l’art et de la culture (Bowness, 1989). Au travers d’une variété de termes sous lesquels cette problématique se décline (consécration, succès, notoriété, renommée, réputation, visibilité, légitimation, etc.), elle s’entend en premier lieu comme le résultat d’une opération de hiérarchisation des œuvres et des artistes, qui s’organise en grande partie selon la logique d’accumulation du capital symbolique (Bourdieu, 1992). Or, l’appréciation de la valeur d’un artiste s’avère marquée par un regard individuel (experts, membres d’un jury, critiques, agents, élus, programmateurs, etc.) porté sur le projet ou l’œuvre de celui-ci, regard lui-même cadré en partie par les attentes d’institutions et leur impératif d’évaluation, susceptible de modifier le jugement sur la qualité d’une œuvre (Faure, 2008 ; Ribac, 2017). Parallèlement, le thème de la « reconnaissance » comporte une dimension plus collective, à travers la façon dont les artistes et leurs représentants parviennent ou non à faire reconnaître leur valeur en tant que groupe professionnel, notamment en matière de droits sociaux (Grégoire, 2013 ; Langeard, 2013). On peut ainsi penser à l’action syndicale et aux diverses mobilisations collectives impliquées dans le travail de construction, consolidation et valorisation du « statut ». Plus encore, il est envisageable d’interroger la relation entre consécration artistique et reconnaissance sociale (Maigret, 1994 ; Péquignot, 2009), l’appui d’une personnalité médiatique pouvant par exemple servir des intérêts collectifs. Enfin, l’accès à la direction d’une institution apparaît pour certaines catégories d’artistes comme un élément central dans une trajectoire de consécration (Glas, 2013).

Afin de favoriser la richesse du croisement des regards, les travaux attendus peuvent se situer à différentes échelles d’analyse (territoriales, sectorielles, interprofessionnelles, etc.), mobiliser plusieurs types de données (quantitatives, entretiens, archives, etc.) et émaner de chercheurs et chercheuses représentant l’ensemble des disciplines en sciences sociales : sociologie, histoire, sciences de l’éducation, économie, droit, anthropologie, etc. Ils peuvent se situer à la croisée de plusieurs thématiques, étant entendu que les processus d’ajustement entre artistes et institutions mobilisent fréquemment les dimensions temporelles, spatiales et normatives.

Modalités de soumission

La proposition de communication, d’une page (environ 3.000 caractères espaces compris), devra préciser la problématique traitée, la méthodologie de recherche adoptée, les données mobilisées et les principales questions, voire les principaux résultats, qui seront présentés lors du colloque.

Elle devra également comporter les éléments suivants : le nom et les coordonnées du ou des auteurs (institution, adresse mail, téléphone), des mots-clés (5 maximum) et une bibliographie aux normes APA.

La proposition de communication est à envoyer pour

le 22 mai 2017

à Samuel Julhe (samuel.julhe@univ-reims.fr) et Émilie Salaméro (emilie.salamero@univ-poitiers.fr).

Une publication est prévue à l’issue de ce colloque. Elle fera l’objet d’un appel à articles et les décisions de publication seront soumises à l’évaluation d’un comité scientifique élargi.

Participation au colloque et inscription

La participation au colloque est gratuite, hormis pour la prise en charge des repas (midi du 16 nov. ; soir du 16 nov. ; midi du 17 nov.)

L’inscription est néanmoins obligatoire et à réaliser avant le 15 octobre.

Comité scientifique
  • Cardon Vincent, MCF, Université de Picardie Jules Verne, CESPRA UMR 8036
  • Faure Sylvia, MCF, Université Lyon 2, Centre Max Weber UMR 5283
  • Goetschel Pascale, MCF-HDR, Université Paris Panthéon-Sorbonne, CHS du XXe siècle UMR 8058
  • Grégoire Mathieu, MCF, Université Paris Nanterre, IDHES UMR 8533
  • Langeard Chloé, MCF, Université d’Angers, GRANEM EA 7456
  • Liot Françoise, MCF, Université de Bordeaux, Centre Emile Durkheim UMR 5116
  • Lizé Wenceslas, MCF, Université de Poitiers/Limoges, GRESCO EA 3815
  • Patureau Frédérique, IR, Ministère de la culture et de la communication, DEPS
  • Perez-Roux Thérèse, PU, Université Montpellier 3 Paul Valéry, LIRDEF EA 3749
  • Pilmis Olivier, CR, Centre de sociologie des organisations UMR 7116
  • Richard Etienne, PU, Université Montpellier 3 Paul Valéry, LIRDEF EA 3749
  • Sinigaglia Jeremy, MCF, Université de Strasbourg, SAGE UMR 7363
  • Urrutiaguer Daniel, PU, Université Lyon 2, Passages XX-XXI EA 4160
Comité d’organisation
  • Bourneton Florence, PAST, Institut National Universitaire Champollion.
  • Chopin Marie-Pierre, PU, Université de Bordeaux, CeDS EA 7440
  • Cordier Marine, MCF, Université Paris Nanterre, CERSM EA 2931
  • Honta Marina, PU, Université de Bordeaux, Centre Emile Durkheim UMR 5116
  • Julhe Samuel, MCF, Université de Reims Champagne Ardenne, CEREP EA 4692
  • Salaméro Emilie, MCF, Université de Poitiers, CEREG EA 1722

Références citées

  • Avarguez S., Gomel B., Sigalo Santos L., 2014, « L’accompagnement des artistes allocataires du RSA », in A. Eydoux, B. Gomel (éd.), Apprendre (de l’échec) du RSA. La solidarité active en question, Paris, Ed. Liaisons, p. 239-246.
  • Boltanski L., 1975, « La constitution du champ de la bande dessinée », Actes de la Recherches en sciences Sociales, n°1, p.37-59.
  • Bourdieu P., 1992, Les règles de l’art. Genèse et structure du champ littéraire. Paris, Seuil.
  • Bowness A., 1989, The Conditions of Success. How the Modern Artist Rises to Fame. London, Thames and Hudson.
  • Brandl E., 2006, Ce que l’institutionnalisation fait à la sociologie des arts et de la culture. L’exemple des musiques amplifiées en région. In Girel S. (éd). Sociologie des arts et de la culture. Un état de la recherche. Paris, L’Harmattan, p. 333-360.
  • Broclain E., 2012, Tango. Enjeux d’une stratégie de promotion territoriale fondée sur la réappropriation d’un patrimoine musical, Questions de communication, n°22, p. 123-140.
  • Coulangeaon P., 2004, Les musiciens interprètes en France. Portrait d’une profession, Paris, La Documentation française.
  • David-Gibert G., Guy J.-M, Sagot-Duvauroux D. (dir.), 2006, Les arts du cirque. Logiques et enjeux économiques. Paris, La Documentation française.
  • Dubois V., 1999, La politique culturelle. Genèse d’une catégorie d’intervention publique, Paris, Belin.
  • Faure S., 2004, Institutionnalisation de la danse hip-hop et récits autobiographiques des artistes chorégraphes, Genèses, n°55, p. 84-106.
  • Faure S., 2008, Les structures du champ chorégraphique français, Actes de la recherche en sciences sociales, n°175, p. 82-97.
  • Germain-Thomas P., 2013, Inventer et construire des compromis entre l’art et l’économie. Négociations, n°20, p. 41-58.
  • Glas M., 2013, Le Syndicat national des entreprises artistiques et culturelles (SYNDEAC), miroir et moteur des transformations de l’univers théâtral, Le Mouvement Social, n° 243, p. 67-77
  • Grégoire M., 2013, Les intermittents du spectacle. Enjeux d’un siècle de luttes. Paris, La Dispute.
  • Heinich N., 1998, Le triple jeu de l’art contemporain. Sociologie des arts plastiques. Paris, Ed. de Minuit.
  • Heinich N., 2005, L’Élite artiste. Excellence et singularité en régime démocratique. Paris, Gallimard.
  • Julhe S., Salaméro E., Honta M., 2015, Aider à la reconversion des danseurs, Revue française des affaires sociales, 1-2, p. 229-247.
  • Julhe S., Salaméro E., Honta M., 2016, Construction d’un malentendu entre porteurs et destinataires d’un dispositif social. Accompagner la “reconversion” des artistes chorégraphiques et des artistes de cirque, SociologieS [En ligne], mis en ligne le 07 mars 2016. URL : http://sociologies.revues.org/5199
  • Laillier J., 2011, La dynamique de la vocation : les évolutions de la rationalisation de l’engagement au travail des danseurs de ballet, Sociologie du travail, vol. 53-4, p. 493-514.
  • Langeard C., 2013, Les intermittents en scènes. Travail, action collective et engagement individuel. Rennes, PUR.
  • Langeard C., 2017, L’indemnisation chômage au travail. Appropriation d’un dispositif de régulation public par les intermittents du spectacle, Swiss Journal of Sociology, n°43-2, p. 181-203.
  • Langeard C., Liot F., Rui S., 2015, Comment mesurer ce que le théâtre fait au territoire ? Reconfiguration du public et évaluation, Espaces et Sociétés, n°163, p. 107-123.
  • Lizé W., Naudier D., Roueff O., 2011, Intermédiaires du travail artistique. A la frontière de l’art et du commerce. Paris, La Documentation Française.
  • Maigret E., 1994, La reconnaissance en demi-teinte de la bande dessinée, Réseaux, n°67, p. 113-140.
  • Mauger G. (dir.), 2006, L’accès à la vie d’artiste. Sélection et consécration artistiques. Paris, Ed. du Croquant.
  • Menger P.-M., 1997, La profession de comédien. Formations, activités et carrières dans la démultiplication de soi. Paris, La Documentation Française.
  • Mirouse S., Haschar-Noé N., 2010, Vocation artistique et rationalisation du travail : ethnographie d’une compagnie de danse contemporaine, Revue Sciences sociales et sports, n°3, 77-106.
  • Monchatre S., Whoel B. (dir.), 2014, Temps de travail et travail du temps. Paris, Publications de la Sorbonne.
  • Moulin R., 1992, L’artiste, l’institution et le marché. Paris, Flammarion.
  • Négrier E., Teillet Ph., 2014, Le tournant instrumental des politiques culturelles, Pôle Sud, n°41, p. 83-100.
  • Péquignot B., 2009, Sociologie des arts. Domaines et approches. Paris, Armand Colin.
  • Pilmis O., 2010, Protection sociale, structures marchandes et temporalité de l’activité. Pigistes et comédiens face à l’assurance-chômage, Sociologie, vol.1, 2, p. 215-233.
  • Ribac F., Dutheil-Pessin C., 2017, La fabrique de la programmation culturelle, Paris, La Dispute.
  • Rosa H., 2010, Accélération. Une critique sociale du temps, Paris, La Découverte.
  • Sapiro G., 2007, La vocation artistique. Entre don et don de soi, Actes de la recherche en sciences sociales, n°168, p. 4-11.
  • Sigalos Santos L., 2013, Portrait d’un service public en intermédiaire : l’ANPE Spectacle de Paris, Le Mouvement Social, n° 243, p. 31-40
  • Sorignet P.-E., 2001, Le Métier de danseur contemporain, thèse de doctorat, EHESS.
  • Urfalino Ph., D’Angelo M., Friedberg E., 1989, Les politiques culturelles des villes et leurs administrateurs. Paris, La Documentation française.
  • Urrutiaguer D., Henry, Ph., 2012, Territoires et ressources des compagnies en France. Paris, Deps-MCC.

Source: https://calenda.org/402433

Appel à communication: Le corps en faillite : expériences et représentations du handicap dans la littérature et les arts (jusqu’au 15 mai 2017)

Colloque international interdisciplinaire, 20 et 21 octobre 2017

Université Jean Monnet, Saint-Etienne (CELEC) & Université Jean Moulin – Lyon 3 (IETT)

Ce colloque sera consacré à l’expérience et à la représentation du handicap dans la littérature et les arts. Que l’on pense au membre paralysé ou amputé, à la déficience visuelle ou mentale, à l’estropié de guerre ou à l’accidenté de la route, on ne peut que souligner la profonde fascination qu’a suscité le corps en faillite dans la sphère artistique comme dans l’imaginaire populaire. Hors-norme et littéralement extraordinaire, il paraît cependant résister tant à la représentation qu’à l’interprétation, les enjeux qu’il a pu soulever ayant souvent été limités par une vision qui l’a réduit à une version diminuée du « corps normal ». Par ailleurs, puisque l’idéal du « corps sain dans un esprit sain » a longtemps prévalu, le corps handicapé a souvent été présenté comme le symptôme d’une faute morale ou la manifestation physique d’un mal ontologique, approche qui l’a cantonné à une lecture métaphorique ou allégorique.

Ce n’est qu’au milieu des années 1980 que l’attention critique nouvelle suscitée par la   question du handicap en renouvelle les enjeux, alors que les disability studies se constituent en Amérique du Nord comme champ disciplinaire à part entière. En France, ce n’est que très récemment que la question a commencé à soulever un intérêt critique. Au croisement des notions de gender, race et class, ce champ d’étude a activement contribué à enrichir un dialogue interdisciplinaire autour de la question de l’identité. Cette visibilité nouvelle a permis de repenser l’approche du handicap, en cessant de l’envisager sous l’angle de la déficience et de la carence.

Les disability studies ont en effet replacé le sujet handicapé au cœur de la réflexion et l’ont débarrassé des stigmates qui ont longtemps pesé sur lui, notamment en réarticulant le rapport entre le normal et le pathologique. Ce travail a permis de mettre au jour un autre rapport au monde et à soi, d’identifier les stratégies par lesquelles celui-ci transcende les limites que son corps lui impose, tant dans la vie quotidienne que dans la pratique artistique. C’est dans cette perspective que nous nous proposons d’interroger les figures du corps handicapé dans les productions littéraires, cinématographiques, culturelles et artistiques, dans le monde anglo-saxon et au-delà.

Tout d’abord, le handicap est une expérience qui implique bien souvent la construction d’un récit et nous souhaitons prêter une attention toute particulière aux formes narratives qu’il adopte et adapte. Le handicap suscite inévitablement un récit : le membre manquant, le corps paralysé ou l’altération cognitive impliquent le besoin de rendre compte de ce qui en est à l’origine. Ce récit, constamment remodelé au fil du temps et au gré des contextes, permet à l’individu de se libérer des discours institutionnels et du langage médical ainsi que de se (re)construire grâce à la force génératrice du récit qu’il produit. Il dépasse ainsi l’expérience traumatique et se réapproprie une identité qu’il a lui-même façonnée. Le handicap a ainsi contribué à redéfinir les genres et les formes narratives, du comique au tragique. Se pose alors un double questionnement sur les fonctions diégétiques du sujet handicapé et les stratégies narratives à l’œuvre dans ces récits. La représentation du handicap opère en effet une réarticulation du rapport à l’espace (limite / immobilité / confinement) et au temps (durée, ressassement, projection), du rapport à soi (acceptation, négation) et à l’autre (dépendance, perception), du rapport au langage et à la création.

Par ailleurs, l’expérience du handicap induit souvent un renouvellement des pratiques artistiques qui exploite toutes les possibilités créatrices qu’offrent le geste maladroit, la parole qui achoppe et le corps vulnérable. On ne peut donc limiter le handicap aux stratégies de compensation et de réparation visant à combler les défaillances qu’il implique. La prothèse, par exemple, ne relève pas d’une simple substitution ou d’une imitation (de l’organe défaillant ou du membre manquant), mais d’une association entre corps et technologie qui déterritorialise la sphère de l’humain et en améliore les performances. Ce qui ne peut se faire ou se dire trouve ainsi des canaux d’expression détournés et donne naissance à des formes et des pratiques inédites.

Si une poétique du handicap ne peut se satisfaire d’une simple célébration des dysfonctionnements, des déficiences et des défaillances du corps humain, peut-elle se soustraire à l’opposition binaire entre manque et excès, impuissance et surpuissance ? De la même façon, comment échapper à la double impasse de l’exhibition ou de l’invisibilité, de la répulsion ou de la sublimation, de la stigmatisation et de l’idéalisation ? Puisque le corps handicapé ne se conforme pas aux codes esthétiques, dans quelle mesure, artistes, cinéastes et écrivains réarticulent-ils notre rapport au beau et au laid ? Se pose alors la question des affects et du malaise que suscite le corps handicapé. Il s’avère alors crucial d’analyser le bouleversement qu’il opère dans l’expérience sensible, les affects singuliers qu’il met en jeu et la différence irréductible qu’il représente. L’expérience cognitive générée par le handicap ouvre à toute une série d’expériences esthétiques inédites et le pouvoir de la fiction se retrouve au service d’une construction identitaire bâtie sur une autre relation au temps, à l’espace et au corps. Le repérage de ces formes et des possibilités qu’elles offrent participe à la compréhension et à la transformation des représentations collectives du handicap.

Nous sollicitons notamment des propositions sur les axes suivants :

– corps handicapé et technologie

– handicap moteur / psychique et les limitations de la perception

– le handicap et ses ressorts tragiques / comiques

– récits du handicap et (re)construction de l’identité

– le personnage handicapé comme héros / personnage secondaire

le handicap au cœur de la pratique artistique

– les handicaps et les arts corporels / visuels

– la réception des disability studies en France et ses questionnements liés à la terminologie

– la relation handicapé / valide

– vieillesse et handicap

– handicap, genre et sexualités

 

Les propositions de communication (300 mots) sont à envoyer à Pierre-Antoine Pellerin (pierre-antoine.pellerin@univ-lyon3.fr) et Sophie Chapuis (sophie.chapuis@univ-st-etienne.fr) avant le 15 mai 2017.

 

Bibliographie sélective

Couser, Thomas G. and Thomas Griffith, Signifying Bodies: Disability in Contemporary Life Writing, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2009.

Davis, Lennard J., Bending over Backwards: Disability, Dismodernism and Other Difficult Positions, New York: New York University Press, 2002.

Eco, Umberto (dir.), Histoire de la laideur, Flammarion, 2007.

Garland-Thompson, Rosemarie, Extraordinary Bodies, Figuring Physical Disability in American Culture and Literature, New York: Columbia University Press, 1997.

Hall, Alice, Literature and Disability, London: Routledge, 2016.

Mitchell, David T., and Sharon L. Snyder. Narrative Prosthesis: Disability and the Dependencies of Discourses, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2000.

Sandhal, Carrie and Philip Auslander (ed.), Bodies in Commotion, Disability and Performance, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2005.

Source: https://www.fabula.org/actualites/le-corps-en-faillite-experiences-et-representations-du-handicap-dans-la-litterature-et-les-arts_78808.php

Appel à communication: colloque international « Illustration et Identité(s) – Illustrating Identity/ies (Nancy, 9-10 nov. 2017) », jusqu’au 15 mai 2017

An international conference organised by IDEA, Illustr4tio and Illustration Research Network

9th-10th November 2017, Université de Lorraine, Nancy, France

Confirmed keynote speaker: Professor Alan Male
https://www.falmouth.ac.uk/content/professor-alan-male

This conference, co-organised by IDEA (EA 2338, Interdisciplinarité Dans les Études Anglophones) at the Université de Lorraine, the Manchester School of Art (UK), the Université de Bourgogne Franche-Comté (EA 4182 TIL, Texte Image Langage), Université de Haute Alsace (EA 4363 ILLE, Institut de recherche en Langues et Littératures Européennes) and Université de Valenciennes et du Hainaut-Cambrésis (EA 4343 CALHISTE, Cultures, Arts, Littératures, Histoire, Imaginaires, Sociétés, Territoires, Environnement), invites participants to explore the interdisciplinary and cross-cultural means through which illustration, in all of its forms, contributes, and has contributed historically, to the shaping of ‘identity/ies’.

The study of illustration provides powerful insights into not only the representation, but also the construction of identity – including gender identities, national and political identities, subcultures, hybrid identities and performative identities. Illustrators as cultural agents have the power to both reinforce and problematise ‘the visual vocabulary of politics’ (Steven Heller, Iron Fists: Branding the 20th Century Totalitarian State, 2008; rep. 2010) through their use and manipulation of cultural narratives and stereotypes.

Illustrators often navigate several personas when creating artwork – for example the desires of the client, the reception of the audience, and the voices within the text. They may also produce highly personal and subjective work documenting emergent or performed identities in relation to historical, geographical, social, cultural and phenomenological matrices.

We are keen to encourage critical and theoretical frameworks which foster understanding of the cultural relevance of illustration, and to examine the links between book history, print and digital culture and identity. Both practice-led and theoretical papers are welcome. Papers may cover any form (book illustrations, extra illustrations, press cartoons, digital art, etc.) or type (decorative, narrative, scientific, technical, historical, educational, satirical, etc.) of illustration from the Early Modern period or Renaissance to the present day.

Subjects for discussion may address (though are not limited to) the following themes and questions:

  • The political agenda of illustration/illustrators: illustration as critique and social or political protest
  • The illustrator as agitator, mediator, witness and/or opinion former
  • The performance and performative aspects of illustration
  • Illustrating identity/ies and changing technologies
  • The participation of illustration in the construction and definition of individual identity
  • The participation of illustration in the construction and definition of collective / cultural / social / political / ethnic identity/ies
  • The illustration of historical and ‘grand narratives’ relating to national identity/ies

Please submit 300 word proposals for a 20 minute presentation to Nathalie Collé (IDEA & Illustr4tio) at nathalie.colle@univ-lorraine.fr and Desdemona McCannon (Illustration Research) at d.mccannon@mmu.ac.uk. Proposals for workshops and poster presentations are also welcome. Deadline: Monday 15th May 2017.

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APPEL À COMMUNICATIONS
‘Illustration et Identité(s)’

Colloque international organisé par IDEA, Illustr4tio et Illustration Research Network

9-10 novembre 2017, Université de Lorraine, Nancy

Invité d’honneur confirmé: Prof. Alan Male

https://www.falmouth.ac.uk/content/professor-alan-male

L’équipe d’accueil IDEA (Interdisciplinarité Dans les Études Anglophones, EA 2338) organise, les 9 et 10 novembre 2017, un colloque international et bilingue (français – anglais) sur la question des rapports entre illustration et construction d’identité(s). Intitulé “Illustration et Identité(s) / Illustrating Identity/ies”, ce colloque est organisé par l’Université de Lorraine en partenariat avec la Manchester School of Art (Angleterre, Royaume Uni), l’Université de Bourgogne Franche-Comté (EA 4182 TIL, Texte Image Langage), l’Université de Haute Alsace (EA 4363 ILLE, Institut de recherche en Langues et Littératures Européennes) et l’Université de Valenciennes et du Hainaut-Cambrésis (EA 4343 CALHISTE, Cultures, Arts, Littératures, Histoire, Imaginaires, Sociétés, Territoires, Environnement).

Il réunira, sur le Campus Lettres et Sciences Humaines de Nancy, des chercheurs d’universités françaises et étrangères, ainsi que des praticiens de l’illustration et des professionnels du livre, mais aussi des étudiants de Master et des doctorants.

Il vise à explorer des questions relatives à la manière dont l’image d’illustration, sous ses différentes formes, contribue aujourd’hui et comme elle l’a toujours fait, à la construction d’identité(s) – identités politiques, culturelles, sexuelles, sociales, nationales, et autres. L’étude de l’illustration permet en effet d’appréhender non seulement la représentation mais également la construction de l’identité à travers l’image et les motifs iconographiques. En effet, les illustrateurs sont, de manière consciente ou inconsciente, de véritables agents culturels qui ont le pouvoir de façonner, voire de problématiser, le langage visuel et les messages qu’il transmet, notamment par leur utilisation et leur manipulation, intentionnelle ou accidentelle, de récits, d’images, de clichés et de stéréotypes divers et variés. Lorsqu’ils créent une image ou une série d’images, les illustrateurs intègrent diverses demandes et attentes et divers points de vue : ceux du texte ou de tout autre support qu’ils illustrent, ceux de leurs commanditaires, ceux de leurs co-créateurs (auteurs, graveurs, imprimeurs, éditeurs) et ceux de leurs publics. Ils peuvent produire des œuvres très personnelles et subjectives, qui reflètent des identités ancrées ou naissantes, en lien avec des matrices historiques, géographiques, sociales, culturelles et phénoménologiques sous-jacentes ou évidentes.

Ce colloque s’intéresse donc aux cadres pratiques, critiques et théoriques qui permettent d’éclairer et de mieux comprendre l’impact historique, culturel et social de l’illustration, et d’examiner les liens entre l’histoire du livre, la culture de l’imprimé et la culture numérique, l’iconographie et les images numériques, et la notion d’identité. Il invite les chercheurs et les praticiens à explorer l’illustration dans ses différentes formes (illustration du livre et hors du livre, illustration de presse, illustration numérique, etc.) et ses différentes fonctions (illustration décorative, narrative, technique, scientifique, historique, didactique, satirique, etc.), de l’époque moderne à nos jours.

Il encourage la réflexion sur les thèmes et sujets suivants:

  • L’agenda politique de l’illustration/l’illustrateur: l’illustration comme forme de commentaire ou de critique social(e) et politique
  • L’illustrateur comme témoin, médiateur, commentateur et agitateur
  • La dimension performative et performante de l’illustration
  • Illustration, identité(s) et technologies changeantes
  • L’illustration de grands récits historiques et la (dé)construction des identités nationales
  • Le rôle de l’illustration dans la construction et la définition de l’identité individuelle
  • Le rôle de l’illustration dans la construction et la définition de l’identité collective / culturelle / sociale / politique / ethnique, etc.

Merci d’envoyer vos propositions de communications (environ 300 mots, pour une présentation de 20 minutes) à Nathalie Collé (IDEA & Illustr4tio) nathalie.colle@univ-lorraine.fr et à Desdemona McCannon (Illustration Research) d.mccannon@mmu.ac.uk. Les propositions d’ateliers ou de présentations de type poster sont également les bienvenues. Date limite d’envoi des propositions: lundi 15 mai 2017.

 

Source: http://blog.apahau.org/appel-a-communication-illustration-et-identites-illustrating-identityies-nancy-9-10-nov-2017/

Appel à communication : « Photographier le chantier (transformation, inachèvement et altération » (jusqu’au 10 avril 2017)

Date et lieu : 17 octobre 2017 et 18 octobre 2018, Université Jean-Monnet, Saint-Étienne

Argumentaire : L’étymologie du mot chantier renvoie au latin « canterius » qui désigne un support servant au maintien d’un objet, en vue de son stockage ou de son travail par un ouvrier. Depuis, ce mot fait également écho aux matières premières, bois, roche et minerai ; il désigne les lieux où elles sont entreposées, à partir desquels leur extraction est réalisée. Son acception contemporaine la plus fréquente permet de dénommer le terrain à l’intérieur duquel démolitions, réparations et constructions sont en cours de réalisation, mais aussi la séquence, d’ordinaire transitoire, durant laquelle une configuration matérielle succède à une autre. Mettre en chantier signifie également amorcer un ouvrage. Si ses temporalités peuvent varier, comme ses formes, sa taille ou l’envergure des moyens déployés, ces variables ne font pas oublier que le chantier, est a priori, orienté vers sa fin. Cependant, ce sens usuel ne doit pas effacer la polysémie du mot et la polymorphie des sites qu’il peut qualifier. Une carrière, une mine, des configurations instables et désordonnées peuvent être assimilées au chantier. La pluralité de ses formes, de ses significations et de ses apparences transitoires en font un objet dynamique qui suscite de nombreux questionnements photographiques.

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Appel à communication : « La photographie au théâtre écrits théoriques, œuvres dramatiques, spectacles, programmations théâtrales XIXe-XXIe siècles. » (jusqu’au 31 mars 2017)

Colloque international
23, 24, 25 novembre 2017 à l’INHA Paris

Organisé par Brigitte Joinnault (Université Côte d’Azur/UMR THALIM/Arias)

Partenariats : UMR THALIM (Sorbonne Nouvelle/CNRS/ENS) ; CRILCQ – Université de Montréal ;  PRint – UQAM ; CTEL – Université Côte d’Azur], autres partenariats en cours.

L’objet de ce colloque est d’interroger la manière dont, de la fin du 19e siècle à nos jours, notre rapport au fait photographique (ses images, ses objets, ses techniques, ses procédés, ses praticiens et ses usagers) est mis en jeu dans les pratiques théâtrales (textes dramatiques, spectacles et programmations) et dans les écrits sur le théâtre. Comment ce rapport devient-il source d’inventions et de réflexions pour le théâtre, objet privilégié pour questionner aussi bien l’être humain dans sa présence à soi, à l’autre et au monde que le geste théâtral lui-même.  Quelles conceptions et/ou quelles représentations de la photographie les artistes et les théoriciens adoptent-ils ou forgent-ils lorsqu’ils s’en servent pour questionner le théâtre ? Dans quelles mesures le théâtre peut-il être, à l’instar de la littérature, considéré comme un « observatoire » ou comme un « laboratoire » de la photographie et de ses mutations ?

L’ouverture historique et géographique de ce colloque est volontairement large car dès ses origines et à chaque grand tournant de son histoire la photographie a exercé sur les praticiens et les théoriciens du théâtre une influence esthétique profonde, que celle-ci s’offre visiblement dans les écrits et dans les œuvres (comme cela s’observe depuis l’entrée dans l’ère du numérique et des technologies mobiles, en particulier dans les écritures anglophones et d’Amérique du Nord) ou que son travail demeure plus imperceptible (aussi bien aux premières heures de la photographie, que dans des œuvres actuelles où l’invisibilité de la photographie dans l’écriture dramatique d’un auteur va parfois de pair avec une présence beaucoup plus manifeste dans son écriture romanesque).

Continuer la lecture de Appel à communication : « La photographie au théâtre écrits théoriques, œuvres dramatiques, spectacles, programmations théâtrales XIXe-XXIe siècles. » (jusqu’au 31 mars 2017)

Appel à communications : « Produire du nouveau ? Arts – Techniques – Sciences en Europe (1400-1900) » (jusqu’au 15 mars 2017)

Qu’elle soit inscrite dans une réflexion sur la « création », l’« invention », la « découverte » ou l’« innovation », la nouveauté participe des transformations des sociétés. Ce colloque s’intéressera tout à la fois aux discours et aux pratiques de la nouveauté dans les arts, les techniques et les sciences du xve au xixe siècle en Europe. Il s’agira de questionner la pertinence de ces catégories et d’identifier les différentes manières dont les sociétés envisagées ont tenté de penser et de produire de la nouveauté. La période moderne, nourrie des idéaux de la Renaissance, a joué un rôle essentiel dans la description, l’analyse et l’historicisation des processus de la nouveauté, en codifiant et en illustrant ses procédés et ses résultats. Ce mouvement d’ouverture et de diffusion des connaissances fut au cœur même des entreprises académiques, des sociabilités savantes et des publications lettrées. L’écran des textes dissimule toutefois la richesse des pratiques et les innovations d’atelier que l’on ne peut réellement reconstruire qu’à travers l’étude conjointe des archives, des objets et des œuvres, laquelle met souvent en échec une lecture naïve et littérale des traités.

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Appel à communication : « La critique d’arts : regards croisés entre la France, la RFA et la RDA dans les années 1960-1980 » (jusqu’au 30 janvier 2017)

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  • DATE LIMITE : 30 JANVIER 2017
  • DATE ET LIEU DU COLLOQUE : 16-17 JUIN 2017, BERLIN, CENTRE MARC BLOCH ; 26-27 SEPTEMBRE 2017, PARIS, INHA.

L’ouvrage Perspectives croisées. La critique d’art franco-allemande 1870-1945, publié en 2009, met l’accent sur le déséquilibre dans les relations artistiques franco-allemandes au détriment de l’Allemagne. La France et l’Allemagne portent chacune un regard empreint de rivalités sur tous les plans. Qu’en est-il pour la période allant des années 1960 aux années 1980 ? Dans quelle mesure ce déséquilibre se poursuit-il alors, et comment peut-il être modulé dans ce qui n’est plus un face à face mais un triangle d’interactions et de rejets, incluant la France, la RFA et la RDA ? Alors que la politique culturelle française avait dominé la scène artistique de l’Allemagne occupée dans l’immédiat après-guerre, qu’en est-il dans les années suivantes ? Les relations franco-allemandes évoluent dans le contexte de la création de deux États allemands idéologiquement et culturellement antinomiques en pleine Guerre Froide. De ce fait, l’Allemagne de l’Est entretient des liens diplomatiques très ténus avec l’Allemagne de l’Ouest et avec la France jusqu’en 1973. Dès lors, quel est le rôle de la critique d’art dans ces relations interculturelles ?

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Appel à communication : « Le théâtre aujourd’hui. Écriture et art de la performance » (jusqu’au 20 décembre 2016)

 

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DATE LIMITE : 20 décembre 2016

DATE ET LIEU DU FESTIVAL : 30, 31 Mars et 1er  avril 2017, Festival International du Théâtre Universitaire d’Agadir, Maroc (22ème édition).

Faculté des Lettres et des Sciences Humaines Ibn Zohr, Agadir

« Le théâtre aujourd’hui : Écriture et art de la performance »

« Le théâtre est l’un des lieux où s’est réfugié aujourd’hui le savoir du corps que nous avions oublié. Toute intelligence y vient comme d’en bas : du corps profond de l’acteur.

(…) Au sommet de son art (il) est une marionnette : joué par autre chose – ou par quelqu’un d’autre que lui… » [1]

Valère Novarina

L’édition du colloque du FITUA pour l’année 2017 pose, dans un premier temps, la question de la place et de la composition des textes de théâtre, ou, plus précisément, des textes portés à la scène, à une époque, la nôtre, où il n’est plus seulement question d’un théâtre comme un art « à deux temps »[2] et où les « matériaux[3] » textuels scéniques ne sont plus seulement des textes dramatiques au sens traditionnel du terme[4].

Continuer la lecture de Appel à communication : « Le théâtre aujourd’hui. Écriture et art de la performance » (jusqu’au 20 décembre 2016)

Appel à communication : « Nature » (jusqu’au 11 décembre 2016)

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DATE LIMITE: 11 décembre 2016
DATE ET LIEU DU FESTIVAL: 2, 3 et 4 juin 2017 à Fontainebleau

Pour la 7e édition du Festival de l’histoire de l’art, qui aura lieu les vendredi 2, samedi 3 et dimanche 4 juin 2017 à Fontainebleau, vous êtes invités à proposer vos projets de communication sur le thème Nature. La date limite de dépôt des propositions est le 11 décembre 2016.  Continuer la lecture de Appel à communication : « Nature » (jusqu’au 11 décembre 2016)

Appel à communication : « Les petits aventuriers du quotidien. Bande dessinée, journal et imaginaires médiatiques (XIXe-XXIe siècles) » (jusqu’au 1er décembre 2016)

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Organisé par l’Université de Reims, l’Université Laval et le CELSA Paris-Sorbonne

(Reims, 28-30 juin 2017)

Responsables : Alexis Lévrier (Université de Reims) et Guillaume Pinson (Université Laval)

Les relations entre la bande dessinée et le journalisme sont anciennes et durables. Art médiatique conciliant l’image et le texte, la bande dessinée est née au creuset du journal et de la culture périodique, exploitant dès l’origine les enjeux de l’actualité, recyclant les imaginaires médiatiques et inventant des personnages qui évoluent proches des milieux de l’information, souvent journalistes eux-mêmes. Ce colloque international souhaitera ainsi interroger l’ensemble de ces relations à partir d’une réflexion alliant une poétique de la bande dessinée et un historique de ses formes telles qu’elles se sont développées au cœur de la culture médiatique et des supports périodiques. Continuer la lecture de Appel à communication : « Les petits aventuriers du quotidien. Bande dessinée, journal et imaginaires médiatiques (XIXe-XXIe siècles) » (jusqu’au 1er décembre 2016)

Appel à communication : « L’installation : une approche cognitive et phénoménologique » (jusqu’au 30 novembre 2016)

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L’installation, une expérience esthétique interactive du déplacement dans un espace dédié, ses dispositifs et potentialités : approche phénoménologique et cognitive dans une perspective inter-artistique, interculturelle.

Les journées d’étude concerneront l’expérience esthétique produite par des installations comprises comme la mise en relation, par un auteur, d’un sujet observateur mobile et d’un environnement prescriptif. Elles viseront à mettre en lumière les mécanismes phénoménologiques, kinesthésiques, cognitifs et dialogiques qui régissent ces expériences, à travers plusieurs dispositifs artistiques (arts plastiques, musique, littérature, cinéma), en Occident comme en Asie. L’objectif est de mettre à jour :

– les représentations symboliques de soi induites par l’espace de l’installation et à travers lui celles induites le lieu dans lequel nous vivons, que nous habitons, que nous construisons par nos déplacements et contacts avec les personnes et les choses (espace social, affectif, mémoriel, territoire, espace naturel, voire « anthropocène » (l’espace naturel mis au service de l’homme).

– les difficultés et enjeux de la construction de tels dispositifs esthétiques (enjeux subjectifs, symboliques, spirituels, politiques, de genre) et évaluer leur potentiel transformateur. Le passage par les différentes formes artistiques permettra d’interroger les passerelles entre imaginaire/mémoire et expérience.

On privilégiera les analyses appliquées à des œuvres précises, permettant de déterminer les conditions structurantes de l’émergence d’une telle expérience réflexive, d’en évaluer la nature et la richesse. Certaines communications pourront prendre la forme de performance ou d’expérience avec le public. Les contributions d’artistes exposant leurs processus de conception et leurs attentes sont bienvenues. Les journées d’étude seront filmées.

Ces journées d’études auront lieu :

– à Rennes le 7 avril 2017, Université Rennes 2, APP (Arts : Pratiques, Poétiques) ;
– à Marseille le 19 mai, Aix-Marseille Université, LESA (Laboratoire d’Etudes en Sciences des Arts) ;
– à Paris, Langarts, 29 juin (bibliothèque BIS-Sorbonne).

https://langarts.hypotheses.org

Modalités de soumission
Date limite de soumission des propositions: 30 novembre 2016.
Envoi des propositions par voie électronique comportant un titre, un résumé de 350 mots maximum et des mots-clés ; une courte biographie, affiliation institutionnelle éventuelle et bibliographie indicative, format Word.
Langue : français et anglais. Les communications pourront être faite en anglais.
Les contributeurs peuvent indiquer une préférence pour un lieu/date; réponse donnée, après avis du Comité scientifique, le 15 janvier au plus tard.

Contact: langarts@orange.fr.

N.B. : Malheureusement le budget ne permet aucune prise en charge des transports ou frais de séjour n’est possible. Le déjeuner sur place sera offert aux participants retenus.

***

Installations, a phenomenological and cognitive approach
Langarts workshops series on installations art 2017

Installation as an interactive aesthetic experience of moving within a dedicated space, its devices and potentialities: a phenomenological and cognitive approach in an interartistic and intercultural perspective.

Location and time: The workshops will take place:
– In Rennes, 7 April 2017, Université Rennes 2, APP (Arts: Pratiques, Poétiques);
– In Marseille, 19 May 2017, Aix-Marseille Université, LESA (Laboratoire d’Etudes en Sciences des Arts);
– In Paris, Langarts, 29 June (BIS-Sorbonne library).

Modalities:
Deadline for sending proposal 30 November 2016. Send a proposal of a maximum of 350 words, with a title, keywords and accompanied by a short bio indicating institutional affiliation (if any) and an indicative bibliography, in a Word format. Language: English with French translation. Communications can be delivered in English. Proposals may indicate a preferred date/location. Notifications of participation will be sent, after the meeting of the Scientific Committee, by Sunday 15 January.
Contact: langarts@orange.fr.
N.B.: Unfortunately no provision to pay for transportation or local expenses is made. Lunch will be offered to participants.

Rationale
The workshop series will address the aesthetic experience generated by installations conceived as a spatial apparatus, designed by a producer, linking a moving observer and a prescriptive environment. They will aim to highlight the phenomenological, kinaesthetic, cognitive and dialogical mechanisms governing these experiences, in a variety of artistic fields (visual arts, music, literature, cinema), in Asia and the West. The goal is to unravel:
– The symbolic representations of the self-induced by the installation space,and through it those triggered by the place we inhabit, we dwell in, that we build through our journeys and contacts with people and things (social space, emotional, memorial space, territory, natural space, even the « Anthropocene » (the natural space put to the service of man).
– The challenges and issues involved and addressed in the building of such aesthetic devices (subjective, symbolic, spiritual, political, gender issues), as well as to assess their potential transformative power. The convocation of a variety of artistic formats should interrogate the bridges between fantasy/memory and experience.

Preference will be given to analysis applied to specific works, aiming to determine the structural conditions for the emergence of such a reflective experience, to evaluate its nature and value. Contributions by artists regarding their practice are solicited. Some communications may take the form of a performance or an experience with the public. Communications by artists presenting their goals, methods and creative process are very welcome. The workshops will be video recorded.

Source: http://blog.apahau.org/appel-a-communication-linstallation-une-approche-cognitive-et-phenomenologique-rennesmarseilleparis-avril-juin-2017/

Appel à communication : « La couleur au défi du multiple » (jusqu’au 15 décembre 2016)

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Date et lieu des journées d’études : 31 mai et le 1er juin 2017, Saint-Etienne, Université Jean Monnet

« Les techniques industrielles de l’image – imprimerie, photographie, cinéma, télévision – excellent dans la reproduction des contours, des rapports de clarté et d’ombre (des valeurs), voire des couleurs en aplat, mais elles sont infirmes dès qu’il s’agit des couleurs complexes. D’où trois solutions : se cantonner dans une seule couleur neutre ; réduire l’image à quelques aplats juxtaposés ; s’approcher des couleurs complexes par la superposition de couleurs simples. Dans les trois cas, le chromatisme est infidèle à l’original. »

Si la reproduction industrielle et la diffusion massive des images en couleur qui se sont accélérées de façon vertigineuse depuis un demi-siècle ont profondément changé notre paysage visuel ainsi que notre rapport à l’œuvre d’art, les techniques qui les permettent semblent néanmoins, comme le suggère ci-dessus Henri Van Lier, encore très imparfaites : la couleur, ce phénomène instable et insaisissable entre tous, reste aujourd’hui encore un réel défi à la reproduction des images. Or, à une époque où les artistes sont confrontés à un devoir de communication grandissant et où ils ne peuvent plus échapper au problème de la reproduction et de la diffusion de leurs œuvres, il nous a semblé intéressant de nous questionner sur l’attitude des artistes, techniciens, historiens ou critiques d’art face aux écarts induits par la traduction chromatique des œuvres originales à leurs copies.

Continuer la lecture de Appel à communication : « La couleur au défi du multiple » (jusqu’au 15 décembre 2016)

Appel à communication : Réunion-échange de l’association les Trois Lumières (14 octobre 2016)

 

Séminaire « réunion échange » / Trois Lumières
Une séance par mois à l’INHA

Fondée par des anciens doctorants en Histoire du cinéma de Paris 1 en 2004 cette association a pour vocation de rassembler des jeunes chercheurs (doctorants et éventuellement élèves de master) dont les travaux entretiennent un rapport privilégié avec le cinéma et plus largement avec l’audiovisuel. Pour concrétiser ce rapprochement entre étudiants, l’association a mis en place, dès sa création, un séminaire mensuel intitulé « Réunion-échange » permettant à chaque invité de présenter ses recherches et d’aborder d’éventuelles difficultés méthodologiques. L’objectif de ces séminaires est de permettre à de jeunes chercheurs – masters et doctorants, historiens ou non – travaillant sur ou à partir de sources audiovisuelles de présenter leurs projets de recherche et de les valoriser, ces rencontres sont également l’occasion d’évoquer avec les doctorants les éventuels problèmes méthodologiques et épistémologiques rencontrés dans le cadre de leurs travaux de recherche. Si le cinéma est l’objet central de nos recherches, nous l’envisageons volontiers depuis les perspectives qu’offrent d’autres disciplines. Cette année, l’association Les Trois Lumières inaugure une collaboration scientifique avec les membres du séminaire libre d’ISOR (Images, Sociétés et Représentations) de l’UFR d’Histoire de Paris 1 (https://isor.hypotheses.org/). Nous avons à cœur de faire des Trois Lumières un espace bienveillant dédié à l’élaboration d’une pensée, d’un travail en cours donnant lieu à un dialogue entre les participants.

Les propositions de communications (maximum 40 minutes) sont à envoyer avant le vendredi 14 octobre 2016 à l’adresse suivante :

http://lestrois3lumieres@gmail.com

Elles comporteront un intitulé provisoire, un résumé du projet d’intervention (400 mots maximum) et quelques informations relatives à l’auteur permettant aux organisateurs d’échanger avec lui en vue d’une préparation commune de la séance (nom du directeur de mémoire, adresse mail et numéro de téléphone). Pour plus d’informations, rendez-vous sur le site internet de l’association : https://3lumieres.hypotheses.org/ .