Appel à publication : « Cacher / Concealing » (jusqu’au 15 juin 2017)

Date de soumission des propositions : 15 juin 2017
Annonce des résultats de la sélection des propositions : fin juillet 2017
Date de remise des articles : 31 octobre 2017
Publication des textes retenus par le comité de rédaction : mars 2018

 

Ce numéro d’Intermédialités propose d’examiner la relation dynamique entre formes de dissimulation et formes de détection. Sa prémisse est que le domaine du caché, et la façon de (se) cacher, se construisent en synergie avec les manières de percevoir, d’interpréter, de juger et de capter propres à un contexte et à une époque donnée. La dissimulation est une stratégie répondant à de multiples besoins : protéger ce qui est sensible, conserver un avantage stratégique, duper, éviter la réprobation sociale ou les sanctions. Les stratégies employées sont tout aussi diverses. Elles peuvent consister à rendre invisible (camouflage), à obscurcir (créer de la confusion, détourner l’attention), à donner à voir quelque chose pour mieux masquer l’essentiel (déguisement, stéganographie, illusion d’optique) ou encore à protéger l’accès (cryptographie, censure et auto-censure). Celui ou celle qui cherche à dévoiler ce qui est caché pourra également dissimuler les moyens de son observation. Chaque nouveau stratagème de dissimulation engendre un nouvel arsenal de détection, générant en retour de nouvelles formes de dissimulation. Ainsi, les arts de la dissimulation évoluent en fonction de l’avancée des techniques, mais aussi en fonction de l’évolution des normes sociales et des rapports de pouvoir. C’est cet agencement de capacités, mettant en jeu des modalités de connaissance sensible du monde et des stratégies de dérobement, que nous invitons à explorer sous l’angle de leur co-constitution.

Le cas du camouflage militaire est exemplaire de ce rapport d’adaptation mutuelle. Durant la Première Guerre mondiale, des artistes camoufleurs de la Royal Academy of Arts de Londres ont repeint la flotte de navires anglais avec des motifs zébrés et colorés. Tirant parti du progrès des connaissances zoologiques et des innovations formelles de l’art moderne, ce camouflage disruptif (dazzle painting) visait non pas à rendre les bateaux invisibles, mais plutôt à entraver le fonctionnement des appareils de vision (télémètres et périscopes) qui permettaient de calculer la trajectoire des navires. Avec l’arrivée de nouveaux moyens de détection (radar, développement de l’aviation) au cours des années suivantes, cette technique devint obsolète. De nouvelles stratégies de camouflage au sol furent développées pour tromper la vue aérienne des pilotes d’avion (fausses trames urbaines, campagnes factices, installations souterraines), elles-mêmes contrecarrées par le perfectionnement des instruments de navigation et de détection aérienne.

Plus largement, on peut considérer la dissimulation comme un vecteur central dans la composition des sphères privées et publiques. Le monde contemporain est traversé par des logiques (en apparence) contradictoires, où l’hypervisibilité médiatique croise les théories du complot et leur croyance en une vérité cachée, elles-mêmes alimentées par l’opacité des infrastructures techniques et financières. L’environnement numérique, façonné par les données massives et le perfectionnement des algorithmes, a multiplié les possibilités de détection des identités et des comportements (Lyon, 2015). Elles ont suscité une résistance au profilage et à la surveillance, faisant largement usage de pseudonymes, de systèmes d’encryption des messages, mais aussi de masques, de maquillage et de vêtements disruptifs visant à berner les caméras de surveillance et autres logiciels de reconnaissance faciale. Les récents développements de la cryptographie ont par ailleurs donné naissance aux crypto-monnaies (bitcoin), nouvel outil d’occultation des transactions financières, ajouté aux manœuvres des sociétés-écrans. Certaines infrastructures tendent aussi à se soustraire à la vue, pour pallier à leur manque d’acceptabilité sociale : Lisa Parks (2010, 2012) a notamment documenté comment des tours de communication cellulaire sont déguisées en palmiers, cactus géants ou mâts de drapeaux nationaux. L’enfouissement est une autre stratégie pour faire disparaître de la vue des infrastructures jugées dérangeantes, tels les réseaux de pylônes électriques, mais aussi les ordures ménagères et les déchets industriels. Dans l’espace urbain, ce sont les signes de la pauvreté que l’on cherche souvent à cacher, notamment de la vue des touristes. En prévision des Jeux olympiques de Rio, un mur coloré fut construit le long de la route de l’aéroport, officiellement pour protéger du bruit les favelas de Maré, de fait commodément dissimulées.

L’intime et le politique se côtoient dans la dimension cachée des rapports sociaux, dans les corps voilés qui se dérobent à la vue, dans le refoulement des affects. Au cœur des processus d’individuation et de socialisation, le secret joue un rôle essentiel tant dans la formation de la psyché que dans la vie collective (Simmel, 1906). Il crée la possibilité d’un monde parallèle, celui du sacré ou de l’occulte, des arcanes politico-administratives et des sociétés secrètes, qui s’organisent et se transforment en fonction des chances d’être révélés. Et c’est la tension entre volonté de cacher et de révéler qui permet de comprendre avec le plus d’acuité comment s’instaurent les luttes d’agentivité, animées par des rapports d’anticipation mutuelle. Le détective Dupin, dans La lettre volée (Edgar Allan Poe, 1844) reproche aux policiers de ne voir « que leurs propres idées ingénieuses […], quand ils cherchent quelque chose de caché, ils ne pensent qu’aux moyens dont ils se seraient servis pour le cacher ». Or « le ministre, pour cacher sa lettre, avait eu recours à l’expédient le plus ingénieux du monde, le plus large, qui était de ne pas même essayer de la cacher ». Inspiré par cette nouvelle de Poe, Lacan en a tiré dans son « Séminaire sur la Lettre volée » (1966) une réflexion sur la vérité, le réel, le symbolique et l’inconscient, dans lequel il avance que « ce qui est caché n’est jamais que ce qui manque à sa place ». Derrida, dans Le Facteur de vérité (1980), en propose une critique, interrogeant le « déchiffrement psychanalytique » à travers la métaphore de « ». Posant une équation entre voile, texte et tissu, il suggère que la même étoffe cache et montre à la fois. Ce rapport entre surface visible et « doublure d’invisible » (Merleau-Ponty, 1964) pose une visibilité située par rapport à un arrière-plan « l’une [étant] un objet quotidien d’inquiétude pour l’autre » (Larkin, 2013, p. 336). D’ailleurs, lorsqu’on prend conscience de cet arrière-plan, c’est souvent parce que cette architecture invisible s’écroule, secouant la torpeur de l’oubli. On se souvient de la matérialité du réseau internet lorsqu’il défaille. Et lorsqu’une duperie est révélée, écrit Erving Goffman (1977), le cadre de la machination s’effondre pour laisser place au cadre primaire de l’interaction sociale. Quant au dévoilement de l’idéologie, dans la tradition marxiste, elle expose au grand jour la duplicité des apparences, la vie séparée et aliénée créée par le spectacle de la marchandise (Debord, 1967).

Ce numéro spécial vise des contributions qui interrogent la composition des rapports entre dissimulation et détection, en les resituant dans un contexte social, culturel et technique en évolution.

– En quoi les pratiques, arts et techniques de la dissimulation participent-ils à la formation des sphères privées et publiques ?
– Quels rapports de pouvoir sont à l’œuvre dans cette relation ?
– Quelles occasions révèlent l’infrastructure cachée de l’environnement numérique, de l’espace urbain, du champ économique et politique ?
– Et dans quelle mesure les métaphores de voilement/dévoilement, chiffrement/déchiffrement, visibilité/invisibilité, dispersion/captation permettent-elles de comprendre la dimension cachée de la vie sociale ?

Dans le cadre d’une réflexion sur l’intermédialité, nous invitons les auteur.es à penser les formes de cette relation sous l’angle des médiations matérielles et symboliques qui les constituent. Les contributions pourront adopter soit un angle historique, pour éclairer les milieux de développement de ces formes, ou bien s’attacher à comprendre les logiques, tensions et paradoxes du monde contemporain.

Appel à publication en français et en anglais

Intermédialités. Histoire et théorie des arts, des lettres et des techniques est une revue scientifique biannuelle qui publie en français et en anglais des articles évalués de façon anonyme par les pairs. Les propositions de contribution (700 mots max.) pourront être écrites en anglais ou en français. Elles devront être envoyées aux adresses suivantes :

Nathalie Casemajor [Nathalie.Casemajor@ucs.inrs.ca]
Sophie Toupin [sophie.toupin@mail.mcgill.ca]

Les articles définitifs devront avoisiner les 6 000 mots (40 000 caractères espaces compris) et pourront comporter des illustrations (sonores, visuelles, fixes ou animées) dont l’auteur de l’article aura pris soin de demander les droits de publication.

Il est demandé aux auteurs d’adopter les normes du protocole de rédaction de la revue disponible à l’adresse suivante :
[FR] http://cri.histart.umontreal.ca/cri/fr/intermedialites/protocole-de-redaction.pdf
[EN] http://cri.histart.umontreal.ca/cri/fr/intermedialites/submission-guidelines.pdf

Pour de plus amples informations sur la revue, consultez les numéros accessibles en ligne sur la plateforme Érudit:
http://www.erudit.org/fr/revues/im/

Bibliographie

Andrea Mubi Brighenti et Alessandro Castelli, « Social Camouflage; Functions, Logic, Paradoxes », Distinktion: Journal of Social Theory, vol. 17, no 2, 2016, p. 228-249.

Roger Caillois et John Shepley, « Mimicry and Legendary Psychasthenia », October, vol. 31,1984, p. 17-32.

Guy Debord, La société du spectacle [1967], Paris, Gallimard, 1992.

Jacques Derrida, « Le Facteur de la vérité », La carte postale : De Socrate à Freud et au-delà [1980], Flammarion, 2014, p. 399–471.

John Durham Peters, The Marvelous Cloud: Towards a Philosophy of Elemental Media, Chicago, The University of Chicago Press, 2015.

Peter Forbes, Dazzled and Deceived: Mimicry and Camouflage, New Haven, Yale University Press, 2009.

Isla Forsyth, « Designs on the Desert: Camouflage, Deception and the Militarization of Space », Cultural Geographies, vol.  21, no 2, 2014, p. 247-265.

Erving Goffman, Frame Analysis: An Essay on the Organization of Experience, Boston, Northeastern University Press, 1986 [1977].

Henrietta Goodden, Camouflage and Art: Design for Deception in World War 2, London, Unicorn Press, 2007.

Jacques Lacan, « Séminaire sur la lettre volée », Écrits, vol. 1, Paris, Éditions du Seuil, 1966.

Brian Larkin, « The Politics and Poetics of Infrastructure », Annual Review of Anthropology, vol. 42, 2013, p. 327-343.

David Lyon, Surveillance after Snowden, Cambridge, Polity, 2015.

Maurice Merleau-Ponty, Le Visible et l’invisible, suivi de notes de travail, Claude Lefort (ed.), Paris, Gallimard, 1964.

Ginette Michaud, Tenir au secret (Derrida, Blanchot), Paris, Galilée, 2006.

Lisa Parks, « Around the Antenna Tree: the Politics of Infrastructural Visibility », Flow Journal, 2010, https://www.flowjournal.org/2010/03/flow-favorites-around-the-antenna-tree-the-politics-of-infrastructural-visibilitylisa-parks-uc-santa-barbara/ (accédé le 20 mars 2017).

Lisa Parks, « Technostruggle and the Satellite Dish: a Populist Approach to Infrastructure », dans Goran Bolin (dir.), Cultural Technologies: The Shaping of Culture in Media and Society, London, Routledge, 2012, p. 64-84.

Edgar Allan Poe, « La Lettre volée », Histoires Extraordinaires [1856], Charles Baudelaire (tr.), Paris, Michel Lévy frères, 1869, p. 93-124.

Lone Riisgaard et Bjørn Thomassen, « Powers of the Mask: Political Subjectivation and Rites of Participation in Local-Global Protest », Theory, Culture, Society, vol. 33, no 6, 2016, p. 75–98.

Hanna Rose Shell, Hide and Seek: Camouflage, Photography, and the Media of Reconnaissance, Cambridge, MIT Press, 2012.

Georg Simmel, « The Sociology of Secrecy and of the Secret Societies », American Journal of Sociology, 1906, vol. 11, p. 441–498.

Nicole Starosielski, The Undersea Network, Durham, Duke University Press, 2015.

Kurt H Wolff, « The Secret and the Secret Society », dans The Sociology of Georg Simmel. Glencoe, The Free Press, 1950, p. 301-378.

Appel à publication : « L’imposture », revue « À l’épreuve », n°4/2017 (jusqu’au 15 avril 2017)

Résumé

Le numéro 4 de la revue À l’épreuve (Montpellier Paul-Valéry) sera consacré à la pratique de l’imposture dans les champs de l’art, de l’histoire ou de la sociologie. À travers des études de cas, des retours historiques ou des réflexions concernant ses enjeux esthétique, juridique ou axiologique par exemple, le numéro se voudrait une mise au point de l’importance historique de la notion et de sa capacité à éclairer certains aspects de notre époque contemporaine.

Argumentaire

« […] le monde aujourd’hui n’est plein que de ces larrons de noblesse, que de ces imposteurs qui tirent avantage de leur obscurité et s’habillent insolemment du premier nom illustre qu’ils s’avisent de prendre. »(Molière, L’Avare, V, 5)

Si l’on peut concéder au lecteur une discrète tendance à la paranoïa dans le caractère d’Harpagon, le brave homme n’a pas tort de saisir l’imposture comme l’un des plus énigmatiques, l’un des plus redoutables maux des temps modernes. Faussaires, escrocs, mystificateurs, plagiaires, falsificateurs peuplent depuis des siècles l’imaginaire occidental, circulant entre réel et fiction, entre arts et histoire, sans que jamais la fascination exercée sur les spectateurs de ce continuel va-et-vient ne se soit démentie. Car l’imposteur fascine. Celui qui impose, qui trompe par son double visage, par ses mensonges ou ses productions, inquiète autant qu’il intrigue, amuse autant qu’il scandalise, non sans que finissent par se cristalliser sur sa figure les traits d’un véritable mythe. Mais qui est-il au juste ? Que trouve-t-on derrière le masque d’un homme abusant de ses semblables, en jouant avec les frontières du vrai et du faux ?

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Appel à publications : “Hardi Tardi ! Un univers esthétique entre audace et tradition” (jusqu’au 30 avril 2017)

Pour un ouvrage collectif présentant diverses approches critiques de l’oeuvre de Jacques Tardi.

Après de très courts récits comme Prévoyez l’accident, ou Humperdick Clabottford, en 1971, Rumeurs sur le Rouergue, prépublié dans Pilote en 1972, marque les débuts de Jacques Tardi en bande-dessinée ; depuis, au même titre qu’Hugo Pratt, par exemple, cet artiste original a su accompagner ce mode d’expression, parfois jugé enfantin et commercial, sur le chemin de la maturité et de l’exigence artistique. A tel point que la critique a proposé, pour distinguer « le bon grain de l’ivraie », de désigner ce nouveau genre par une terminologie nouvelle ; littérature en images, BD adulte, neuvième art… avant que la notion de roman graphique n’émerge… Pourtant, avec Les Aventures extraordinaires d’Adèle Blanc-Sec, Tardi ne renie ni la tradition populaire ni la dimension sérielle de la bande dessinée traditionnelle en 48 pages couleurs ; mais il s’évade également avec bonheur du cadre de ce format, dans de grandes fresques où il fait entrer tout son univers.

Tardi semble puiser dans l’Histoire les trames de ses histoires : la Commune de Paris, la Belle époque, la Première Guerre mondiale, la Seconde Guerre mondiale… Ces périodes ne sont pas choisies au hasard : il s’agit souvent de moments de crises qui posent question à notre société, et qui mettent en scène la dialectique de la domination et de la résistance. Cet univers évoque parfois une certaine réalité historique, de façon référentielle, voire documentaire. Pourtant, ce réalisme est aussi l’occasion du surgissement du fantastique ou de l’anachronique, quand ce n’est pas de l’uchronique ou de l’utopique.

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Appel à publication : « Animal-Animalité » (jusqu’au 31 mars 2017)

Appel à contributions pour le n° 81 de la revue Histoire de l’art coordonné par Marion Duquerroy et Natacha Pernac

Pour son 81e numéro, la revue Histoire de l’art se penche sur la question de l’animal et de l’animalité et sur le rapport qu’entretient l’artiste avec son double bestial.

Depuis quelques années, la figure animale fait son grand retour sur la scène contemporaine ; en témoigne actuellement et parmi d’autres, Plenty More Fish in the Sea (2016), œuvre créée in situ par l’artiste britannique Claire Morgan dans l’hôpital Saint-Jean d’Angers. Dédiée au thème de l’Apocalypse, l’installation de plumes et de fils fait écho au travail de Jean Lurçat – lui-même inspiré par la tapisserie de l’Apocalypse –  auquel le musée des Beaux-Arts de la même ville offrait l’année dernière une rétrospective. L’incendie en 2008 de la maison Deyrolles, spécialisée depuis 1831 en entomologie et taxidermie, a été lui-même le moteur de multiples réactions artistiques fortes, hommages à un conservatoire des sciences naturelles qui avait déjà séduit les Surréalistes. Si, aujourd’hui, le spectateur assidu des expositions développe une certaine habitude à voir la faune envahir les collections, cela n’a pas toujours été le cas.

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Appel à publication : « Les résidences d’écrivains et d’artistes : des dispositifs de création et de médiation » (jusqu’au 17 mars 2017)

Appel à proposition d’articles pour un numéro thématique de la revue Culture & Musées

Sous la direction de Carole Bisenius-Penin

Les résidences d’écrivains et d’artistes : des dispositifs de création et de médiation

Les résidences de créateurs portent de multiples dénominations : résidence de création et d’expérimentation, résidence de diffusion territoriale, résidence-association, résidence-mission, résidence-animation, etc. Quels que soient leurs objectifs, elles sont devenues en quelques années une des formes privilégiées de soutien à la création et à l’action culturelle. Outre leur grande plasticité, elles visent à donner à un artiste (chorégraphe, musicien, plasticien…) ou à un écrivain les conditions techniques et financières pour concevoir, écrire, achever, produire une œuvre nouvelle, en menant ou non des actions de médiation. Elles posent aussi la question de la place de l’artiste au sein de la société, dans un tournant actuel des politiques culturelles où les moyens affectés à la culture et à la création sont diminués, ce qui affecte en priorité les professionnels les plus fragiles en raison de leur statut.

Ce numéro de Culture & Musées a pour ambition d’analyser le dispositif « résidence » et ses différentes configurations, qui recouvrent, depuis son institutionnalisation au cours des années 1980, des formes et des réalités extrêmement variées en fonction des projets, des structures et des politiques culturelles mises en place. Il s’agit d’examiner les résidences en tant que dispositif de production d’une œuvre originale, d’une part, de communication et de médiation, d’autre part, permettant des transactions diverses et variées entre écrivains, artistes, collectivités territoriales, opérateurs culturels et publics. Ce dispositif apparaît comme une entité hybride dans la mesure où, de plus en plus fréquemment, on constate une injonction politique à combiner deux dimensions : création artistique ou littéraire et activités de médiation. Faute d’un statut, d’une définition établie, il est de nature polymorphe, marqué par une grande hétérogénéité (résidence individuelle ou collective, pérenne ou éphémère, fixe ou itinérante, etc.) et une dispersion des offres dans les territoires. En outre, il se construit à partir d’une combinatoire de catégories normalisées mais fluctuantes et très diversifiées : un lieu, une temporalité, une structure  d’accueil, des types de financements, un projet de création et, enfin, un projet de médiation culturelle qui prévoit un ensemble d’activités destinées aux publics autour de l’artiste  ou de l’auteur.

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Appel à publication : Revue Opus n°3 (jusqu’au 15 février 2017)

parisouest

 UNIVERSITÉ PARIS NANTERRE,  Revue Opus n° 3

La revue Opus, mook des étudiants en master Conception et rédaction éditoriales de l’université de Paris Nanterre, éditée par Les Presses de l’université, lance un appel à contributions sur l’étude des rapports entre la peinture et la littérature réalistes en essayant de renouveler l’approche historique, poétique et critique.

La définition du réalisme est indissociable de la volonté de rendre compte de manière picturale de la réalité (mimèsis, portrait, ekphrasis, hypotypose, vues imageantes…). Il s’agira de s’interroger sur la naissance du réalisme en peinture et en littérature, sur leur essence mimétique, leur vocation encyclopédique. Les débats autour du réalisme (Champfleury, Courbet…) sont au cœur de la réflexion sur la question de la transposition et de la modélisation de la réalité. Quel rôle joue la poétique du détail, de la partie et du tout dans la représentation ? Dans quelle mesure l’analogie entre la peinture et la littérature est-elle encore opératoire pour rendre compte des formes de la mimèsis ?

La théorie de la mimèsis a largement été contestée depuis le XXe siècle. Quels rôles ont eu les avant-gardes du XXe au XXIe siècle dans cette recherche d’une réalité fondée sur l’immanence de l’art ? La peinture et la littérature contemporaine semblent  avoir renoué avec l’exigence du réel. Le réalisme n’est pas seulement un ensemble de conventions stylistiques, narratives, esthétiques. Il détermine les relations entre l’univers réel et la vérité en peinture et en littérature selon des critères très différents en fonction de la conception du réalisme : néoréalisme, réalisme magique, nouveau réalisme, hyperréalisme…. On s’interrogera sur cette vocation herméneutique du réalisme qui se fait, le plus souvent, au profit de l’effacement du style littéraire ou pictural.

La diversité des expérimentations esthétiques actuelles place la question du réalisme au cœur du travail artistique. Dans quelle mesure peut-on encore parler « d’imitation créatrice » ? Le street art, les performances, les multiples pratiques urbaines, font souvent appel à un réalisme cru qui ouvre sur la fiction. On s’interrogera sur la médiation des nouvelles images dans ces pratiques.

La distance entre le poète, le peintre et le réel parcourt toute l’histoire du paradigme mimétique, de sa déconstruction à sa reconfiguration. Aujourd’hui, les mondes fictionnels sont parfois plus réels que la réalité elle-même. Dans quelle mesure le réalisme littéraire et artistique engagent-ils une construction intelligible du monde, une expérience cognitive nouvelle ? Comment le réel est-il alors dénoté et signifié ?

Les propositions de contribution (3000 signes environ) accompagnées d’une brève notice biographique, sont à envoyer par courriel avant le 15 février 2017, à l’adresse suivante : pierre.hyppolite@u-paris10.fr    Elles seront examinées par les étudiants du master Cored (Humanités et Industries Créatives).

Les réponses seront transmises début mars 2017 ; les articles (texte et images) demandés pour juillet 2017. Le numéro 3 de la revue Opus sortira en 2018.

Source: https://www.fabula.org/actualites/litterature-et-peinture-desirs-de-realismes_77297.php

Appel à publication : « Caricatures et censures », Cahiers Daumier, n°8, automne 2017 (jusqu’au 1er janvier 2017)

Honoré Daumier, Victor Hugo, 1849 ©BnF
Honoré Daumier, Victor Hugo, 1849 ©BnF

La rédaction des Cahiers Daumier lance un appel à contribution pour les sections « Dossier » de son numéro 8, sur le thème « Caricatures et censures » :

Depuis l’Ancien Régime, la caricature et le dessin de presse subissent les assauts de la censure. Les évènements tragiques de janvier 2015 posent à nouveau la question du rapport de la caricature avec le pouvoir (et les contre-pouvoirs, comme les associations), son rapport à l’auto-censure, à la liberté d’expression, au poids de l’opinion, etc. Des interrogations qui font également écho à l’histoire de la censure : religieuse, morale, politique, la censure et son double parodique « Anastasie » occupent les pages des journaux du XIX jusqu’à nos jours.

La section « Essais » regroupe des articles en lien avec les thèmes de la revue (dessin de presse, caricature, presse) mais dont les sujets sont libres.

Les Cahiers Daumier se présentent comme un support de travail et de recherche autour de l’art de Daumier et, plus largement, de la caricature et du dessin de presse en France et à l’étranger, du XIXème à nos jours. La revue milite pour une pluridisciplinarité et fait appel aussi bien aux spécialistes (historiens et historiens de l’art, conservateurs…) qu’aux personnalités du monde de l’art (artistes, collectionneurs…).

Les propositions d’articles sont à envoyer avant le 1er janvier 2017 à sophiepauliac@gmail.com

L’échéance de remise des textes (30 000 signes max.) est fixée au 30 juin 2017.

La publication est prévue pour l’automne 2017.

Appel à publication : « Littérature et arts au XIXe siècle : questions de genre », Revue Romantisme (2018) (jusqu’au 15 janvier 2017)

romantisme

Date limite : 15 janvier 2017

Date de remise des textes : 15 septembre 2017

Romantisme a déjà abordé à plusieurs reprises et de diverses façons la question de la place des femmes dans l’histoire littéraire et artistique du XIXe siècle, et plus largement dans son histoire culturelle : tout d’abord, en envisageant les femmes comme des objets de représentation toujours prêts à être subsumés sous l’espèce générique « la femme » (avec les dossiers « Voix de femmes » en 1971, « Mythes et représentations de la femme » en 1976 et « Femmes écrites » en 1989) ; par la suite, en écoutant davantage le discours porté par les femmes elles-mêmes (avec les dossiers « Les femmes et le bonheur d’écrire » en 1992, « Pouvoirs, puissances : qu’en pensent les femmes ? » en 1994, « Savoirs de jeunes filles » en 2014). La question des sexualités a été abordée dans les numéros « Sodome et Gomorrhe » en 2013 et « La pornographie » en 2015. La revue souhaite aujourd’hui réunir des études qui s’inscrivent dans une perspective de genre : plutôt que de traiter des femmes, il s’agit d’interroger la différence des sexes comme une construction sociale et culturelle résultant d’un processus complexe qui assigne les individus à des rôles complémentaires et hiérarchisés. On souhaite, dans cette perspective, penser la singularité éventuelle du XIXe siècle comme période et comme objet d’étude.

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Appel à contribution : « Représentation(s), manifestation(s) et illustration(s) de la femme dans les lettres et les arts visuels de 1949 à nos jours », Convergences francophones (jusqu’au 16 décembre 2016)

yves-klein

DATE LIMITE : 16 décembre 2016

Pour son quatrième numéro (4.1, juin 2017), la revue Convergences francophones (ISSN 2291-7012) recherche des articles portant sur le thème suivant : Représentation(s), manifestation(s) et illustration(s) de la femme dans les lettres et les arts visuels de 1949 à nos jours.

La période choisie pour ce numéro n’a rien d’anodin puisque 1949 marque la publication du Deuxième sexe, œuvre majeure de Simone de Beauvoir qui, s’il est parfois contesté, reste un ouvrage clé des études féministes. Cette date annonce aussi l’arrivée de la 2e vague dans l’histoire du féminisme contemporain, où les féministes appuient leurs actions concrètes sur une réflexion théorique particulièrement vive et élaborée. Ces assises théoriques, développées dans plusieurs études qui font date, leur ont permis de mieux définir tant le passé et les acquis des mouvements féminins que certaines contradictions entre l’idéologie et la pratique des mouvements (Kaplan).

Continuer la lecture de Appel à contribution : « Représentation(s), manifestation(s) et illustration(s) de la femme dans les lettres et les arts visuels de 1949 à nos jours », Convergences francophones (jusqu’au 16 décembre 2016)

Appel à communication et publication : « 1917. Que reste-t-il d’une révolution ? » (jusqu’au 15 décembre 2016)

vertov

1917. Que reste t-il d’une révolution ?

Le cinéma, l’histoire, l’art, la politique

Numéro Spécial de la Revue Ecrans

Octobre 2017

On peut s’introduire dans le 20ème siècle de bien des manières. Mais il est certain que la révolution de 1917 est l’une des rares qui fasse coïncider la fin d’un empire, l’avènement d’un pays communiste et la naissance des premières utopies esthétiques. S’agissant du cinéma, l’événement nous met au contact d’une réalité bien particulière qui veut que le destin d’un art soit intimement lié au sort d’une révolution politique. Le cinéma russe et soviétique a, de ce point de vue, longtemps joui d’une autorité esthétique qu’il devait à ses essais théoriques autant qu’à quelques cinéastes – Koulechov, Poudovkine, Eisenstein, Vertov, Dvojenko, etc. – dont les œuvres ont impressionné l’époque. Pourtant, si l’on s’en tient à la stricte chronologie, les écrits russes sur le cinéma sont postérieurs aux textes qui s’écrivent en Europe et aux Etats-Unis. Les futuristes italiens publient en 1912 le Manifeste technique de la littérature futuriste qui compose une première apologie du cinéma, suivie en 1916 d’une Cinématographie futuriste signée par Marinetti, Corra, Balla, Settimielli, Ginna et Chiti. Aux Etats-Unis Eustache Hale Ball et James A. Taylor rédigent respectivement en 1913 et 1914 les premiers manuels à destinations des scénaristes et cinéastes américains, tandis que Vachel Lindsay fait paraître en décembre 1915 The Art of the Moving Picture, suivi quelques mois plus tard par Hugo Münsterberg qui publie 1916 The Photoplay : A psychological study. Quant à la France, elle crée ses premières revues de cinéma dès 1908 (Ciné-Journal), Maurice Raynal tient sa première chronique cinématographique en 1913 dans Les Soirées de Paris que fonde Guillaume Apollinaire, les premiers articles de Louis Delluc datent de 1917 et Philippe Soupault fait paraître ses poèmes cinématographiques en 1918. Or, lorsqu’on regarde du côté des premiers écrits russes sur le cinéma, on observe que les futuristes russes ne lui sont pas encore favorables. Meyerhold (Théâtre de foire, 1912) et Maïakovski (Théâtre, Cinéma, Futurisme, 1913) refusent d’y voir un art, avant de changer d’avis quelques années plus tard au contact des transformations politiques qui remettent le cinéma au premier plan (Meyerhold, Le portrait de Dorian Gray, 1918 ; Maïakovski, Cinéma et Cinéma, 1922). Il faut ainsi attendre 1917 pour que Koulechov écrive sa première défense du cinéma, 1921 pour que soit fondée la Fabrique de l’acteur Excentrique (FEKS), 1922 pour que l’on puisse lire le premier texte d’Eisenstein sur le cinéma (Le Huitième art), 1923 pour que soit créé le Front Gauche de l’Art (LEF).

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Appel à publication : « Fantastique, étrange et merveilleux dans les productions francophones » (jusqu’au 15 décembre 2016)

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Les Cahiers du GRELCEF No 9 (2017)
Thème : « Fantastique, étrange et merveilleux dans les productions francophones »
Dossier coordonné par Fanny Mahy (Universidade do Porto)

Les Cahiers du GRELCEF, la revue électronique du Groupe de recherche et d’études sur les littératures et cultures de l’espace francophone du Département d’études françaises de l’Université Western lance un appel à contribution pour son neuvième numéro consacré au fantastique, à l’étrange et au merveilleux dans les productions francophones, numéro dont la parution est prévue en mai 2017.

Selon les définitions désormais classiques de Tzvetan Todorov, le merveilleux suppose l’irruption d’éléments extraordinaires dans un univers où ils sont admis comme étant ordinaires. Ainsi, le personnage du petit chaperon rouge rencontre un loup doué de la parole et ce prodige est assumé comme naturel dans le récit. En revanche, le fantastique, régi par les règles de notre monde référentiel, ne peut admettre l’extraordinaire sans nuire à sa cohérence. Cette impossibilité a pour conséquence une incertitude ; le phénomène extraordinaire s’est-il vraiment produit ? Questionnements et hésitations nourrissent la poétique de confusion propre au fantastique. Si toutefois, l’existence de la manifestation inquiétante venait à s’avérer, le texte entrerait dans le registre du merveilleux. De même, si l’hésitation prend finalement parti pour les fantaisies et les illusions de l’imagination, le texte fraie alors son passage vers le domaine de l’étrange.

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Appel à publication : « Le conte comme esthétique et stratégie du détour dans la littérature et le cinéma » (jusqu’au 30 novembre 2016)

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  • DATE LIMITE : 30 novembre 2016
  • DATE DE REMISE DES TEXTES : 20 juin 2017
  • PUBLICATION : décembre 2017

GERMANICA N° 61/2017

Le conte comme esthétique et stratégie du détour dans la littérature et le cinéma

Appel à communication

Les communications porteront sur la littérature de langue allemande du XXème et du XXIème siècle et sur le cinéma allemand. L’objet d’étude est le conte comme esthétique et stratégie du détour dans la confrontation avec des situations extrêmes et des expériences traumatiques ˗ que le traumatisme, selon la distinction courante que l’on trouve par exemple chez J. P. C. van den Berg, surgisse à un moment précis de l’histoire collective ou individuelle ou qu’il soit perçu comme une catégorie ontologique. On constate en effet de façon récurrente un recours à ce genre littéraire lorsqu’il s’agit d’affronter des atrocités ou des expériences, qui par leur démesure et leur violence, ouvrent une brèche dans notre système de défense (le « Reizschutz » freudien, traduit par Michel Luciani par « filtrage des stimuli ») et plongent le sujet dans un effroi auquel il n’est pas préparé. Parfois, le récit tout entier et l’action sont à ranger d’emblée sous la catégorie du conte, parfois il s’effectue un basculement dans l’univers du conte lorsque la tension dramatique atteint son point d’acmé, comme s’il n’était possible de représenter l’irreprésentable et de dire l’indicible qu’en empruntant ce détour et par le biais d’une stratégie de distanciation, voire d’une rupture, et par un processus de métaphorisation, comme si le vécu, frappé d’étrangeté de par son caractère effroyable, ne pouvait être cerné et la réalité horrifiante ne pouvait être appréhendée que de cette manière indirecte.

Herta Müller confiait dans une interview qu’elle avait voulu « domestiquer la peur par la littérature ». Se pourrait-il, lorsqu’il s’agit non plus de la peur, mais d’un état de sidération au-delà de la peur, que le conte soit la forme littéraire la plus appropriée pour mettre des mots sur le traumatisme, permettant au témoin ou à la victime d’atrocités d’échapper à la pétrification qui fut le sort de la femme de Loth ? Cet effet produit par le conte serait-il lié à son origine, au fait que chaque conte serait issu, selon Kafka, « des profondeurs du sang et de la peur » (conversation avec Gustav Jarnouch), et à son esthétique mêlant l’effroi et la résistance ? Et cet argument vaut-il pour le genre, pour le conte en général, ou seulement pour une certaine catégorie de conte ?

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Appel à publication : « Voir l’exception. Existe-t-il des chefs-d’œuvre dans l’art et la littérature au Maroc ? » (jusqu’au 30 novembre 2016)

 

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  •  Délai de rigueur pour la soumission des propositions de contribution (max. 250 mots) accompagnées d’une courte notice biobibliographique: 30 novembre 2016.
  • Réponse des responsables de la publication : 20 décembre 2016.
  • Envoi des textes : 31 janvier 2017.
  • Publication : septembre 2017.

Contacts

Une notion inconsistante

Masterpiece, Meisterwerk, capolavoro, obramaestra, obra-prima, etc., le mot « chef-d’œuvre » existe dans toutes les langues et toutes les cultures. Mais, constamment fluctuants, subjectifs et inaptes à faire consensus, son sens et l’aura intellectuelle qu’il véhicule sont  étroitement dépendants des transformations des critères de goût et de jugement et de l’évolution de l’Histoire et des sociétés à travers le temps et l’espace. Désignant au 12ème siècle  des « ouvrages que faisait un aspirant ou une aspirante pour se faire recevoir maître ou maîtresse dans le métier qu’ils avaient appris » (Littré), ce n’est que pendant la Renaissance que le mot s’introduit dans le domaine des arts, pour qualifier des œuvres supérieures faisant preuve de virtuosité et de perfection et condensant les canons de beauté de leur genre. Avec la naissance de l’esthétique et la fondation de nombre de musées dans l’Europe du 18ème siècle, le développement des discours sur les beaux-arts, la musique et la littérature au 19ème, les mutations spectaculaires de la muséologie et la mise à l’épreuve de la notion d’œuvre au 20ème, le terme « chef-d’œuvre » s’expose à une prolifération d’acceptions psychologiques, esthétiques et institutionnelles qui, le dépossédant de sa force d’appel et de séduction, en transforment la signification, selon le mot de Hans Belting, en une « idée fantôme », une notion aérienne et indomptable exigeant sans cesse de nouvelles possibilités d’approche et de questionnement.  Précédées du livre de Kenneth Clark, What is a masterpiece ?, plusieurs études publiées depuis l’année 2000, consacrées aux différentes formes de création artistique, tentent de répondre à cette même question en montrant non seulement les caractères exceptionnel et emblématique de certaines œuvres, mais aussi l’influence d’œuvres considérées comme majeures sur l’histoire des arts et de la réception artistique[1]. Ces différentes tentatives de médiation et d’éclairage, aussi pluridisciplinaires et désintéressées soient-elles, se condamnent à des réponses qui se déconsidèrent les unes les autres, érudites et contestables, savantes et embarrassées, fascinantes et rebutantes, toujours contradictoires ; et ce en raison de cette aporie que constitue l’idée d’excellence en art, délestée en permanence de toute consistance permissive.

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Appel à publication : « Le végétal », catalogue d’exposition (jusqu’au 23 novembre 2016)

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  • DATE LIMITE : 23 novembre 2016
  • DATE DE REMISE DES TEXTES : fin décembre 2016

Dans le cadre de sa triennale d’art contemporain « April Dapsilis », qui portera cette année sur « Le Végétal », la Galerie Le point Fort désire éditer un catalogue faisant état de l’actualité de la recherche à ce sujet, qui approfondira les questions relatives à la place et aux acceptations possibles de la notion de « végétal » dans l’art contemporain.

Si la Nature fut, plusieurs siècles durant, enjeu de l’invention mimétique et de la sublimation du réel tout à la fois, et en tant que telle modèle idéel des Beaux-Arts, sa position, à l’aune du XXIe siècle, reste à définir. L’abandon des académismes au siècle dernier, tout comme l’arrivée de nouveaux matériaux dans le champ de l’art, ont remis en question le modèle en place et fait vaciller ses certitudes.

Quelle pertinence et quel rôle le végétal, au sens large, peut-il encore prendre dans l’art d’une société industrielle, voire post-industrielle ? Que peut-il nous en dire ? La Nature, facteur d’ordre et de beauté picturale, n’était-elle pas comprise dans un sens contraire à son essence végétale, même lorsqu’elle touche au Sublime ? L’ampleur prise par Internet nous invite à penser en réseau, créant une nouvelle forme d’intelligence ; qu’en est-il des feuilles, végétaux, fleurs, quelle place occupent-ils encore dans ce nouveau système ? De l’utilisation du végétal en tant que matière même, transformée ou non, dans l’art contemporain à l’adoption de modèles envahissants et rhizomatiques faisant échos à sa véritable Nature, l’art en envisage aujourd’hui de multiples approches.

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Appel à publication : « Actualité de la recherche sur le patrimoine culturel, architectural et urbain », revue APUNTES, Journal of cultural heritage studies (jusqu’au 15 décembre 2016)

apuntes

La revue APUNTES Journal of cultural heritage studies – de la Faculté d’Architecture et de Design de la Pontificia Universidad Javeriana (Bogotá, Colombie) prépare un numéro thématique (No. 30) intitulé “Actualidad de la investigación sobre patrimonio cultural, arquitectónico y urbano” (“Actualité de la recherche sur le patrimoine culturel, architectural et urbain”), à paraître fin 2017 en ligne et dans sa version imprimée.

Inscrite dans les champs de la recherche et des études sur le patrimoine culturel, APUNTES vise à mettre à jour ses lecteurs latino-américains au sujet des investigations et des travaux sur le patrimoine, développés récemment en France et concernant la connaissance, la conservation et la valorisation du patrimoine.

Continuer la lecture de Appel à publication : « Actualité de la recherche sur le patrimoine culturel, architectural et urbain », revue APUNTES, Journal of cultural heritage studies (jusqu’au 15 décembre 2016)