Pique nique de fin d’année 19-20, Parc de la Villette, 22 juin 2017

L’association doctorale 19-20 est heureuse de vous convier à son dernier événement de l’année universitaire : un pique-nique au parc de la Villette le jeudi 22 juin à partir de 19h.

Le point de rendez-vous est fixé près de la Bicyclette ensevelie de Claes Oldenburg et de Coosje Van Bruggen.

Venez avec vos amis/es doctorants/es ou toutes personnes intéressées par les activités de 19-20 pour partager de bonnes choses à boire et à manger.

Nous espérons vous retrouver toujours plus nombreux et nombreuses,

Camille, Chiara, Émeline, Hakima, Marion, et Ségolène

Colloque: « Archives, disparition, recréation : jeu et rejeu dans les arts », Pierrefite, archives nationales, 15-16 juin 2017

Colloque de clôture du projet « Replay, restitution, recréation… Pour une typologie de la reprise des archives ».

15 et 16 juin 2017, Archives nationales, site de Pierrefitte-sur-Seine, auditorium
Programme:
Jeudi 15 juin 2017 – Matinée
Président de séance : Yann Potin, Archives nationales –
Thème : Rejouer, reprendre
9h00 – Accueil des participants et du public
9h30 – Ouverture du colloque par Françoise Banat-Berger, directrice des Archives nationales
10h00 – Remonter, transmettre, apprendre et interpréter une pièce chorégraphique à partir d’archives et de souvenirs : l’exemple de Inlets 2 (1983) de Merce Cunningham
Robert Swinston, directeur artistique du CNDC-Angers et Anna Chirescu, danseuse interprète
10h45 – Archives et création : nouvelles perspectives sur l’archivistique
Anne Klein, professeur en archivistique, Université Laval (Québec), en partenariat avec Yvon Lemay, professeur agrégé, Université Laval (Québec)
11h30 – Archives : un repas gratuit ?
Franck Leibovici, artiste et poète
12h00 – L’œuvre et ses dossiers : pour une pragmatique des documents
Yaël Kreplak, sociologue, Fondation des sciences du patrimoine
Pause déjeuner/causerie
12h30 : Déjeuner
13h30-14h00 : Un art dans tous ses états… Entretien de Philippe Artières avec les auteurs de l’ouvrage Un art d’état ? Commandes publiques aux artistes plasticiens, 1945-1965, co-édité par les Archives nationales et les Presses universitaires de Rennes (2017)
Jeudi 15 juin 2017 – Après-midi
Président de séance: Philippe Bettinelli, Centre national des arts plastiques –
Thème: Démonter, remonter
14h15 – Projection du film Once in the XX Century (2004, vidéo projection, 8 mn) de Deimantas Narkevicius, artiste lituanien
14h30 – Rejouer les Danses dans la neige. Disparition, mythe de l’origine et autres intrigues
Anne Bénichou, professeure d’histoire et de théorie de l’art, École des arts visuels et médiatiques de l’Université du Québec (Montréal)
15h15 – Commande et disparition d’un manifeste du Front Populaire: Les Loisirs de Marcel Gromaire
Bruno Gaudichon, directeur et conservateur en chef du musée d’art et d’industrie André Diligent (Roubaix)
16h00 – Faut-il se fier aux archives ?
Jean-Michel Leniaud, directeur d’études, École Pratique des Hautes Études (Paris)
16h45 – « Je chanterai ce que je n’aurais pas voulu chanter » : du geste à l’archive
Marcela Santander Corvalán, danseuse et chorégraphe, et Bettina Blanc-Penther, vidéaste
17h30 – Discussions
Vendredi 16 juin 2017 – Matinée
Président de séance : Antoine Idier, École nationale supérieure d’arts de Paris-Cergy
Thème : Combler, restituer
9h00 – Accueil des participants et du public
9h45 – Lixus 1978/2013
Soufiane Ababri, artiste
10h30 – Une danse ancienne : état de la recherche
Rémi Héritier, danseur et chorégraphe, accompagné d’élèves de l’École supérieure d’art de Clermont Métropole et de danseurs professionnels
11h15 – À propos de L’inventaire des destructions
Éric Watier, artiste et professeur à l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Montpellier
12h00 – Sampler le passé
Camille Zehenne, artiste-chercheur
Pause déjeuner/visite
12h30 : Déjeuner
13h30-14h00 : Visite guidée de l’exposition « Un art d’État? Commandes publiques aux artistes plasticiens 1945-1965 »
Vendredi 16 juin 2017 – Après-midi
Président de séance : Paul-Louis Rinuy, Université Paris-VIII –
Thème : Recréation
14h00 – Évoquer un musée disparu : à propos de l’exposition de 2016 au Louvre « Un musée révolutionnaire : le musée des Monuments français d’Alexandre Lenoir »
Béatrice De Chancel-Bardelot, conservatrice du musée de Cluny – musée national du Moyen Âge (Paris)
14h45 – Something is happening. Héritage de Fluxus, danse et performance contemporaines
Judith Perron, danseuse, chorégraphe et professeur à l’ENSAPC, et Carole Boulbès, historienne, critique d’art et professeur à l’ENSAPC
15h30 – Titan/Workers Union, une création d’Aurélien Richard pour l’école supérieure de danse contemporaine du CNDC: appropriation et actualisation d’un patrimoine chorégraphique
Aurélien Richard, compagnie Liminal, et Claire Rousier, directrice adjointe du CNDC-Angers
16h15 – Discussion générale
17h00 – Clôture

Appel à communication : colloque « Les artistes et leurs institutions » (jusqu’au 22 mai 2017)

 Date et lieu du colloque : 16-17 novembre 2017 à Bordeaux.

Résumé

Ce colloque propose de traiter, d’une part, la manière dont les artistes, pris dans leur diversité et les institutions interagissent et se coordonnent et, d’autre part, sur les effets individuels et collectifs de ces modalités d’interaction. Il s’agira de définir et d’appréhender la variété des registres d’action des institutions dans le domaine artistique ainsi que les usages qu’en font les artistes.

Argumentaire

Pendant plusieurs décennies, les sciences sociales ont œuvré en France à saisir les grands mécanismes présidant à la structuration des mondes de l’art ainsi que leurs modes de fonctionnement en mobilisant divers angles d’analyse : espaces de biens matériels et symboliques (Boltanski, 1975 ; Bourdieu, 1992), catégories d’acteurs (Moulin, 1992), marchés du travail et de l’emploi (Menger, 1997). Ceci a notamment permis de documenter finement les processus d’élaboration des politiques artistiques (Urfalino, 1989 ; Dubois, 1999), leurs effets sur les pratiques culturelles, les mécanismes de fabrication de la valeur des œuvres et de leur(s) signataire(s) (Heinich, 1998) ainsi que les catégorisations artistiques (Maigret, 1994 ; Brandl, 2006 ; Faure, 2008). Par ailleurs, certains questionnements se sont davantage tournés vers le déroulement des parcours professionnels artistiques (Sorignet, 2001 ; Coulangeon, 2004 ; Laillier, 2011) et les relations qui se tissent entre artistes et institutions multiples (ministère de la Culture, administrations déconcentrées, écoles de formation, services culturels municipaux, Pôle emploi spectacle, SACEM, etc.), chargées de les soutenir ou de les accompagner. Si ce type de questionnement est relativement ancien, une série de recherches récentes tend à le renouveler en se penchant notamment sur des niveaux d’échelle plus « micro » et sur  l’analyse de ces relations « en train de se faire ». Des travaux existent ainsi sur les rapports aux services culturels des collectivités (Mirouse et Haschar-Noé, 2010), les mécanismes d’attribution d’aides à la création (Germain-Thomas, 2013), tandis que des recherches élargissent le regard aux institutions jouant un rôle d’intermédiation sur le marché du travail, telles que l’ANPE Spectacle (Sigalo Santos, 2013), les dispositifs de protection sociale (Pilmis, 2010), les agences artistiques (Lizé et al., 2011), ou encore à d’autres acteurs en charge notamment de la protection contre la précarité (Avarguez et al., 2014) ou de l’appui à la « reconversion » (Julhe et al., 2015 ; 2016), etc. Partant de là, ce colloque propose de revenir, d’une part, sur la manière dont les artistes, pris dans leur diversité (spectacles vivants, arts plastiques, productions littéraires et cinématographiques, auteurs, interprètes, compositeurs, etc.), et les institutions (services de l’État, collectivités, agences artistiques, Pôle Emploi, AFDAS, Audiens, CNC, etc.) interagissent et se coordonnent et, d’autre part, sur les effets individuels et collectifs de ces modalités d’interaction. Il s’agira in fine de définir et d’appréhender la variété des registres d’action des institutions dans le domaine artistique ainsi que les usages qu’en font les artistes. Plus particulièrement, une attention sera portée à la manière dont ces relations se déclinent selon les thématiques suivantes :

Thème 1 – Temporalités artistiques et institutionnelles

Au-delà du contexte commun d’accélération qui semble toucher les mondes du travail et les sociétés occidentales dans leur ensemble (Rosa, 2010), il est fréquemment noté que les artistes et les institutions disposent chacun de calendriers et de rythmes temporels qui leur sont propres (Monchatre et Whoel, 2014). Sur cette première dimension, on peut s’interroger, par exemple, sur la manière dont l’évolution des contrats d’aide à la création ou les conventions de subventionnement altèrent les temps de préparation et de maturation des œuvres ou de répétition des spectacles (David-Gibert et al., 2006 ; Mirouse et Haschar-Noé, 2010) ou encore sur les modes d’appropriation, par les artistes intermittents du spectacle, des dispositifs d’indemnisation chômage, en fonction de la temporalité de leur travail artistique et de leur carrière (Langeard, 2017). On pourra également questionner la façon dont s’agencent les temps de travail dans les parcours individuels et ceux dédiés à la formation professionnelle, les évolutions concernant la prise en compte du temps de maternité, l’avancée en âge dans la carrière artistique, etc. La façon dont les employeurs du spectacle (Opéras, CCN, Cabarets, etc.) gèrent le temps de la carrière artistique, ou encore celle dont les agences artistiques rythment les changements d’employeurs ou l’accélération des contrats pourra également être étudiée. Plus largement, il s’agit d’analyser dans ce premier thème la manière dont s’articulent ou se chevauchent les rythmes liés d’un côté aux activités artistiques, aux diverses institutions qui les administrent de l’autre.

Thème 2 – Les artistes, les institutions et leurs espaces

Au cours des dernières décennies, plus particulièrement suite aux processus de décentralisation et de déconcentration culturelles et artistiques (Négrier et Teillet, 2014) et dans le prolongement de l’évolution d’autres politiques publiques (emploi, formation, etc.), le développement de la création artistique s’est assortie d’une recherche d’adéquation avec ce qu’il est convenu d’appeler le « territoire », autrement dit, avec un espace aux frontières fluctuantes jugé pour un temps donné comme le référentiel pertinent de l’action. De la même façon que l’artiste s’inscrit nécessairement dans le temps, il est également marqué par les territoires et leurs instances, ne serait-ce que dans l’instauration de relations spatialisées entre acteurs des mondes culturels et artistiques (Urrutiaguer, Henry, 2012). D’un côté, l’art mondialisé voit les artistes et les œuvres s’exporter et circuler pour atteindre une visibilité qu’ils n’auraient pas nécessairement dans leur pays d’origine. S’engagent ici une série d’actions et de dispositifs visant à assurer le « rayonnement » extérieur d’un ensemble d’artistes et de pratiques culturelles et, ce faisant, celui de son territoire de rattachement, qu’il soit communal, régional ou national (Broclain, 2012). De l’autre, via l’action des collectivités, un « retour au local », à l’action artistique de proximité et l’incitation au dialogue entre pratiques artistiques et problématiques territoriales, contexte qui peut être perçu par certains artistes comme une injonction institutionnelle (Langeard, 2015). On peut ainsi interroger la manière dont les politiques publiques, aussi bien que les artistes eux-mêmes, envisagent ainsi d’amener « l’art » où il ne serait pas (e.g. zones rurales, péri-urbaines, etc.) et s’approprient ces espaces (squat artistique, street art ou land art dit « sauvage », etc.), ou encore souhaitent se donner à voir « hors les murs » des établissements culturels conventionnels. Au-delà de la dialectique entre le global et le singulier, la question est aussi celle de la variabilité des formes de soutien, d’accompagnement et/ou de pratiques artistiques selon les territoires (communes, régions, etc.), mais aussi selon les sous-espaces artistiques (réseaux de diffusion ou circuits de distribution par exemple), et leurs effets sur les parcours professionnels mais aussi, plus largement, sur l’accès aux pratiques culturelles.

Thème 3 – Systèmes de valeurs, classements et reconnaissance

Aux différents niveaux du social, chaque ensemble d’individus dispose de systèmes de pensées et de normes, qui facilitent l’action collective et qui font varier le sens accordé à une pratique, à un objet. Le monde artistique contemporain ne constitue pas une exception en la matière (Heinich, 2005 ; Mauger, 2006). Ainsi, il apparaît pertinent de s’intéresser à ce qui fonde la qualification d’une œuvre, selon les catégories d’acteurs qui en sont à l’origine, les contextes ou encore les périodes historiques. Cela revient à interroger la variabilité des critères mobilisés dans les processus de reconnaissance institutionnelle, mais également la manière dont les artistes tentent de composer ou non avec eux, et les effets de ces positionnements sur les trajectoires individuelles (Faure, 2004). La question de la « consécration » artistique, entendue au sens large et allant du succès commercial ou de la notoriété médiatique à la patrimonialisation d’une œuvre, se situe au cœur d’une grande partie de l’analyse des mondes de l’art et de la culture (Bowness, 1989). Au travers d’une variété de termes sous lesquels cette problématique se décline (consécration, succès, notoriété, renommée, réputation, visibilité, légitimation, etc.), elle s’entend en premier lieu comme le résultat d’une opération de hiérarchisation des œuvres et des artistes, qui s’organise en grande partie selon la logique d’accumulation du capital symbolique (Bourdieu, 1992). Or, l’appréciation de la valeur d’un artiste s’avère marquée par un regard individuel (experts, membres d’un jury, critiques, agents, élus, programmateurs, etc.) porté sur le projet ou l’œuvre de celui-ci, regard lui-même cadré en partie par les attentes d’institutions et leur impératif d’évaluation, susceptible de modifier le jugement sur la qualité d’une œuvre (Faure, 2008 ; Ribac, 2017). Parallèlement, le thème de la « reconnaissance » comporte une dimension plus collective, à travers la façon dont les artistes et leurs représentants parviennent ou non à faire reconnaître leur valeur en tant que groupe professionnel, notamment en matière de droits sociaux (Grégoire, 2013 ; Langeard, 2013). On peut ainsi penser à l’action syndicale et aux diverses mobilisations collectives impliquées dans le travail de construction, consolidation et valorisation du « statut ». Plus encore, il est envisageable d’interroger la relation entre consécration artistique et reconnaissance sociale (Maigret, 1994 ; Péquignot, 2009), l’appui d’une personnalité médiatique pouvant par exemple servir des intérêts collectifs. Enfin, l’accès à la direction d’une institution apparaît pour certaines catégories d’artistes comme un élément central dans une trajectoire de consécration (Glas, 2013).

Afin de favoriser la richesse du croisement des regards, les travaux attendus peuvent se situer à différentes échelles d’analyse (territoriales, sectorielles, interprofessionnelles, etc.), mobiliser plusieurs types de données (quantitatives, entretiens, archives, etc.) et émaner de chercheurs et chercheuses représentant l’ensemble des disciplines en sciences sociales : sociologie, histoire, sciences de l’éducation, économie, droit, anthropologie, etc. Ils peuvent se situer à la croisée de plusieurs thématiques, étant entendu que les processus d’ajustement entre artistes et institutions mobilisent fréquemment les dimensions temporelles, spatiales et normatives.

Modalités de soumission

La proposition de communication, d’une page (environ 3.000 caractères espaces compris), devra préciser la problématique traitée, la méthodologie de recherche adoptée, les données mobilisées et les principales questions, voire les principaux résultats, qui seront présentés lors du colloque.

Elle devra également comporter les éléments suivants : le nom et les coordonnées du ou des auteurs (institution, adresse mail, téléphone), des mots-clés (5 maximum) et une bibliographie aux normes APA.

La proposition de communication est à envoyer pour

le 22 mai 2017

à Samuel Julhe (samuel.julhe@univ-reims.fr) et Émilie Salaméro (emilie.salamero@univ-poitiers.fr).

Une publication est prévue à l’issue de ce colloque. Elle fera l’objet d’un appel à articles et les décisions de publication seront soumises à l’évaluation d’un comité scientifique élargi.

Participation au colloque et inscription

La participation au colloque est gratuite, hormis pour la prise en charge des repas (midi du 16 nov. ; soir du 16 nov. ; midi du 17 nov.)

L’inscription est néanmoins obligatoire et à réaliser avant le 15 octobre.

Comité scientifique
  • Cardon Vincent, MCF, Université de Picardie Jules Verne, CESPRA UMR 8036
  • Faure Sylvia, MCF, Université Lyon 2, Centre Max Weber UMR 5283
  • Goetschel Pascale, MCF-HDR, Université Paris Panthéon-Sorbonne, CHS du XXe siècle UMR 8058
  • Grégoire Mathieu, MCF, Université Paris Nanterre, IDHES UMR 8533
  • Langeard Chloé, MCF, Université d’Angers, GRANEM EA 7456
  • Liot Françoise, MCF, Université de Bordeaux, Centre Emile Durkheim UMR 5116
  • Lizé Wenceslas, MCF, Université de Poitiers/Limoges, GRESCO EA 3815
  • Patureau Frédérique, IR, Ministère de la culture et de la communication, DEPS
  • Perez-Roux Thérèse, PU, Université Montpellier 3 Paul Valéry, LIRDEF EA 3749
  • Pilmis Olivier, CR, Centre de sociologie des organisations UMR 7116
  • Richard Etienne, PU, Université Montpellier 3 Paul Valéry, LIRDEF EA 3749
  • Sinigaglia Jeremy, MCF, Université de Strasbourg, SAGE UMR 7363
  • Urrutiaguer Daniel, PU, Université Lyon 2, Passages XX-XXI EA 4160
Comité d’organisation
  • Bourneton Florence, PAST, Institut National Universitaire Champollion.
  • Chopin Marie-Pierre, PU, Université de Bordeaux, CeDS EA 7440
  • Cordier Marine, MCF, Université Paris Nanterre, CERSM EA 2931
  • Honta Marina, PU, Université de Bordeaux, Centre Emile Durkheim UMR 5116
  • Julhe Samuel, MCF, Université de Reims Champagne Ardenne, CEREP EA 4692
  • Salaméro Emilie, MCF, Université de Poitiers, CEREG EA 1722

Références citées

  • Avarguez S., Gomel B., Sigalo Santos L., 2014, « L’accompagnement des artistes allocataires du RSA », in A. Eydoux, B. Gomel (éd.), Apprendre (de l’échec) du RSA. La solidarité active en question, Paris, Ed. Liaisons, p. 239-246.
  • Boltanski L., 1975, « La constitution du champ de la bande dessinée », Actes de la Recherches en sciences Sociales, n°1, p.37-59.
  • Bourdieu P., 1992, Les règles de l’art. Genèse et structure du champ littéraire. Paris, Seuil.
  • Bowness A., 1989, The Conditions of Success. How the Modern Artist Rises to Fame. London, Thames and Hudson.
  • Brandl E., 2006, Ce que l’institutionnalisation fait à la sociologie des arts et de la culture. L’exemple des musiques amplifiées en région. In Girel S. (éd). Sociologie des arts et de la culture. Un état de la recherche. Paris, L’Harmattan, p. 333-360.
  • Broclain E., 2012, Tango. Enjeux d’une stratégie de promotion territoriale fondée sur la réappropriation d’un patrimoine musical, Questions de communication, n°22, p. 123-140.
  • Coulangeaon P., 2004, Les musiciens interprètes en France. Portrait d’une profession, Paris, La Documentation française.
  • David-Gibert G., Guy J.-M, Sagot-Duvauroux D. (dir.), 2006, Les arts du cirque. Logiques et enjeux économiques. Paris, La Documentation française.
  • Dubois V., 1999, La politique culturelle. Genèse d’une catégorie d’intervention publique, Paris, Belin.
  • Faure S., 2004, Institutionnalisation de la danse hip-hop et récits autobiographiques des artistes chorégraphes, Genèses, n°55, p. 84-106.
  • Faure S., 2008, Les structures du champ chorégraphique français, Actes de la recherche en sciences sociales, n°175, p. 82-97.
  • Germain-Thomas P., 2013, Inventer et construire des compromis entre l’art et l’économie. Négociations, n°20, p. 41-58.
  • Glas M., 2013, Le Syndicat national des entreprises artistiques et culturelles (SYNDEAC), miroir et moteur des transformations de l’univers théâtral, Le Mouvement Social, n° 243, p. 67-77
  • Grégoire M., 2013, Les intermittents du spectacle. Enjeux d’un siècle de luttes. Paris, La Dispute.
  • Heinich N., 1998, Le triple jeu de l’art contemporain. Sociologie des arts plastiques. Paris, Ed. de Minuit.
  • Heinich N., 2005, L’Élite artiste. Excellence et singularité en régime démocratique. Paris, Gallimard.
  • Julhe S., Salaméro E., Honta M., 2015, Aider à la reconversion des danseurs, Revue française des affaires sociales, 1-2, p. 229-247.
  • Julhe S., Salaméro E., Honta M., 2016, Construction d’un malentendu entre porteurs et destinataires d’un dispositif social. Accompagner la “reconversion” des artistes chorégraphiques et des artistes de cirque, SociologieS [En ligne], mis en ligne le 07 mars 2016. URL : http://sociologies.revues.org/5199
  • Laillier J., 2011, La dynamique de la vocation : les évolutions de la rationalisation de l’engagement au travail des danseurs de ballet, Sociologie du travail, vol. 53-4, p. 493-514.
  • Langeard C., 2013, Les intermittents en scènes. Travail, action collective et engagement individuel. Rennes, PUR.
  • Langeard C., 2017, L’indemnisation chômage au travail. Appropriation d’un dispositif de régulation public par les intermittents du spectacle, Swiss Journal of Sociology, n°43-2, p. 181-203.
  • Langeard C., Liot F., Rui S., 2015, Comment mesurer ce que le théâtre fait au territoire ? Reconfiguration du public et évaluation, Espaces et Sociétés, n°163, p. 107-123.
  • Lizé W., Naudier D., Roueff O., 2011, Intermédiaires du travail artistique. A la frontière de l’art et du commerce. Paris, La Documentation Française.
  • Maigret E., 1994, La reconnaissance en demi-teinte de la bande dessinée, Réseaux, n°67, p. 113-140.
  • Mauger G. (dir.), 2006, L’accès à la vie d’artiste. Sélection et consécration artistiques. Paris, Ed. du Croquant.
  • Menger P.-M., 1997, La profession de comédien. Formations, activités et carrières dans la démultiplication de soi. Paris, La Documentation Française.
  • Mirouse S., Haschar-Noé N., 2010, Vocation artistique et rationalisation du travail : ethnographie d’une compagnie de danse contemporaine, Revue Sciences sociales et sports, n°3, 77-106.
  • Monchatre S., Whoel B. (dir.), 2014, Temps de travail et travail du temps. Paris, Publications de la Sorbonne.
  • Moulin R., 1992, L’artiste, l’institution et le marché. Paris, Flammarion.
  • Négrier E., Teillet Ph., 2014, Le tournant instrumental des politiques culturelles, Pôle Sud, n°41, p. 83-100.
  • Péquignot B., 2009, Sociologie des arts. Domaines et approches. Paris, Armand Colin.
  • Pilmis O., 2010, Protection sociale, structures marchandes et temporalité de l’activité. Pigistes et comédiens face à l’assurance-chômage, Sociologie, vol.1, 2, p. 215-233.
  • Ribac F., Dutheil-Pessin C., 2017, La fabrique de la programmation culturelle, Paris, La Dispute.
  • Rosa H., 2010, Accélération. Une critique sociale du temps, Paris, La Découverte.
  • Sapiro G., 2007, La vocation artistique. Entre don et don de soi, Actes de la recherche en sciences sociales, n°168, p. 4-11.
  • Sigalos Santos L., 2013, Portrait d’un service public en intermédiaire : l’ANPE Spectacle de Paris, Le Mouvement Social, n° 243, p. 31-40
  • Sorignet P.-E., 2001, Le Métier de danseur contemporain, thèse de doctorat, EHESS.
  • Urfalino Ph., D’Angelo M., Friedberg E., 1989, Les politiques culturelles des villes et leurs administrateurs. Paris, La Documentation française.
  • Urrutiaguer D., Henry, Ph., 2012, Territoires et ressources des compagnies en France. Paris, Deps-MCC.

Source: https://calenda.org/402433

Appel à communication: Le corps en faillite : expériences et représentations du handicap dans la littérature et les arts (jusqu’au 15 mai 2017)

Colloque international interdisciplinaire, 20 et 21 octobre 2017

Université Jean Monnet, Saint-Etienne (CELEC) & Université Jean Moulin – Lyon 3 (IETT)

Ce colloque sera consacré à l’expérience et à la représentation du handicap dans la littérature et les arts. Que l’on pense au membre paralysé ou amputé, à la déficience visuelle ou mentale, à l’estropié de guerre ou à l’accidenté de la route, on ne peut que souligner la profonde fascination qu’a suscité le corps en faillite dans la sphère artistique comme dans l’imaginaire populaire. Hors-norme et littéralement extraordinaire, il paraît cependant résister tant à la représentation qu’à l’interprétation, les enjeux qu’il a pu soulever ayant souvent été limités par une vision qui l’a réduit à une version diminuée du « corps normal ». Par ailleurs, puisque l’idéal du « corps sain dans un esprit sain » a longtemps prévalu, le corps handicapé a souvent été présenté comme le symptôme d’une faute morale ou la manifestation physique d’un mal ontologique, approche qui l’a cantonné à une lecture métaphorique ou allégorique.

Ce n’est qu’au milieu des années 1980 que l’attention critique nouvelle suscitée par la   question du handicap en renouvelle les enjeux, alors que les disability studies se constituent en Amérique du Nord comme champ disciplinaire à part entière. En France, ce n’est que très récemment que la question a commencé à soulever un intérêt critique. Au croisement des notions de gender, race et class, ce champ d’étude a activement contribué à enrichir un dialogue interdisciplinaire autour de la question de l’identité. Cette visibilité nouvelle a permis de repenser l’approche du handicap, en cessant de l’envisager sous l’angle de la déficience et de la carence.

Les disability studies ont en effet replacé le sujet handicapé au cœur de la réflexion et l’ont débarrassé des stigmates qui ont longtemps pesé sur lui, notamment en réarticulant le rapport entre le normal et le pathologique. Ce travail a permis de mettre au jour un autre rapport au monde et à soi, d’identifier les stratégies par lesquelles celui-ci transcende les limites que son corps lui impose, tant dans la vie quotidienne que dans la pratique artistique. C’est dans cette perspective que nous nous proposons d’interroger les figures du corps handicapé dans les productions littéraires, cinématographiques, culturelles et artistiques, dans le monde anglo-saxon et au-delà.

Tout d’abord, le handicap est une expérience qui implique bien souvent la construction d’un récit et nous souhaitons prêter une attention toute particulière aux formes narratives qu’il adopte et adapte. Le handicap suscite inévitablement un récit : le membre manquant, le corps paralysé ou l’altération cognitive impliquent le besoin de rendre compte de ce qui en est à l’origine. Ce récit, constamment remodelé au fil du temps et au gré des contextes, permet à l’individu de se libérer des discours institutionnels et du langage médical ainsi que de se (re)construire grâce à la force génératrice du récit qu’il produit. Il dépasse ainsi l’expérience traumatique et se réapproprie une identité qu’il a lui-même façonnée. Le handicap a ainsi contribué à redéfinir les genres et les formes narratives, du comique au tragique. Se pose alors un double questionnement sur les fonctions diégétiques du sujet handicapé et les stratégies narratives à l’œuvre dans ces récits. La représentation du handicap opère en effet une réarticulation du rapport à l’espace (limite / immobilité / confinement) et au temps (durée, ressassement, projection), du rapport à soi (acceptation, négation) et à l’autre (dépendance, perception), du rapport au langage et à la création.

Par ailleurs, l’expérience du handicap induit souvent un renouvellement des pratiques artistiques qui exploite toutes les possibilités créatrices qu’offrent le geste maladroit, la parole qui achoppe et le corps vulnérable. On ne peut donc limiter le handicap aux stratégies de compensation et de réparation visant à combler les défaillances qu’il implique. La prothèse, par exemple, ne relève pas d’une simple substitution ou d’une imitation (de l’organe défaillant ou du membre manquant), mais d’une association entre corps et technologie qui déterritorialise la sphère de l’humain et en améliore les performances. Ce qui ne peut se faire ou se dire trouve ainsi des canaux d’expression détournés et donne naissance à des formes et des pratiques inédites.

Si une poétique du handicap ne peut se satisfaire d’une simple célébration des dysfonctionnements, des déficiences et des défaillances du corps humain, peut-elle se soustraire à l’opposition binaire entre manque et excès, impuissance et surpuissance ? De la même façon, comment échapper à la double impasse de l’exhibition ou de l’invisibilité, de la répulsion ou de la sublimation, de la stigmatisation et de l’idéalisation ? Puisque le corps handicapé ne se conforme pas aux codes esthétiques, dans quelle mesure, artistes, cinéastes et écrivains réarticulent-ils notre rapport au beau et au laid ? Se pose alors la question des affects et du malaise que suscite le corps handicapé. Il s’avère alors crucial d’analyser le bouleversement qu’il opère dans l’expérience sensible, les affects singuliers qu’il met en jeu et la différence irréductible qu’il représente. L’expérience cognitive générée par le handicap ouvre à toute une série d’expériences esthétiques inédites et le pouvoir de la fiction se retrouve au service d’une construction identitaire bâtie sur une autre relation au temps, à l’espace et au corps. Le repérage de ces formes et des possibilités qu’elles offrent participe à la compréhension et à la transformation des représentations collectives du handicap.

Nous sollicitons notamment des propositions sur les axes suivants :

– corps handicapé et technologie

– handicap moteur / psychique et les limitations de la perception

– le handicap et ses ressorts tragiques / comiques

– récits du handicap et (re)construction de l’identité

– le personnage handicapé comme héros / personnage secondaire

le handicap au cœur de la pratique artistique

– les handicaps et les arts corporels / visuels

– la réception des disability studies en France et ses questionnements liés à la terminologie

– la relation handicapé / valide

– vieillesse et handicap

– handicap, genre et sexualités

 

Les propositions de communication (300 mots) sont à envoyer à Pierre-Antoine Pellerin (pierre-antoine.pellerin@univ-lyon3.fr) et Sophie Chapuis (sophie.chapuis@univ-st-etienne.fr) avant le 15 mai 2017.

 

Bibliographie sélective

Couser, Thomas G. and Thomas Griffith, Signifying Bodies: Disability in Contemporary Life Writing, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2009.

Davis, Lennard J., Bending over Backwards: Disability, Dismodernism and Other Difficult Positions, New York: New York University Press, 2002.

Eco, Umberto (dir.), Histoire de la laideur, Flammarion, 2007.

Garland-Thompson, Rosemarie, Extraordinary Bodies, Figuring Physical Disability in American Culture and Literature, New York: Columbia University Press, 1997.

Hall, Alice, Literature and Disability, London: Routledge, 2016.

Mitchell, David T., and Sharon L. Snyder. Narrative Prosthesis: Disability and the Dependencies of Discourses, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2000.

Sandhal, Carrie and Philip Auslander (ed.), Bodies in Commotion, Disability and Performance, Ann Arbor: University of Michigan Press, 2005.

Source: https://www.fabula.org/actualites/le-corps-en-faillite-experiences-et-representations-du-handicap-dans-la-litterature-et-les-arts_78808.php

Conférence: Matisse et le coup du bambou, Paris, INHA, 12 mai 2017

Spécialiste de l’art européen et américain du  XXe siècle, Yve-Alain Bois s’intéressera à la canne de bambou comme instrument de dessin pour Henri Matisse. Cette pratique inhabituelle est directement liée à la découverte, dès les années 1900, qu’il lui est impossible de mettre au carreau un dessin en vue d’une grande composition, puisque la qualité d’une couleur se modifie en fonction de la quantité de surface qu’elle recouvre.

À la fin des années 1940, alors qu’il décore la Chapelle du Rosaire à Vence, Matisse a encore recours à cet outil particulièrement difficile à manier. Mais si l’usage de la canne va de soi pour certains muraux, il semble paradoxal pour le Chemin de Croix dont les quatorze stations sont d’abord esquissées séparément sur papier à leur échelle définitive. Et s’il s’agissait cette fois pour Matisse, dans cette œuvre délibérément sauvage, de trouver le moyen de perdre le contrôle?

Intervenant

  • Yve-Alain Bois (School of Historical Studies, Princeton)

Responsable scientifique

  • Elitza Dulguerova (INHA)

___

Informations pratiques

12 mai 2017 – 18H-20H

Galerie Colbert, auditorium
Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

entrée libre

Source: https://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/mai-2017/matisse-et-le-coup-du-bambou.html

Colloque: Pierre-Albert Birot (1876-1967), au confluent des avant-gardes, (Saint-Germain-la-Blanche-Herbe, IMEC, 4-5 mai 2017)

Pierre Albert-Birot (1876-1967) au confluent des avant-gardes

Couverture de la maquette de Sic. Fonds Pierre Albert-Birot/Archives IMEC

Colloque à l’IMEC dirigé par Carole Aurouet et Marianne Simon-Oikawa

« Pierre Albert-Birot est une sorte de pyrogène / Si vous voulez enflammer des allumettes / Frottez-les donc sur lui / Elles ont des chances de prendre / Trop peu de pyrogènes aujourd’hui / Mais je ne dis rien des allumettes ». Un artificier de la création, un homme rare parmi les poètes et les artistes de son époque : tel est le jugement que porte sur lui Apollinaire, dont il fut l’un des plus proches amis.

Pierre Albert-Birot (1876-1967), venu tard à la poésie, à 40 ans, fut un infatigable expérimentateur. Tour à tour sculpteur, peintre, éditeur, imprimeur, poète, homme de théâtre, scénariste, il est aussi l’auteur d’une oeuvre à bien des égards pionnière. Fondateur de la revue SIC (Sons, Idées, Couleurs, 1916-1919), il accueille les œuvres des créateurs les plus audacieux de son époque : Apollinaire, Soupault, Reverdy, Picasso, Zadkine, mais aussi Survage ou Chana Orloff. Dans son œuvre personnelle, il innove dans des domaines aussi variés que la poésie visuelle (poèmes-affiches, poèmes-pancartes), la poésie sonore (poèmes à crier et à danser), le théâtre (pièces pour marionnettes, théâtre circulaire) ou le cinéma avec ses ciné-textes poétiques. Il s’illustre dans le haiku comme dans l’épopée, avec son Grabinoulor, une coulée de près de 1 000 pages sans aucun signe de ponctuation. Parallèlement, il explore dans toute son œuvre, une série de thèmes récurrents qui sont la marque de son univers : la relation avec les arts, le double intérieur, la quête des origines.

Longtemps éclipsée par les surréalistes, qui ne lui pardonnaient pas son indépendance, l’œuvre de Pierre Albert-Birot fait l’objet d’une nouvelle reconnaissance. Il importe aujourd’hui de retracer le parcours peu commun de ce créateur joyeusement moderne qui, sûr de son chemin, écrivait : « Je peux conduire, ou marcher côte à côte, marcher derrière, jamais ». Le présent colloque se donne ainsi pour but d’étudier comment Albert-Birot, à l’issue d’un long cheminement vers la modernité, découvrit les avant-gardes et y participa pleinement, sans adhérer à aucune école ni même à aucun mouvement autre que le nunisme, qu’il avait fondé. Il sera ainsi l’occasion de mesurer sa place dans les avant-gardes européennes, dans les arts de la scène et les arts visuels, mais aussi dans l’univers de l’épopée avec Grabinoulor. Ses relations avec les peintres et les poètes seront aussi abordées.

Ce colloque constitue l’une des manifestations phares de l’année 2017, parallèlement à une série d’autres événements organisés autour de l’œuvre de Pierre Albert-Birot : Huitièmes Rencontres poétiques à l’IMEC en partenariat avec le Rectorat de l’académie de Caen d’octobre 2016 à mai 2017, publication de Petites gouttes de poésie avec quelques poèmes sans gouttes (poèmes d’Albert-Birot et illustrations de Bobi + Bobi, Møtus) en février, parution d’un numéro double de la revue Europe « Pierre Albert-Birot / Claude Cahun » en avril, entre autres.

Programme

Premier jour : PAB dans son temps

10h15-10h30. Accueil des participants

10h30-10h45. Allocutions de bienvenue : Région, IMEC (Albert Dichy) et Joëlle Jean

10h45-11h. Présentation : Carole Aurouet et Marianne Simon-Oikawa

11h-12h30 PAB et les avant-gardes européennes Modératrice : Barbara Meazzi

Pascal Rousseau : « « Être nuniste ou ne pas être » : le présentisme de Pierre-Albert Birot »

Prosper Hillairet : « Survage et les Rythmes colorés »

Montserrat Prudon-Moral : « De « L’art poétique », le dialogue catalan de PAB »

12h30-14h : déjeuner

14h-16h La guerre, creuset des avant-gardes Modératrice : Joëlle Jean

Laurent Véray : « Présentation et projection du film En Somme »

Debra Kelly : « Pierre Albert-Birot n’ira pas à la guerre : expériences et imaginaires en temps de guerre »

Luc Vigier : « SIC et le design musical de la pensée »

16h-16h30 : pause

16h30-17h30 PAB, homme d’images Modérateur : Laurent Véray

Anne Reverseau : « Pierre Albert-Birot, photographe photographié »

Carole Aurouet : « PAB et le cinéma » 20h30-21h30 Salut à Arlette Albert-Birot

Deuxième jour : PAB en lui-même

9h45 : Accueil

10h00-11h30 L’avant-garde au quotidien : PAB, Apollinaire et Grey Modératrice : Debra Kelly

Bernard Baillaud : « Entre Guillaume Apollinaire et Jean Paulhan, la ligne PAB »

Peter Read : « Albert-Birot en coulisses : Les Mamelles de Tirésias »

Barbara Meazzi : « PAB et Roch Grey : histoire d’une amitié »

11h30 : pause

11h45-13h15 PAB et le livre Modératrice : Madeleine Renouard –

Sophie Lesiewicz : « PAB éditeur de livres graphiques » –

Marianne Simon-Oikawa : « La genèse des poèmes visuels de PAB : l’histoire d’une métamorphose »

Anne-Christine Royère : « Poèmes-affiches, poèmes-pancartes, poème-timbre : tradition et filiation de la poésie visuelle de PAB »

13h15-14h30 : Déjeuner

14h30-16h Avant-gardes théâtrales et arts et la scène Modérateur : Peter Read –

Didier Plassard : « L’écriture théâtrale pour marionnettes de Pierre Albert-Birot »

Jean-Pierre Bobillot : « Poême à crier et à danser etc. : une approche médiopoétique »

Julien Blaine : « Interactions & in(ter)ventions en faveur de Silex »

Conclusions du colloque

Source: https://www.fabula.org/actualites/pierre-albert-birot-1876-1967-au-confluent-des-avant-gardescolloque-l-imec-dirige-par-carole_79038.php

Appel à communication: « Ces matières sans rivales », la céramique architecturale et la Manufacture de Sèvres (jusqu’au 16 mai 2017)

Journée d’études organisée par la Cité de la céramique et le LABEX CAP (Création, Arts, Patrimoine), Paris, INHA, 13 octobre 2017
Si la céramique architecturale, comprise comme matériau ou élément de décors, occupe une grande place dans le paysage urbain européen, elle reste encore mal connue et la Manufacture de Sèvres apparaît de surcroît comme la grande absente des publications sur ce sujet.
Lieu d’exception tant par sa production que par ses expérimentations techniques, Sèvres, tantôt pionnière, tantôt suiveuse, apparaît néanmoins importante pour retracer l’histoire de ce matériau en architecture. En effet, ce type de production est présent dès la fin du XVIIIe siècle et la Manufacture est même célébrée par la presse et le grand public pour ses créations monumentales au XXe siècle.
Cette journée débutera avec les premières cheminées décorées par la Manufacture dès 1792 et s’étendra jusqu’à nos jours avec le projet de Barthélémy Toguo pour la station Château Rouge de la ligne 4 du métro parisien. L’étude de ses productions permettra ainsi d’offrir un nouvel éclairage sur des lieux et édifices célèbres, du château de Fontainebleau au Louvre Abu-Dhabi, en passant par les pavillons des Expositions universelles et le paquebot Normandie.
Organisée par la Cité de la céramique dans le cadre du programme Immersion du LABEX CAP, cette journée d’étude sera l’occasion de rassembler des artistes, conservateurs, doctorants et universitaires autour des recherches en cours initiées par cette collaboration.
Elle contribuera à décloisonner les approches en liant création et patrimoine, problématiques au cœur de ces deux institutions.
La réflexion pourra s’organiser autour des thématiques suivantes :
  • L’évolution de la conception et de l’utilisation de ces matériaux en architecture au XIXe et XXe siècles.
  • Les projets, réalisés ou non, de céramique architecturale de la Manufacture de Sèvres
  • Les collaborations artistiques entre un artiste ou un architecte et la Manufacture
  • Les approches comparatives entre Sèvres et d’autres manufactures ou faïenceries

    Date limite d’envoi des propositions de communications : le mardi 16 mai 2017.Les propositions de communication (entre 2000 et 3000 signes maximum espaces compris), accompagnées d’une bio-bibliographie sont à envoyer aux adresses suivantes: laurence.tillard@sevresciteceramique.fr et emeline.houssard@sevresciteceramique.fr. Une prise en charge des frais de transports pourra être assurée.

Table ronde : Autour d’une icône : « Fontaine » de Marcel Duchamp, 1917, Paris, Centre Pompidou, 26 avril 2017

Le 26 avril 2017, à 19h00 (2h00)

Petite salle – Centre Pompidou, Paris

Entrée libre dans la limite des places disponibles

À l’occasion du colloque organisé par l’École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris sur la Valeur de l’art, une soirée-discussion autour de l’une des plus importantes icônes de l’art contemporain et de la collection du Centre Pompidou : la célèbre et provocante Fontaine de Duchamp, datée de 1917.
Avec Philippe Comar, Elsa Sahal, Bertrand Lavier, Saadane Afif, Bernard Blistène, Cécile Debray, Michel Gauthier, et le Philadelphia Museum of Art

Organisateur : DDC / J-M Colard

Source: https://www.centrepompidou.fr/cpv/ressource.action?param.id=FR_R-896f247353f51fde9fdb55a798715cf2&param.idSource=FR_E-896f247353f51fde9fdb55a798715cf2

COLLOQUE INTERNATIONAL – FOUCAULT ET LES ARTS » Université Paris-Ouest Nanterre – Fondation Gulbenkian Paris, 30-31 mars 2017

COLLOQUE INTERNATIONAL – FOUCAULT ET LES ARTS

30-31 mars 2017

Université Paris-Ouest Nanterre – Fondation Gulbenkian Paris

Organisatrices : Fabienne Brugère, Judith Revel, Arianna Sforzini

Comité scientifique : Danièle Cohn, Arnold Davidson, Frédéric Gros, Béatrice Han, Jacqueline Lichtenstein

Institutions partenaires : Université Paris-Ouest Nanterre (UFR Phillia, département de philosophie, ED 139, laboratoire Sophiapol), Université Paris 8 (département de philosophie, laboratoire LLCP), Association pour le Centre Michel Foucault, Fondation Gulbenkian Paris.

 

MICHEL FOUCAULT n’est pas seulement le philosophe de l’archéologie des discours, de la généalogie des pouvoirs, des modes de subjectivation et des jeux de vérité. Il est aussi le penseur qui a décelé dans les Ménines de Vélasquez l’emblème plastique du savoir classique, dans les toiles de Manet la matérialité vive de la modernité, dans le surréalisme de Magritte la paradoxale représentation de la rupture de l’espace représentatif à l’époque contemporaine.

Cet intérêt foucaldien pour la peinture est connu et a fait déjà l’objet de nombreuses recherches et études. Mais, bien au-delà des usages diversifiés du pictural dans ses travaux, Foucault a ouvert le discours philosophique à sa contamination réelle et active avec la pluralité des pratiques artistiques, souvent reléguées aux limites de la pensée traditionnelle. Littérature, théâtre, cinéma, musique, photographie, « performances » de la parole : autant de dimensions qui ne sont aucunement des « divertissements » esthétisants, de simples incursions dans des champs de pratiques et de pensées éloignés du discours philosophique classique, mais qui participent directement de la construction de la philosophie foucaldienne et en mobilisent la force théorico-politique.

Notre colloque se propose de repartir de ce constat pour déployer toute une série de questionnements essentiels. Il s’agira bien entendu de se pencher à nouveau sur une dimension presque « interne » à la philosophie foucaldienne : les archives récemment déposées à la Bibliothèque nationale de France contiennent de nombreux inédits, sur la peinture notamment, qui peuvent constituer un noyau important à la fois de re-contextualisation et de réactualisation des réflexions foucaldiennes sur les arts. Il faut pourtant éviter le double écueil du « fétichisme » des inédits et de l’« esthétisation » de ces travaux hétérogènes, comme si la réflexion esthétique de Foucault ne faisait pas partie intégrante d’un projet philosophique et intellectuel plus large. Il nous semble donc important de repenser la portée théorique et politique du questionnement des pratiques artistiques, en replaçant le discours de Foucault dans la trame des relations multiples que la pensée française contemporaine a tissées avec le domaine de l’esthétique (cf. par exemple Jean-Paul Sartre, Maurice Merleau-Ponty, Gilles Deleuze, Georges Bataille, Maurice Blanchot, Jacques Rancière). Mais il faut surtout ouvrir Foucault aux usages variés et importants que les arts ont faits de sa pensée ; et réfléchir à la manière dont s’est construite dans les dernières années, à travers Foucault, une circulation extrêmement féconde entre pratiques artistiques et pratiques politiques. En faisant dialoguer des chercheurs et des artistes, notre colloque souhaite questionner la force concrète et actuelle des réflexions foucaldiennes, sa fécondité pour des réappropriations hybrides, concrètes, politiquement engagées : mettons la philosophie à l’épreuve du questionnement artistique.

Programme

Jeudi 30 mars 2017

Université Paris-Ouest Nanterre, amphithéâtre W (nouveau bâtiment Max Weber, RdC)

9h30-9h50 Ouverture et introduction : Fabienne Brugère, Judith Revel, Arianna Sforzini

9h5010h30 Conférence : Marielle Macé (EHESS) – L’éclat d’une vie

10h30-11h10 Conférence : Philippe Sabot (Université Lille 3) – Le Brisset de Michel Foucault

11h10-11h40 Discussion

11h40-12h Pause-café

12h-12h40 Conférence : Patrice Maniglier (Université Paris Nanterre) – Le moment cinéma de Foucault 

12h40- 13h10 Discussion

13h10-14h30 Déjeuner (Buffet)

14h30-15h10 Conférence : Jacinto Lageira (Paris 1 Panthéon/Sorbonne) – Dévaluation esthétique et capital humain

15h10-15h50 Conférence : Judith Revel (Université Paris Nanterre) – L’invention de soi sous contrainte (Foucault à la manière de l’Oulipo)

15h50-16h20 Discussion

16h20-16h40 Pause-café

16h40-17h20 Conférence : Georges Didi-Huberman (EHESS) – Un art de l’inservitude volontaire

17h20-17h50 Discussion

 

Vendredi 31 mars 2017
Fondation Gulbenkian – Paris
9h00-9h40 Conférence : Frédéric Rambeau (Université Paris 8) – Les Ménines : Foucault-Lacan, 1966.

9h40-10h20 Conférence : Fabienne Brugère (Université Paris 8) – Y a-t-il une pensée de la peinture chez Foucault ?

10h20-10h50 Discussion

10h50-11h10 Pause-café

11h10-11h50 Conférence : Claudia Blümle / Ann-Cathrin Drews (Humboldt-Universität zu Berlin) – Le fou et le cynique. Les lectures de la peinture avec Michel Foucault

11h50-12h20 Discussion

12h20-14h00 Déjeuner (buffet sur place)

14h00-14h40 Conférence : Eric Alliez (Université Paris 8) – « C’est donc en profane que je vous parlerai de Manet ». Portrait de Foucault en hétéro.

14h40-15h20 Conférence : Alessandro Francisco (Pontificale Université Catholique de São Paulo) – Pour une archéologie de la musique: premières approches

15h20-15h50 Discussion

15h50-16h10 Pause

16h10-16h50 Conférence : Thomas Hirschhorn (artiste) – L’Amitié entre Art et Philosophie

16h50-17h30 Discussion finale

Appel à communication: colloque international « Illustration et Identité(s) – Illustrating Identity/ies (Nancy, 9-10 nov. 2017) », jusqu’au 15 mai 2017

An international conference organised by IDEA, Illustr4tio and Illustration Research Network

9th-10th November 2017, Université de Lorraine, Nancy, France

Confirmed keynote speaker: Professor Alan Male
https://www.falmouth.ac.uk/content/professor-alan-male

This conference, co-organised by IDEA (EA 2338, Interdisciplinarité Dans les Études Anglophones) at the Université de Lorraine, the Manchester School of Art (UK), the Université de Bourgogne Franche-Comté (EA 4182 TIL, Texte Image Langage), Université de Haute Alsace (EA 4363 ILLE, Institut de recherche en Langues et Littératures Européennes) and Université de Valenciennes et du Hainaut-Cambrésis (EA 4343 CALHISTE, Cultures, Arts, Littératures, Histoire, Imaginaires, Sociétés, Territoires, Environnement), invites participants to explore the interdisciplinary and cross-cultural means through which illustration, in all of its forms, contributes, and has contributed historically, to the shaping of ‘identity/ies’.

The study of illustration provides powerful insights into not only the representation, but also the construction of identity – including gender identities, national and political identities, subcultures, hybrid identities and performative identities. Illustrators as cultural agents have the power to both reinforce and problematise ‘the visual vocabulary of politics’ (Steven Heller, Iron Fists: Branding the 20th Century Totalitarian State, 2008; rep. 2010) through their use and manipulation of cultural narratives and stereotypes.

Illustrators often navigate several personas when creating artwork – for example the desires of the client, the reception of the audience, and the voices within the text. They may also produce highly personal and subjective work documenting emergent or performed identities in relation to historical, geographical, social, cultural and phenomenological matrices.

We are keen to encourage critical and theoretical frameworks which foster understanding of the cultural relevance of illustration, and to examine the links between book history, print and digital culture and identity. Both practice-led and theoretical papers are welcome. Papers may cover any form (book illustrations, extra illustrations, press cartoons, digital art, etc.) or type (decorative, narrative, scientific, technical, historical, educational, satirical, etc.) of illustration from the Early Modern period or Renaissance to the present day.

Subjects for discussion may address (though are not limited to) the following themes and questions:

  • The political agenda of illustration/illustrators: illustration as critique and social or political protest
  • The illustrator as agitator, mediator, witness and/or opinion former
  • The performance and performative aspects of illustration
  • Illustrating identity/ies and changing technologies
  • The participation of illustration in the construction and definition of individual identity
  • The participation of illustration in the construction and definition of collective / cultural / social / political / ethnic identity/ies
  • The illustration of historical and ‘grand narratives’ relating to national identity/ies

Please submit 300 word proposals for a 20 minute presentation to Nathalie Collé (IDEA & Illustr4tio) at nathalie.colle@univ-lorraine.fr and Desdemona McCannon (Illustration Research) at d.mccannon@mmu.ac.uk. Proposals for workshops and poster presentations are also welcome. Deadline: Monday 15th May 2017.

***

APPEL À COMMUNICATIONS
‘Illustration et Identité(s)’

Colloque international organisé par IDEA, Illustr4tio et Illustration Research Network

9-10 novembre 2017, Université de Lorraine, Nancy

Invité d’honneur confirmé: Prof. Alan Male

https://www.falmouth.ac.uk/content/professor-alan-male

L’équipe d’accueil IDEA (Interdisciplinarité Dans les Études Anglophones, EA 2338) organise, les 9 et 10 novembre 2017, un colloque international et bilingue (français – anglais) sur la question des rapports entre illustration et construction d’identité(s). Intitulé “Illustration et Identité(s) / Illustrating Identity/ies”, ce colloque est organisé par l’Université de Lorraine en partenariat avec la Manchester School of Art (Angleterre, Royaume Uni), l’Université de Bourgogne Franche-Comté (EA 4182 TIL, Texte Image Langage), l’Université de Haute Alsace (EA 4363 ILLE, Institut de recherche en Langues et Littératures Européennes) et l’Université de Valenciennes et du Hainaut-Cambrésis (EA 4343 CALHISTE, Cultures, Arts, Littératures, Histoire, Imaginaires, Sociétés, Territoires, Environnement).

Il réunira, sur le Campus Lettres et Sciences Humaines de Nancy, des chercheurs d’universités françaises et étrangères, ainsi que des praticiens de l’illustration et des professionnels du livre, mais aussi des étudiants de Master et des doctorants.

Il vise à explorer des questions relatives à la manière dont l’image d’illustration, sous ses différentes formes, contribue aujourd’hui et comme elle l’a toujours fait, à la construction d’identité(s) – identités politiques, culturelles, sexuelles, sociales, nationales, et autres. L’étude de l’illustration permet en effet d’appréhender non seulement la représentation mais également la construction de l’identité à travers l’image et les motifs iconographiques. En effet, les illustrateurs sont, de manière consciente ou inconsciente, de véritables agents culturels qui ont le pouvoir de façonner, voire de problématiser, le langage visuel et les messages qu’il transmet, notamment par leur utilisation et leur manipulation, intentionnelle ou accidentelle, de récits, d’images, de clichés et de stéréotypes divers et variés. Lorsqu’ils créent une image ou une série d’images, les illustrateurs intègrent diverses demandes et attentes et divers points de vue : ceux du texte ou de tout autre support qu’ils illustrent, ceux de leurs commanditaires, ceux de leurs co-créateurs (auteurs, graveurs, imprimeurs, éditeurs) et ceux de leurs publics. Ils peuvent produire des œuvres très personnelles et subjectives, qui reflètent des identités ancrées ou naissantes, en lien avec des matrices historiques, géographiques, sociales, culturelles et phénoménologiques sous-jacentes ou évidentes.

Ce colloque s’intéresse donc aux cadres pratiques, critiques et théoriques qui permettent d’éclairer et de mieux comprendre l’impact historique, culturel et social de l’illustration, et d’examiner les liens entre l’histoire du livre, la culture de l’imprimé et la culture numérique, l’iconographie et les images numériques, et la notion d’identité. Il invite les chercheurs et les praticiens à explorer l’illustration dans ses différentes formes (illustration du livre et hors du livre, illustration de presse, illustration numérique, etc.) et ses différentes fonctions (illustration décorative, narrative, technique, scientifique, historique, didactique, satirique, etc.), de l’époque moderne à nos jours.

Il encourage la réflexion sur les thèmes et sujets suivants:

  • L’agenda politique de l’illustration/l’illustrateur: l’illustration comme forme de commentaire ou de critique social(e) et politique
  • L’illustrateur comme témoin, médiateur, commentateur et agitateur
  • La dimension performative et performante de l’illustration
  • Illustration, identité(s) et technologies changeantes
  • L’illustration de grands récits historiques et la (dé)construction des identités nationales
  • Le rôle de l’illustration dans la construction et la définition de l’identité individuelle
  • Le rôle de l’illustration dans la construction et la définition de l’identité collective / culturelle / sociale / politique / ethnique, etc.

Merci d’envoyer vos propositions de communications (environ 300 mots, pour une présentation de 20 minutes) à Nathalie Collé (IDEA & Illustr4tio) nathalie.colle@univ-lorraine.fr et à Desdemona McCannon (Illustration Research) d.mccannon@mmu.ac.uk. Les propositions d’ateliers ou de présentations de type poster sont également les bienvenues. Date limite d’envoi des propositions: lundi 15 mai 2017.

 

Source: http://blog.apahau.org/appel-a-communication-illustration-et-identites-illustrating-identityies-nancy-9-10-nov-2017/

Colloque : « Nouveaux regards sur la haute couture parisienne de 1850 à nos jours », 24 et 25 mars 2017, Paris, INHA

Le colloque s’inscrit dans le cadre des événements liés à l’ouverture de la bibliothèque de l’INHA, collections Jacques - Doucet. Mécène et collectionneur, Jacques Doucet fut aussi – il convenait de le rappeler – l’un des plus brillants représentants de la haute couture parisienne au tournant des XIXe et XXe siècles. Le colloque propose un nouveau regard sur les composantes de cette histoire de la haute couture : ses protagonistes, ses processus créatifs, ses matériaux, ses modes de diffusion, ses clientes, mais aussi son propre statut qui a largement évolué depuis son apparition et ses premières formulations à la fin du XIXe siècle, sous l’égide de Charles Frederick Worth. Séculaire, cette histoire a été trop souvent appréhendée du seul point de vue des créateurs, dont le nom et la griffe, investis d’un pouvoir « quasi-magique », pour reprendre la célèbre expression de Pierre Bourdieu, ont été prioritairement convoqués afin de comprendre le succès de la couture parisienne. Pour asseoir cette réévaluation de l’histoire de la haute couture, les intervenants prendront en considération les contradictions inhérentes à sa construction et à son système, notamment les tensions entre couture, art et commerce, la relation de la couture avec le prêt-à-porter et la production en série. Seront également évoqués les questionnements actuels touchant d’une part à l’industrialisation extrême de la mode avec la fast fashion, d’autre part à l’impact des outils numériques sur la couture.

En partenariat avec l’Institut français de la mode, l’Institut d’histoire du temps présent-CNRS et avec le concours de la Fédération de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode.

Intervenants

  • Miren Arzalluz (Barcelone)
  • Marco Belfanti (Brescia)
  • Géraldine Blanche (Paris, SciencesPo)
  • Ivana Culjak (Zagreb City Museum)
  • Maria do Carmo Rainho (Rio de Janeiro, National Archives)
  • Karolien De Clippel (Hasselt, Modemuseum)
  • William DeGregorio (New York, Bard Graduate Center)
  • Émile Hammen (Paris, IFM)
  • Michelle Finamore (Boston, Museum of Fine Arts)
  • Christian Gros (Paris, Palais Galliera)
  • Didier Grumbach (Paris)
  • Anna Lebovic (The Univeristy of Sydney)
  • Marie McLoughin (University of Brighton)
  • Michele Majer (New York, Bard Graduate Center)
  • Zsolt Mészàros (Budapest, université Eötvos Lorànd)
  • Jérôme Neutres (Paris, Réunion des musées nationaux)
  • Tomoko Okawa (Tokyo, Jissen Women’s University)
  • Adelheid Rasche (Nuremberg, Germanisches National Museum)
  • Maurizio Rofrano (Paris)
  • Marine Schweitzer (Paris, Paris IV Sorbonne)
  • E.-J. Scott (Arts University, Bornemouth)
  • Sara Skillen (Stockholm University)
  • Katarzyna Stempniak (Duke University)
  • Françoise Tétart-Vittu (Paris)
  • Alessandra Vaccari (Université de Venise)
  • Marlène van de Casteele (Université Lyon 2 Lumière)
  • Johanna Zanon (Université d’Oslo)

Comité scientifique

Maude Bass-Krueger (Tel Aviv University et IHTP / CNRS), Dominique Jacomet (IFM), Sophie Kurkdjian (IHTP / CNRS), Pascal Morand (Fédération de la couture, du prêt-à-porter des couturiers et des créateurs de mode), Philippe Thiébaut (INHA), David Zajtmann (IFM)

_____

Informations pratiques

24 mars 2017 – 9H30-18H
INHA, galerie Colbert, auditorium

25 mars 2017 – 9H30-18H
Institut Français de la Mode, amphithéâtre Yves Saint Laurent

entrée libre sur inscription : conferencehautecouture.wordpress.com/registration

Source: http://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/mars-2017/nouveaux-regards-sur-la-haute-couture-parisienne-de-1850-a-nos-jours.html?search-keywords=colloque

Journée d’études: « Autour de Roger Taillibert – Structures architecturales et ingénieurs du XXe siècle », 23 mars 2017, Paris, INHA

Les interactions entre architecture et ingénierie constituent un champ de recherche fertile. Depuis les années 1990, les publications et expositions monographiques permettent d’envisager une réflexion synthétique sur les architectes et ingénieurs qui ont su allier recherches structurelles et force expressive au cours du XXe siècle : travaux universitaires et fonds d’agences conservés dans les collections muséales offrent l’opportunité de s’interroger sur le processus de conception du projet architectural, de ces voûtes, coques, coupoles en béton, structures tendues et autres modèles structurels. À travers les maquettes et les plans, les matériaux performants, l’ingénierie intégrée et l’utilisation de l’informatique, les projets d’Eduardo Torroja, Pier Luigi Nervi, Felix Candela, Roger Taillibert, Frei Otto et Myron Goldsmith révèlent des expérimentations sans cesse renouvelées pour défier les lois de la statique et dominer la matière.

En partenariat avec la Cité de l’architecture et du patrimoine – musée des Monuments français

Responsables scientifiques

  • Stéphanie Quantin (Cité de l’architecture et du patrimoine)
  • Arnaud Timbert (INHA)

Programme

Pionniers et modèles. De la science à l’art des structures
_“Architectes et ingénieurs de l’entre-deux-guerres à la Reconstruction : l’émergence de la maîtrise d’œuvre moderne”, par Nicolas Nogue (ministère de la Culture et de la Communication).
_“Le fonds de maquettes de l’agence Roger Taillibert”, par Stéphanie Quantin-Biancalani (MMF-Cité de l’architecture et du patrimoine).
_“Shell structures of Eduardo Torroja: The cheapest solution”, par Joaquín Antuňa Bernardo (Universidad Politécnica de Madrid).
_“The Structural Art of Felix Candela’s Shells”, par Marisela Mendoza Ramos (School of Architecture Design and the Built Environment, Nottingham Trent University).
_“Pier Luigi Nervi’s reduced scale models: « Masterpieces in Miniature »”, par Gabriele Neri (Università della Svizzera italiana, Mendrisio).

Discours de Roger Taillibert architecte.

Roger Taillibert et ses contemporains. Vers une approche interdisciplinaire du projet ?
_“Architecte et ingénieur : l’usine SICLI par Heinz Isler ou la chronique tumultueuse d’une collaboration magistrale”, par Yvan Delemontey (École polytechnique fédérale de Lausanne, Laboratoire TSAM).
_“Stéphane du Château : l’activité libérale d’un ingénieur-conseil”, par Christel Palant-Frapier (ENSA Versailles).
_“Frei Otto. Thinking by Modeling”, par Georg Vrachliotis (Karlsruhe Institute for Technology, Stuttgart).

Le Parc olympique de Montréal. Connaissance, reconnaissance
_“Le Stade olympique de Montréal, signification historique, valeur patrimoniale”, par France Vanlaethem (UQAM, Montréal).
_“Présentation de l’ouvrage Le Parc olympique. 40 ans d’émotions (Dominion Modern, 2016) par son auteur Benoît Clairoux.

_____

Informations pratiques

23 mars 2017 – 9H-18H

Galerie Colbert, salle Vasari
Institut national d’histoire de l’art
2, rue Vivienne ou 6 rue des Petits Champs
75002 Paris

entrée libre

Sources: https://www.inha.fr/fr/agenda/parcourir-par-annee/en-2017/mars-2017/autour-de-roger-taillibert.html

Journée d’études : « Global Art & Cultural Periodicals » (14 novembre 2016 et 1er mars 2017, INHA, Paris)

Colloque: « VISIONS DE L’HISTOIRE : L’ÉCRITURE VISUELLE DU TEMPS » (Paris, Collège de France et BnF, 3-4 février 2017)

upl8384979790243985319_visions_histoire

Colloque international: « VISIONS DE L’HISTOIRE : L’ÉCRITURE VISUELLE DU TEMPS »

Colloque organisé par Laurent Cuvelier, Adrien Genoudet et Clément Weiss

3-4 février 2017 Paris

Collège de France, Bibliothèque nationale de France

En fermant les yeux, nous parvenons à imaginer et voir
presque intuitivement les époques que nous n’avons pas
vécues. Ce paradoxe tient à l’habitude que nous avons
d’incarner le temps en images qui sont autant de
compositions visuelles et de « visions de l’histoire » dont
il s’agit de faire la généalogie. À travers le cinéma, la
bande dessinée, la photographie, le jeu vidéo,
l’illustration, les manuels scolaires, la télévision ou encore
les objets publicitaires, les clichés du temps sont cesse
retracés et reconfigurés au point que les images
semblent performer de nouveaux repères de périodicité. Il
y a ainsi dans l’image qui s’empare du passé un rapport
de prédation qui n’est pas sans rappeler ce que Sartre dit
du mort, condamné à « être la proie des vivants ». On ne
peut pas (se) représenter innocemment une époque : ces
images concrètes ou mentales disent quelque chose sur
notre rapport au temps et à l’histoire, elles forment un
fonds de sens commun et de valeurs où gisent des
idéologies du passé, de la modernité ou de la civilisation.
Ce sont ces latences du temps visualisé que ce colloque
souhaite interroger.

Voir le programme complet 

PROGRAMME
Jeudi 2 février 
Reflet Médicis (Paris 5e)
20h30.
Projection du film Häxan de Benjamin
Christensen (1922).
Présentation et discussion avec Christian Delage dans le
cadre du cycle « Un film, une histoire » (IHTP avec le
soutien du CNC)

Vendredi 3 février 
Collège de France
Amphithêatre 2

9h. Patrick BOUCHERON (Professeur au Collège de
France) : Introduction et accueil des participants.

9h30. Adrien GENOUDET (Doctorant/ATER Université
Paris VIII/Collège de France) : En guise d’introduction, «
Percer le Noir Antérieur »

10h15. Gil BARTHOLEYNS (Maître de conférence à
l’Université Lille III) – Anne BESSON (Maîtresse de
conférences à l’Université d’Artois) – Christian DELAGE
(Professeur à l’Université Paris VIII) : Table Ronde – «
Approches historiennes des études visuelles » Première
Partie.

11h. Pause.

11h30. Gil BARTHOLEYNS – Anne BESSON – Christian
DELAGE : Table Ronde – « Approches historiennes des
études visuelles » Deuxième Partie

12h30. Discussion.

13h. Déjeuner

14h30. Isabelle PARESYS (Maîtresse de conférences à
l’Université Lille III) : « Le costume historique de cinéma
comme écriture visuelle d’une époque : l’exemple de la
Renaissance ».

15h00. Laurent CUVELIER (Doctorant/ATER à Sciences
Po/Université Lille III) : « Visualité des éphémères – les
usages de l’affiche dans les représentations visuelles du
passé, XVIIIe-XIXe siècles ».

15h30 Discussion

16h. Pause.

16h30. Guillaume MAZEAU (Maître de conférences à
l’Université Paris I) : « Visualiser l’histoire immédiate de la
Révolution : tableaux, galeries, cartes et cosmographies »

17h. Clément WEISS (Doctorant à l’Université Paris I) : «
Récupérer la subversion : les images du Paris muscadin,
du pavé aux curiosités »

17h30. Discussion.

18h. Daniel S. MILO (Maître de conférences à l’EHESS) :
Conclusion de la journée.

Samedi 4 février
Bibliothèque nationale de France (site François
Mitterrand)
Petit auditorium

9h30. Accueil des participants.

10h. Vincent MARIE (docteur en histoire, professeur au
lycée Philippe Lamour de Nîmes) : « L’imaginaire de
l’Egypte ancienne par la bande dessinée : un dialogue
avec les temporalités »

10h45. Sylvain VENAYRE (Professeur à l’Université de
Grenoble) et Etienne DAVODEAU (Auteur de bandes
dessinées) : « Dépasser le roman national par la Bande :
repenser les temps »

12h. Déjeuner

13h30. William BLANC (historien) – Ségolène LE MEN
(Professeure à l’Université Paris X) – Vincent MARIE
(docteur en histoire, professeur au lycée Philippe Lamour
de Nîmes) table ronde : « Médiation des temporalités par
l’image : enseignement secondaire, transmission,
vulgarisation » animée par Valérie HANNIN (directrice de
la rédaction de la revue L’Histoire).

15h. Pause

15h30. Patrick BOUCHERON (Professeur au Collège de
France) – Dominique KALIFA (Professeur à l’Université
Paris I) – Antoine LILTI (Directeur d’étude à l’EHESS) :
Discussion. « Renaissance, Lumières et Belle Epoque :
chrononymes et écriture visuelle » animée par Etienne
ANHEIM (Directeur d’étude à l’EHESS) –

18h André GUNTHERT (Maître de conférences à
l’EHESS) : Conclusion des deux journées

Source: https://scv.hypotheses.org/1661

Appel à publication : Revue Opus n°3 (jusqu’au 15 février 2017)

parisouest

 UNIVERSITÉ PARIS NANTERRE,  Revue Opus n° 3

La revue Opus, mook des étudiants en master Conception et rédaction éditoriales de l’université de Paris Nanterre, éditée par Les Presses de l’université, lance un appel à contributions sur l’étude des rapports entre la peinture et la littérature réalistes en essayant de renouveler l’approche historique, poétique et critique.

La définition du réalisme est indissociable de la volonté de rendre compte de manière picturale de la réalité (mimèsis, portrait, ekphrasis, hypotypose, vues imageantes…). Il s’agira de s’interroger sur la naissance du réalisme en peinture et en littérature, sur leur essence mimétique, leur vocation encyclopédique. Les débats autour du réalisme (Champfleury, Courbet…) sont au cœur de la réflexion sur la question de la transposition et de la modélisation de la réalité. Quel rôle joue la poétique du détail, de la partie et du tout dans la représentation ? Dans quelle mesure l’analogie entre la peinture et la littérature est-elle encore opératoire pour rendre compte des formes de la mimèsis ?

La théorie de la mimèsis a largement été contestée depuis le XXe siècle. Quels rôles ont eu les avant-gardes du XXe au XXIe siècle dans cette recherche d’une réalité fondée sur l’immanence de l’art ? La peinture et la littérature contemporaine semblent  avoir renoué avec l’exigence du réel. Le réalisme n’est pas seulement un ensemble de conventions stylistiques, narratives, esthétiques. Il détermine les relations entre l’univers réel et la vérité en peinture et en littérature selon des critères très différents en fonction de la conception du réalisme : néoréalisme, réalisme magique, nouveau réalisme, hyperréalisme…. On s’interrogera sur cette vocation herméneutique du réalisme qui se fait, le plus souvent, au profit de l’effacement du style littéraire ou pictural.

La diversité des expérimentations esthétiques actuelles place la question du réalisme au cœur du travail artistique. Dans quelle mesure peut-on encore parler « d’imitation créatrice » ? Le street art, les performances, les multiples pratiques urbaines, font souvent appel à un réalisme cru qui ouvre sur la fiction. On s’interrogera sur la médiation des nouvelles images dans ces pratiques.

La distance entre le poète, le peintre et le réel parcourt toute l’histoire du paradigme mimétique, de sa déconstruction à sa reconfiguration. Aujourd’hui, les mondes fictionnels sont parfois plus réels que la réalité elle-même. Dans quelle mesure le réalisme littéraire et artistique engagent-ils une construction intelligible du monde, une expérience cognitive nouvelle ? Comment le réel est-il alors dénoté et signifié ?

Les propositions de contribution (3000 signes environ) accompagnées d’une brève notice biographique, sont à envoyer par courriel avant le 15 février 2017, à l’adresse suivante : pierre.hyppolite@u-paris10.fr    Elles seront examinées par les étudiants du master Cored (Humanités et Industries Créatives).

Les réponses seront transmises début mars 2017 ; les articles (texte et images) demandés pour juillet 2017. Le numéro 3 de la revue Opus sortira en 2018.

Source: https://www.fabula.org/actualites/litterature-et-peinture-desirs-de-realismes_77297.php